Ministerio de Cultura Ecuador

El 18 de mayo se celebrará el Día Internacional de los Museos,por esta razón, el Ministerio de Cultura ha preparado más de cien eventos en once ciudades del país para conmemorar este día. El proyecto es parte de la Política Nacional de Museos, la cual está orientada para apoyar a las instituciones museísticas del país.

Esta política será presentada el 18de mayo y es parte de la agenda de celebración que incluye eventos y actividades gratuitas, del 16 al 24 del mismo mes. Los habitantes de Cuenca, Loja, Esmeraldas, Ibarra, Riobamba, Guayaquil, Quito, Manta, Bahía de Caráquez, Portoviejo y Santa Elena disfrutarán de exposiciones, visitas guiadas diurnas y nocturnas, documentales, talleres y poesía.

También están programadas actividades en todos los centros interculturales comunitarios, que se encuentran en las localidades de Oña, San Lorenzo, El Juncal, La Chimba, Manglar Alto, La Concepción, Kintiwasi, Pilahuin, Matiabí y Guadalupe.

Actualmente nuestro país cuenta con 186 museos activos. El Ministerio de Cultura inició a desarrollar en el 2010 el Sistema Ecuatoriano de Museos (SIEM); con el aporte de más de doscientos participantes y su red de catorce museos nacionales ubicados en once ciudades del país. Los catorce museos son los pilares fundamentales del Sistema, también son los responsables de asesorar técnicamente y acompañar la gestión museal en el territorio.

Todo esto se desarrolla gracias al Ministerio de Cultura con el apoyo de los Ministerios de Inclusión Económica y Social (MIES) y de Educación.

A continuación, el cronograma de actividades:

Elenco completo de Jardín de pulpos. Laboratorio Malayerba 2012. Fuente: http://www.facebook.com/jardindepulpos

La obra teatral Jardín de Pulpos escrita y dirigida por Arístides Vargas se presentó en la Casa de Teatro Malayerba.  Es dedicada a toda la gente que  secuestrada y desaparecida, en la mayor parte de los casos asesinada, por orden militar; en aquella época de dictadura en los años 60 y 70 en Chile y Argentina.

La presentación la hicieron egresados del Laboratorio de Formación Teatral, que terminan en este año, y es una nueva versión de la original, escrita hace veinte años y hecha por el grupo mayor Malayerba.

El tema central  se halla en la revalorización, en la acción de recordar con dos objetivos principales: la propuesta de no volver a caer en la equivocación y la idea de que sólo se puede olvidar lo que se recuerda.

Se destaca la importancia de vivir en la memoria, porque la realidad es algo que debe sustentarse en las raíces, a partir de historias que se van construyendo y sedimentando en la realidad.

José es el protagonista, quien ayudado por Antonia, una loca mujer solitaria que vive en una playa, reconstruye el pasado que no es solamente lo que vivió, sino lo que creyó vivir. Además, plantea una paradoja, porque el protagonista reconstruye un pasado a través de los sueños, por lo tanto no puede ser tan certero. La pieza de teatro habla de la poca certeza y la necesidad de reconstruir la historia en el día a día.

José cuestionándose en sus sueños

Se establecen también vectores políticos, sociales y existenciales. Entre ellos, está el cambiar lo injusto y eliminar lo innecesario, “una utopía que es necesaria en la vida para mover y conmover a las personas”, según Arístides Vargas.

La obra trata la poética de las diferencias y la diversidad, porque es hecha en el Ecuador, pero con tintes que involucran a Latinoamérica. El título: “Jardín de Pulpos”, está tomado del tema de la banda inglesa Los Beatles, que habla sobre amigos que quieren ir al fondo del mar en donde vive un pulpo que, supuestamente, los protegería a todos y serían felices jugando en su jardín de pulpos: es una asociación con los jóvenes asesinados tirados al mar.

El propósito de la puesta en escena, es mostrar a la sociedad un contexto que no se debe olvidar: aquel de los desaparecidos y asesinados que quedaron en la impunidad, para así reconstruir una sociedad más consciente.

El Container, espacio para el arte de El Pobre Diablo. Foto: David Novoa

Gracias al apoyo de: El Conteiner-espacio para el arte de El Pobre Diablo, La Selecta – Cooperativa Cultural y No Lugar – plataforma de arte contemporáneo, se realiza en Quito la exposición colectiva de dibujo contemporáneo: Ficción-Fricción.

Se trata de una muestra colectiva de artistas jóvenes emergentes. Los expositores cursan o han cursado sus estudios en artes en distintas universidades de Quito. Los artistas: Boloh, Mensa, Francisco Suárez, Sebastián Valbuena y Roberto Vega, muestran su creatividad desde distintos puntos de vista.

Boloh y Mensa han incursionado en la escena del arte urbano de Quito. Francisco Suárez es gestor de No Lugar – Plataforma de arte Contemporáneo.

Sebastián y Roberto son estudiantes de Artes Visuales y están involucrados en otras prácticas artísticas como la música y la actuación.

Algunos dibujos. Foto: David Novoa

Las temáticas que tratan son diversas: bitácoras de lo cotidiano, documentación de las vivencias de los autores, “limpieza del inconsciente” y más; aludiendo siempre al potencial narrativo de cada artista por medio del campo del dibujo.

Si les interesa el dibujo, pueden visitar esta interesante muestra que se inauguró el 24 de abril y estará abierta al público hasta el 11 de mayo, en El Container – espacio para el arte de El Pobre Diablo. La entrada es gratuita.

Catedral de Santa Maria del Fiore, Foto: Omar Ganchala

Florencia es una ciudad que cautiva; en sus calles, callejones y plazas uno respira arte, cultura, música e historia. Es la ciudad de los artistas, de los pintores y de los escultores. Es la cuna del arte occidental. Esta bella ciudad es la capital de la región de Toscana, es considerada una de las ciudades más importantes de Italia, tiene casi medio millón de habitantes y es la parada obligatoria para cualquier persona que guste del arte.

La Catedral de Santa Maria Del Fiore, el Ponte Vecchio, la Galleria Uffizi, el Museo de la Academia, el Palacio Piti, entre otros, son varias de las paradas obligatorias que los turistas que visitan Florencia deben hacer. A Firenze, nombre original de la ciudad en italiano, se puede llegar en tren, en bus o en avión. La Estación Santa Maria Novella recibe miles de viajeros que vienen desde todas partes de Italia y de Europa, mientras que su aeropuerto Americo Vespucci, es parada obligatoria de muchas de las aerolíneas más grandes de Europa y del mundo.

Como toda ciudad, Firenze tiene un núcleo alrededor del cual gira la vida citadina. La Catedral de Santa Maria del Fiore es el principal atractivo arquitectónico de esta ciudad; Santa Maria del Fiore es una iglesia en la que ya no se celebran eucaristías, pues ahora es un lugar destinado únicamente al turismo. Por dentro, la iglesia tiene un parecido singular con Santa Teresita, templo católico ubicado en el sector de La Mariscal de Quito. Colores como el blanco, el plomo y el verde oscuro priman en el interior de la iglesia. Las bancas han sido retiradas, de forma que los visitantes pueden trasladarse por todo el lugar sin ninguna dificultad. Una bella cúpula, la más famosa de Italia, embellece a este templo religioso. Y es que fue el mismo Miguel Ángel el que la diseñó y la construyó; hoy en día, los visitantes tienen la oportunidad de subir a la cúpula para tener una vista privilegiada de la ciudad, así como también es posible subir a la torre del campanario. Todo esto a un costo de 8 y 15 euros respectivamente.

Interior de Santa María del Fiore, Foto: Omar Ganchala

Cúpula de Santa Maria del Fiore, Foto: Omar Ganchala

Ponte Vecchio, Foto: Omar Ganchala

Pero si hablamos de tradición, uno de los lugares más propios de Firenze es el Ponte Vecchio. Un puente que cruza el río Arno (que dicho sea de paso atraviesa toda la ciudad) y que alberga a las casas más antiguas de Firenze, casas que de hecho desafían a la gravedad, pues cuelgan del puente, dando una espectacular vista de la cuenca hidrográfica del Arno. El Ponte Vecchio, que es una de las zonas más comerciales y visitadas de la ciudad; ofrece a los visitantes una amplia gama de almacenes de joyería y platería sumamente exclusiva, donde la pieza de menor valor está por sobre los 150 euros.

El Nacimiento de Venus, cuadro original. Foto: Omar Ganchala

La Galleria Degli Uffizi es otro de los ejes fundamentales de la ciudad, pues es uno de los museos más importantes de Italia y del mundo. El Uffizi ocupa todo un edificio de tres pisos y alcanza fácilmente el tamaño de una manzana completa, incluso más. Este museo es uno de los más famosos del mundo, pues alberga a miles de obras de arte “El Nacimiento de venus” de Sandro Botticelli, es la joya de este establecimiento. El cuadro original ocupa toda una pared, de extremo a extremo, y es el atractivo principal de esta Galleria. Otras grandes obras de arte de Miguel Ángel, Botticelli y otros artistas también se encuentran en este lugar, convirtiéndola en un tesoro de la cultura artística mundial.

David, escultura original. Foto: Omar Ganchala

Pero sin duda, el tesoro más grande que alberga esta ciudad es el Museo de la Academia, pues este lugar es la casa del famoso David, de Miguel Ángel. El museo posee grandes obras de arte en exhibición que, lastimosamente, se ven minimizadas ante la majestuosidad y perfección de la figura del David. Esta estatua, esculpida totalmente en mármol blanco, es uno de los referentes artísticos más importantes de la historia. Se encuentra ubicado en una especie de círculo que permite que el espectador pueda rodearlo y observar hasta el más mínimo detalle de la figura humana. Imponente, majestuoso y sobrio, se levanta el David original, símbolo de la belleza y del renacimiento del arte clásico de la ciudad.

El Palazzo Piti, el Palazzo Vecchio, y otros palacios son también atractivos importantes de la ciudad. Piti es uno de los más grandes palacios renacentistas de Firenze. Está dividido en dos partes: una dedicada a la residencia y otra dedicada a los jardines. La parte residencial está destinada a diversas exposiciones de vestimenta, joyería y utilería medieval y renacentista. Los jardines, por otro lado, están construidos a tres niveles y están adornados por hermosas y gigantes piletas que representan a diferentes deidades griegas.

Fachada Palazzo Piti. Foto: Omar Ganchala

Jardines del Palazzo Piti. Foto: Omar Ganchala

Firenze es una ciudad en donde los visitantes pueden explotar todo su potencial artístico. Es la ciudad en la que las ilustraciones de los libros de clase se vuelven realidad. El centro de la ciudad se encuentra lleno de agencias de turismo en donde se ofrecen recorridos guiados en todos los idiomas para aprovechar al máximo la estadía en esta bella ciudad. Sin embargo, aunque el turismo es la principal actividad económica de Florencia, no es lo único que ofrece. Firenze es también conocida por sus exquisitos helados. Il Festival Dil Gelato, ubicado a dos cuadras de Santa Maria del Fiore, es una de las heladerías más famosas y más grandes de la ciudad: más de 10 variedades de chocolate (ferrero, kinder, baci, nutella, etc) y casi 60 sabores de frutas naturales. Al mínimo costo de 2 euros, se puede disfrutar un helado de doble bola de sabores a escoger, literalmente un sabor para cada día del año.

Turistas en La Cité, un tradicional bar de Florencia. Foto: Andrea Tacconi

En cuanto a diversión y entretenimiento, lo bohemio es lo principal de Florencia. Los bares tradicionales como La Cité, ubicado casi en las afueras de la ciudad, ofrece a los visitantes una forma florentina de diversión: música en vivo, mimos y dramatizados, acompañados siempre de una birra (cerveza), un limoncelo o un coctel son la mejor manera de disfrutar del ambiente nocturno. No obstante, la gran afluencia de turistas provenientes de Estados Unidos y de Europa ha ocasionado que se abran bares en donde la música electrónica, el pop y el hip hop son los ingredientes fundamentales para disfrutar de una excelente noche. Y la compañía, ni mencionarlo, cualquier lugar brinda la oportunidad de conocer a personas de cualquier lugar del mundo.

Sin duda alguna, si gustas del arte, de las noches bohemias y de la cultura, debes incluir a Firenze en tu próximo viaje. Y lo mejor de todo, podrás registrar tu estancia a través de tus fotografías, pues tomarlas no está prohibido salvo para las grandes obras de arte. ¡No te vas a arrepentir!

Atardecer florentino. Foto: Omar Ganchala

Ocaso en el Arno. Foto: Omar Ganchala

Plaza Vieja. Foto: Designwallah (Flickr CC)

A partir del miércoles 25 al sábado 28 de abril, se realizará, en La Habana, Cuba, la Semana de las letras ecuatorianas. El Centro Cultural Dulce María Loynaz, la Casa de la Poesía, la Casa del Alba y la Casa Guayasamín, serán las sedes de este encuentro.

La jornada comenzará el miércoles 25 en el Centro Dulce María Loynaz, donde se llevará a cabo la conferencia de prensa, en la cual los autores invitados y miembros de la delegación ecuatoriana conversarán con los periodistas cubanos y extranjeros sobre los detalles de esta iniciativa, promovida por el Ministerio de Cultura y la Embajada de Ecuador. El evento cuenta con el coauspicio del Ministerio de Cultura de Cuba, a través del Instituto Cubano del Libro.

Los visitantes ofrecerán conferencias sobre grandes figuras de las letras ecuatorianas del siglo XX. Los poetas ecuatorianos también presentarán un conjunto de acciones poéticas en diversas instituciones de La Habana.

En todas las actividades se distribuirán ejemplares de la antología De la ligereza o velocidad que también es perfume, que contiene una amplia muestra de la obra lírica de los poetas invitados, y que fue preparada especialmente con motivo de la Semana Cultural del Ecuador en La Habana.

Los poetas ecuatorianos invitados son: María Luz Albuja, Siomara España, Aleyda Quevedo, Juan Secaira, Javier Cevallos y Juan Carlos Miranda.

Estos son los horarios:

• Miércoles 25 de abril

Centro Dulce María Loynaz

10:00 a.m. Conferencia de prensa con la delegación ecuatoriana

Facilitador: Jesús David Curbelo

7:00 p.m. Recital Inaugural

Participantes:

Aleyda Quevedo Rojas

María Luz Albuja

Siomara España

Juan Carlos Miranda

Juan Secaira

Javier Cevallos

Presentador: Edel Morales

• Jueves 26 de abril

Centro Dulce María Loynaz

10:30 a.m. Conferencia sobre la obra de Humberto Salvador

Conferencista: Juan Secaira

Casa de la Poesía

6:00 p.m. Espectáculo danzario: Extraterriotorios

Invitado: Juan Carlos Miranda

7:00 p.m. Lectura de poesía

Participantes:

Juan Carlos Miranda

Aleyda Quevedo Rojas

María Luz Albuja

Siomara España

Presentador: Jesús David Curbelo

• Viernes 27 de abril 

Centro Dulce María Loynaz

10:30 a.m. Conferencia sobre la obra de Jorge Carrera Andrade

Conferencistas: Aleyda Quevedo y María Luz Albuja

Casa del Alba

7:00 p.m. Homenaje a Eloy Alfaro

Actor invitado: Javier Cevallos

8:00 p.m. Lectura de poetas ecuatorianos y cubanos

Participantes:

Siomara España

Juan Secaira

Edel Morales

Alpidio Alonso

Presentador: Jesús David Curbelo

• Sábado 28 de abril 

Centro Dulce María Loynaz

10:30 a.m. Conferencia sobre la obra de Pablo Palacio

Conferencista: Siomara España

Casa Guayasamín

6:00 p.m. Recital de clausura

Participantes:

Aleyda Quevedo Rojas

María Luz Albuja

Siomara España

Juan Carlos Miranda

Juan Secaira

Javier Cevallos

Presentador: Alpidio Alonso

“Tercera llamada, tercera, la obra va a empezar”

Elenco de la obra "Carmen". Foto: Paola Hidalgo.

Las luces se apagan, el público deja de hablar, los telones se abren y el escenario se ilumina. Una música tenue e inicialmente fúnebre ambienta el lugar.  Acto seguido, aparecen los bailarines e intérpretes de la aclamada obra “Carmen”.

La obra se presentó en el Teatro de la  Casa de la Cultura Ecuatoriana “Benjamín Carrión”. Después de dos exitosas presentaciones, Carmen viajará por todo el Ecuador y probablemente se presente en algunos países europeos. Rubén Guarderas, Director del Ballet Nacional de Ecuador, comentó que el éxito de esta presentación se debe a los seis meses de trabajo conjunto del Ballet Nacional de Ecuador y el  Ballet Metropolitano, no obstante, Guarderas afirma que la excelencia  de este y otros trabajos, son el fruto de una intensa labor de  treinta y dos años.

La obra literaria  del francés Mérimmé se traduce en cincuenta minutos de danza. En esta ocasión, Carmen cuenta sus múltiples historias de amor y tristezas a través del baile. La obra del escritor parisino ha sido llevada a escena en varias ocasiones; inicialmente, con la Ópera franco-española que se estrenó el tres de marzo de 1987 en París

El cubano-español Pepe Hevia, en su roll de director y coreógrafo, asegura haber cumplido uno de sus sueños: ” Todos los coreógrafos del mundo sueñan con hacer Carmen alguna vez”. Hevia presenta a Carmen como una mujer decidida y sensual, enamorada y libre: ¡Libre sobre todas las cosas!.

A lo largo de la obra, vemos varias etapas de una Carmen cuyo inicio adelanta el desenlace de la historia, pues la protagonista aparece en brazos, muerta. La expresión corporal de los bailarines refleja el objetivo del director, quién en esta ocasión pretende dar un giro a la obra literaria, pues se presenta la escencia original de la novela y se elimina toda la parte política de la obra . Sin lugar a dudas, el espectador entiende que Carmen es una mujer sin prejuicios, sin temores y con una capacidad infinita de amar, por eso es odiada y a la vez amada.

Los bailarines reciben los aplausos del público. Foto: Paola Hidalgo.

La interpretación del Grupo de danza contemporánea es profunda y llena de juegos emocionales, en momentos, el público se integra a la obra y quiere ser parte de la historia. En otros momentos, las secuencias grupales se transforman en un solo sentimiento, pues todas las bailarinas son Carmen y todos los bailarines son José. A través de la puesta en escena, el espectador se integra al mundo de la simplicidad y la belleza de la danza gestual. La música y vestuario son los puntos clave que clasifican a la “Carmen” de Pepe Hevia como revolucionaria. En primer lugar, la fusión flamenco-ópera hacen de este, un baile contemporáneo. Por otra parte, el vestuario rompe con lo convencional, pues abandona el tradicional flamenco y nos transporta a la actualidad. Todo el elenco usa trajes elegantes pero atrevidos.

Es importante resaltar que esta y todas las presentaciones organizadas por el Teatro de la Casa de la Cultura son completamente gratuitas.

Pinche aquí para ver el vídeo

en http://www.gaudiclub.com

Si hay lugar donde lo antiguo y lo moderno coexisten, es Barcelona. Capital de la Comunidad Autónoma de Cataluña, situada al noreste de la península ibérica, es la ciudad donde el genio, Antoni Gaudí, dejó la mayor parte de sus ambiciosas construcciones. Además del equipo de fútbol, Barcelona sobresale por su geografía, porque pocas son las ciudades que nacieron del mar y la montaña; además su arquitectura es para muchos, un pedazo de París en España. Tiene una población de,aproximadamente, 5.012.961 habitantes, alberga a la mayoría de casas editoriales de la lengua española y se ha posesionado como potencia cultural. Lo que también se conoce de BCN son las ramblas, la Torre Mafre del pez brillante, la Sagrada Familia, la Barceloneta, la Torre Agbar y el estadio Camp Nou, que tiene el museo más visitado de la ciudad.

Las huellas de Gaudí son imponentes y le dan un toque sofisticado y entrañable a la ciudad: los colores, las curvas, la magia y la belleza, crean una fusión original. La arquitectura de Gaudí se instala en el modernismo de los primeros años del s.XX. En 1878 estudió en Barcelona, era un tipo de aspecto descuidado que se entregó totalmente a la creación. En 1926, cuando tenía 74 años, murió atropellado por un tranvía en Barcelona. Gaudí, gran admirador de la Edad Media, le gustó a la burguesía barcelonesa de la época. Su obra nace de la luz revelando una concepción arquitectónica del historicismo. Sus primeras obras están dotadas de “cierto sentido ecléctico” lo que permite mezclar lo gótico con lo arabizante y muchas otras combinaciones.

Desde 1883, comenzó a trabajar en la Sagrada Familia, su obra maestra. Soñó que la podría acabar en diez años, pero se demoró casi cuatro décadas en terminarla. Cambió radicalmente el primer proyecto, embarcándose en una estructura mucho más ambiciosa. Actualmente, hay ocho torres construidas, que pertenecen a las fachadas del Nacimiento y de la Pasión. Sin embargo, el proyecto tenía un total de 18 torres. La más alta de todo el templo está dedicada a Jesucristo. La Sagrada Familia tiene formas que recuerdan al estilo gótico, y por las decoraciones también puede verse barroca.

La Sagrada Familia, frente principal. Fotografía Anaís Madrid

Detalle del frontón. Fotografía Anaís Madrid

Vista posterior. Fotografía Anaís Madrid

Restauraciones constantes de la fachada. Fotografía Anaís Madrid

Detalle. Fotografía Anaís Madrid

También conocida como la Casa Milá, la Pedrera, ubicada en Paseo de Gracia N. 92, fue construida entre 1906 y 1912, por un encargo del matrimonio Pere Milà i Camps y Roser Segimon i Artells. La obra se rige a la etapa naturalista de Gaudí: inspiraciones de la naturaleza que guardan similitud con las curvas del agua, el dinamismo, la geometría reglada, la creación ornamental y sus propias soluciones. Aunque la fachada habla de una sola estructura, son dos edificios adosados e independientes. El arquitecto pensó que los pisos debían amoldarse a las necesidad de los inquilinos, por lo que priman las entradas de luz y cada piso es distinto. La decoración interna fue de las más lujosas de la Barcelona de principios del s.XX.

La Pedrera. Fotografía Anaís Madrid

En la misma Avenida Paseo de Gracia está la Casa Batlló, N.43, también de la etapa naturalista. Esta edificación conlleva el modernismo catalán, y otra vez,  Gaudí toma fuerza del barroco: riqueza estructural, formas y volúmenes desprovistos de rigidez racionalista sin perder el sentido clásico. El edificio fue construido en 1875 por Emili Sala Cortés, otro arquitecto de renombre en la ciudad, pero el burgués Josep Batlló i Casanovas le encargó a Gaudí la remodelación. Aunque estaba trabajando en el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia , la Torre Bellesguard, el Parque Güell y la restauración de la Catedral de Santa María de Palma de Mallorca, al mismo tiempo, la terminó rápido. La fachada se hizo con piedra arenisca de Montjuïc, tallada según superficies regladas y las columnas tienen forma ósea. Hizo varias maquetas en yeso hasta conseguir la forma que buscaba: el oleaje del Mediterráneo.

Casa Batlló. Fotografía Anaís Madrid

Bóveda de la fachada. Fotografía Anaís Madrid

La Casa Vinces, la Casa Batlló, la Cripta Colonia Parque Güell y la Sagrada Familia, son las obras que fueron aceptadas por la UNESCO como Patrimonios de la Humanidad. Quizá lo más conocido y filmado, después de la Sagrada Familia, sea el Parque Güell: un jardín público construido entre 1990 y 1914, concebido por el empresario Eusebi Güell y diseñado por Antoni Gaudí. Una obra onírica. Son 17,18 hectáreas de extensión donde se ve un poco de todas las otras construcciones gaudinianas: formas onduladas, preocupación por las entradas de luz, formas geométricas; y también características nuevas, columnas en forma de árboles, mosaicos de colores o trencadís (superficies cubiertas con pedazos de cerámica o vidrio) y cuevas naturales.

Gaudí aprovechó el desnivel de 60 metros de la montaña para realizar un camino que termina en la capilla. El Parque Güell también funciona como un mirador y un muestrario de especies vegetales. La entrada representa una estructura alegórica donde se juntan los parámetros del arquitecto y de Güell. Esta parte es considerada como un exponente de la tradición clásica grecorromana. La escalinata, donde está la escultura de la salamandra, ubicada entre muros almenados, tiene tres tramos de once escalones y uno de doce. Los pabellones fueron construidos con ladrillo y se destacan las bóvedas hiperbólicas cubiertas con mosaico. El lugar de residencia del arquitecto desde 1906 hasta 1925, hoy Casa-Museo Gaudí, también está ubicado en este lugar.

Mosaicos, en http://abyinwonderland.tumblr.com

Entrada, jmhdezhdez en Flickr.

Decenas de arquitectos, pintores, escultores, constructores, contratistas, carpinteros, ceramistas, cerrajeros, decoradores, yeseros, herreros, trabajadores del mármol y vidrio, especialistas en forja y fundidores fueron supervisados por Gaudí. Es evidente que la arquitectura gaudiniana surge de la inspiración de la naturaleza; el artista creó soluciones para plasmar el gótico, el barroco e incluso construcciones orientales en sus obras. Hoy, la ciudad de Barcelona luce cosmopolita, pero con una conciencia clásica en sus edificaciones.

Vestido de Ángela Arboleda. Foto: Andrea Carrillo

Pieles en Escena es una de las exposiciones que ofrece el programa del Noveno Encuentro de Mujeres en Escena. La exhibición se inauguró el jueves 29 de marzo, a las 19h00, en el Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador.

Pieles en Escena muestra más de 30 vestuarios de diversos estilos, diseños y texturas de artistas, actores, bailarines e incluso de fundaciones de artes escénicas, como es el caso de Mandrágora,  la Asociación Cultural Taller de Teatro Malayerba o trajes usados en el Patio de Comedias.

José de Vacas, mimo ecuatoriano y fundador de la Corporación Cultural Mudanzas, también está representado en esta obra a través de su traje azul y blanco, al igual que Ángela Arboleda, escritora y amante de la narración oral, representada por su vestido blanco y su hamaca.

Vestuario de José de Vacas. Foto: Andrea Carrillo

Más allá de mostrar el arte del vestuario, Pieles en Escena es una representación del teatro ecuatoriano y una nueva creación para exaltar el trabajo detrás del escenario, puesto que a decir de Patricio Vallejo, “El vestuario deviene en lenguaje y elemento de la estética y la poética espectacular”.

La combinación de colores, junto con la puesta en escena, hacen que los trajes hablen por sí mismos. Los personajes inventados son más reales que el actor que los representa,  porque cada personaje tiene una piel y cada piel cuenta una historia.

La exposición se mantendrá abierta hasta el día sábado 28 de abril del 2012. La entrada es gratuita.

Foto: Omar Ganchala

La quiteña Lorena Cordero presentó su exposición de fotografía denominada El Laberinto en el Espejo. El Centro de Arte Contemporáneo “Bicentenario”, antiguo Hospital Militar, recogió 21 cuadros en los que Cordero plasma una realidad alternativa para los finales clásicos de los cuentos de hadas. El Laberinto en el Espejo recogió tres series de Cordero: Érase una vez, Egos y Ánima. Érase una vez fue una de las que más llamó la atención, pues presentó a los populares personajes de cuentos de hadas viviendo una realidad muy distinta a la tradicional “y vivieron felices para siempre”

Una sala oscura, iluminada apenas con lámparas amarillas, recoge a una de las exposiciones fotográficas más extravagantes y mejor logradas de lo que va del año. El Laberinto en el Espejo expone una serie de fotografías impresas sobre lienzos, que recogen la perspectiva que Lorena Cordero tiene acerca de cómo terminaron los personajes de los cuentos de hadas más conocidos del imaginario popular, es decir, qué fue lo que pasó después del “y vivieron felices para siempre”. La fotografía se caracteriza por un excelente manejo del trucaje, un especial cuidado por realzar los detalles y la utilización lúgubre del espacio, pues en su mayoría, las fotos tienden a generar sentimientos tétricos dados a partir de los ambientes negros y azulados, que dan la impresión de un final para nada feliz.

Varios personajes de los cuentos de hadas están presentes en esta muestra. Pinocho, viejo y esquizofrénico, tiene encerrado a Pepito Grillo en una botella de cristal. Como menciona la autora, “ha mentido tanto que ya no sabe distinguir entre lo que es verdad y lo que es ficción”.

Pinocho. Foto: Omar Ganchala

Blancanieves se da también cita en la exposición, su piel sigue siendo tan blanca como la nieve, al igual que su cabello. Ha tenido que enterrar a cada uno de sus amantes enanos y ahora le queda sólo una opción, comer la última manzana que cuelga del árbol de la parte posterior de la escena.

Blancanieves. Foto: Omar Ganchala

La tradicional Caperucita ocupa también un lugar en la exposición, solo que ésta vez la cesta de dulces ha sido reemplazada por el cadáver de un lobo, símbolo de la triunfal venganza del personaje.

La Caperucita Roja. Foto: Omar Ganchala

La Bella Durmiente es un cuadro que no deja de cautivar al buen ojo de los visitantes por la triste imagen que provoca. Cordero nos muestra a un príncipe viejo, canoso, pero que aún alberga la esperanza de que su eterna amada despierte de su largo sueño. Por el contrario, la Bella Durmiente mantiene aún su juventud intacta, su piel blanca y libre de arrugas. Es definitivamente una escena de amor, un amor que vive de la esperanza de un imposible.

La Bella Durmiente. Foto: Omar Ganchala

La elegante Cruella de Vil también tiene un lugar. Al fin consiguió el abrigo que tanto anhelaba, seguramente por eso el visitante podrá observar que ya no hay dálmatas, pues ahora Cruella está acompañada por perros de color negro. Los dálmatas forma parte del abrigo hermoso que lleva puesta y que luce con un garbo especial.

Cruella de Vil. Foto: Omar Ganchala

Sin lugar a dudas, uno de los cuadros que más ha llamado la atención de los visitantes es el de Hansel y Gretel. Para Lorena Cordero, los personajes han caído en el mundo de los vicios. La autora nos muestra a una Gretel completamente obesa producto de haber comido tantos dulces, y a un Hansel que ha sido atrapado por el alcohol. Dos de los vicios que, actualmente, aquejan a nuestra sociedad.

Hansel y Gretel. Foto: Omar Ganchala

La exposición es una verdadera crítica al “vivieron felices para siempre”. Muestra la variedad de la interpretación y el poder imaginativo que la mente humana puede desarrollar. Cada uno de los cuadros transmite un mensaje diferente fruto del trabajo profesional y de la creatividad de Cordero. Sin duda alguna una exposición digna de volver a presentarse.

Fuente: Teatro Nacional Sucre

Para los quiteños y la comunidad católica, la Semana Santa es una fecha de suma importancia, ya que se celebra la conmemoración cristiana de la Pasión, Muerte y Resurreción de Jesús de Nazaret. Esta comienza el Domingo de Ramos y termina  el Domingo de Resurrección. En la Capital, se realizarán varios eventos para conmemorar una de las temporadas más importantes en el calendario. Esta celebración inicia con uno de los primeros estilos de música, la sacra.

Desde el 25 de marzo al 5 de abril se llevará a cabo la XI Edición del Festival Internacional de Música Sacra, uno de los eventos culturales más esperados en Quito.  El Centro Histórico abre las puertas de los lugares más importantes de la ciudad: Iglesia de la Compañía, Capilla del Museo de la Ciudad, Teatro Nacional Sucre, Basílica del Voto Nacional, La Catedral Metropolitana, Plaza de San Francisco y el Teatro Variedades Ernesto Albán, para disfrutar de varios conciertos y eventos gratuitos.

Artistas nacionales e internacionales estarán presentes para rendir homenaje a uno de los primeros estilos de música, aquella ofrecida a Dios. La ciudadanía podrá asistir a conciertos en la mañana y en la tarde, con artistas de:  Colombia, Argentina, España, Italia y Estados Unidos. Uno de los principales artistas que visita el Festival, es el reconocido director coral Joseph Flummerfelt, quien dirigirá el Coro Mixto Ciudad de Quito.

Fuente: Teatro Nacional Sucre

Historia de la Semana Santa

La primera celebración de la Semana Santa en Quito data de 1597. La Semana Mayor cobró popularidad con el crecimiento urbano de la segunda mitad del siglo XVII, con el barroco. Esta celebración fue tomando fuerza, y coincidió con la derrota financiera y militar de la España de Felipe IV frente a Francia. Cuando llegó la época liberal, en 1906, el Gobierno emitió un Código de Policía que sancionaba las manifestaciones políticas o religiosas, que no contaran con el permiso de las autoridades. En 1911, el Congreso prohibió las manifestaciones “de cualquier culto religioso, como procesiones y altares en calles y plazas”.

En 1949, el presidente Galo Plaza Lasso, aceptó los pedidos para restablecer la procesión del Viernes Santo y la Semana Santa, hasta que en 1952, la procesión desapareció de nuevo. En Febrero de 1961, en el Convento de San Francisco de Quito, sugirieron sacar a las calles la imagen del Jesús del Gran Poder. La población apoyó esta iniciativa y así se rescató la procesión y celebración de la Semana Santa en nuestra ciudad.