Un paquete casi cuadrado, envuelto con cartón y cinta adhesiva, flotaba en el mar sin saber que terminaría en las costas de El Matal, la tierra de Blanquito. Al final, fueron decenas de paquetes recogidos desesperadamente por los pescadores, que prefirieron dejar sus lanchas, antes que desperdiciar lo que sería un cambio en sus vidas.

Blanquito y los paquetes

Pescador, es la nueva película dirigida por Sebastián Cordero, premiada en festivales internacionales como el Festival de Cine de Guadalajara, con las menciones a mejor director y mejor actor (Andrés Crespo). El filme se suma a las excelentes producciones audiovisuales y a la gran cantidad de reconocimientos del cineasta ecuatoriano. La película trata la historia real de un hombre dedicado a la pesca, que una mañana encuentra el motor que cambiaría su vida radicalmente. Una embarcación narcotraficante encalló en las costas ecuatorianas,  varias cajas que contenían paquetes de cocaína, flotaron hasta la playa. La película se basa en el libro “Confidencias de un pescador” de Juan Fernando Andrade.

Pinche aquí para ver el vídeo

Blanquito, protagonista de la historia tiene treinta años de edad. Vive con su madre a quien ayuda en su puesto de comida. Es huérfano de padre, por abandono.  Su casa, humilde, hecha de madera y zinc, como casi todas las del pueblo. Su rutina, desesperante e incómoda. Vive en El Matal, un pequeño pueblo en la costa norte del Ecuador. Por su madre, Blanquito sabe que su papá es un político reconocido que vive en Guayaquil, constantemente advierte que irá a buscarlo. Su nombre real es Carlos Adrián Solórzano, igual al de su padre.

Sebastián Cordero y Andrés Crespo

Una mujer se cruza en la historia de Blanquito, Lorna, que es colombiana y vive en una lujosa casa cerca de la playa, propiedad de su amante Elías. Su relación se rompe y ella quiere volver a Colombia para reunirse con su hija, pero no tiene plata. Blanquito decide salir del pueblo e ir a Guayaquil a buscar a su padre y construirse una nueva vida. Para esto busca a Lorna, quien le ayuda a vender la cocaína a cambio de un poco del dinero que necesita para volver a su país.

Un amigo de Blanquito, dueño de una tienda de abastos, lo motiva a salir del pueblo. Con él sueña fundar un restaurante llamado “Mariscos del Mar”. Aquí se juega con lo obvio e irónico de la frase porque en el futuro lo que le daría de comer a Blanquito sería, no sólo los mariscos, sino también los paquetes.

La soledad, una vida superficial, el pertenecer a ninguna parte, entre otros temas son los que se topan en esta película muy bien lograda por Cordero. La interpretación de Andrés Crespo es excepcional. Es un equilibrio entre la ingenuidad de no saber cuál es la realidad, o no querer aceptarla, frente a los deseos claros que tiene en su mente. Cada personaje de la película es un elemento clave para entender la vida de Blanquito.

Se contraponen varios elementos. Por un lado, está una vida llena de costumbres y arraigos, con familia, amigos y un ritmo de vida, que pesar de ser modesto, es casi equilibrado. Por otro, está la iniciativa generada por la incomodidad con el sistema, insuficiente tal vez, o decadente, que ocasiona que se proponga un cambio drástico en la vida de un ser humano. Es lo que pasa con Blanquito, que al sentirse inconforme con su ritmo de vida en un pueblo pequeño, con una ocupación con la que disgusta y una identidad incompleta, decide salir a buscar lo que le falta. Blanquito identificó el motor de este cambio en un paquete sucio, mojado y lleno de prejuicios sociales.

Al final, Carlos Adrián Solórzano, el hijo no reconocido y abandonado por el millonario político, nacido en El Matal y pescador sin red, se daría cuenta con desconsuelo y dignidad, que en realidad no pertenece a ninguna parte.

Capitán América. Foto: http://bit.ly/Ircg1y

En una de las bases militares más importantes de Estados Unidos se encuentra uno de los héroes mundiales más trascendentes de la historia. Sentado en un escritorio, está el Capitán América, que viste su característico traje azul con rojo y blanco. La pared que están detrás de él está llena de medallas, condecoraciones y artículos de prensa del Miami Herald, New York Times, entro otros importantes periódicos de norteamérica; justo en el centro del muro está colgado ese objeto con el que ha salvado muchas veces al mundo, un círculo de acero pintado con anillos de color rojo y blanco intercalados y que, en el centro, tiene una gran estrella.

Me recibe con una gran sonrisa y me invita a tomar asiento. Le ordena a su asistente que me traiga un café y antes de que yo pueda pronunciar la primera pregunta, él me interroga acerca de mi apreciación de la base militar. “Bastante segura, casi impenetrable” digo tímidamente, a lo que él me responde que es una de las cosas que odia del mundo militar. “El hecho de ser parte de la milicia es una cosa indescriptible, pero algo que odio de esto es sentirme encerrado, aprisionado, sin poder salir y andar libremente, como lo hacía en aquéllas épocas, antes del congelamiento”.

Y es justamente eso lo que me trajo hacia él, no cualquier persona libra una batalla con Red Skull, gana, se congela por más de 50 años y despierta para contarlo.

Debido a tu estatura y a tu delgadez no te aceptaron en la Armada de Estados Unidos, ¿nunca sentiste miedo de suplantar identidad para lograr que te acepten?

Para nada, cuando uno quiere lograr algo, tiene que luchar y luchar hasta conseguirlo. Y fue justamente eso lo que yo hice. Los de la Armada no me aceptaban porque decían que era delgado y pequeño, de hecho me decían que por más que tenga todas las ganas si me aceptaban me estaban asesinando, porque no hubiera resistido el entrenamiento. Por eso fue que me presenté en varias ciudades y en varios estados, y finalmente me aceptaron. Lo más interesante es que yo sólo quería ser parte de la Armada, como cualquier otro soldado. Jamás pensé que me iba a convertir en el Capitán América.

Redskull. Foto: http://bit.ly/IsvoyH

Fuiste aceptado para ser algo más que un soldado, de hecho el Dr. Stark te convirtió en un súper soldado. ¿Cómo fue ese proceso?

Primero que nada, debo decir que Howard Stark fue una de las personas más grandes que yo jamás haya conocido. Gracias a él hoy soy lo que soy, y gracias a él también el mundo se encuentra a salvo, pues si no hubiera desarrollado esa potente vitamina que convierte a las personas en súper soldados, Red Skull hubiera ganado la batalla. Gracias a Howard, hoy todos gozamos de paz y tranquilidad, aunque debo decir que ese proceso fue muy duro. Cuando me metieron en esa cápsula estaba muy emocionado, y cuando estás así la misma adrenalina hace que minimices el alcance del dolor. Fue el dolor más horrible que alguien puede sentir. Puedes sentir claramente a tus huesos estirándose, a tus músculos desgarrándose y creciendo. Fue terrible, pero debo decir que los resultados fueron excelentes. Muchas personas hubieran querido estar en mi lugar. Después, todo fluyó: me convertí en una estrella publicitaria, en actor y ahora la gente me considera un héroe, aunque yo creo que solamente hago mi trabajo.

Y es precisamente la etapa de la publicidad y la actuación la que más llama la atención de la gente, ¿qué se siente ser un súper soldado que por diferentes motivos no puede salvar al mundo y debe dedicarse a bailar en las tarimas?

Es frustrante, definitivamente. Creo que nadie hubiera querido estar en mi lugar en esos momentos. Tienes toda la fuerza del mundo, todas las ganas, fuiste modificado genéticamente para luchar pero no lo puedes hacer porque los altos mandos no quieren. Yo me frustré bastante, y por eso mismo tomé la decisión de hacerlo pro mis propios medios, con la ayuda de Peggy Carter. Bailar, actuar y cantar también fue bueno, no te puedo decir que no lo disfruté, pero en realidad me sentía muy impotente.

Ahora que lo mencionas, Peggy fue tu superior en la milicia y tu compañera en el amor, un amor que lastimosamente terminó prematuramente, ¿Qué significó Peggy para ti?

La verdad no me gusta hablar mucho de eso. El congelamiento significó la pérdida de ese gran amor. Siempre voy a amar a Peggy, ella fue la única que confió en mí cuando los mismos científicos que me transformaron dejaron de hacerlo. Lastimosamente, tuve que sacrificar nuestro amor por salvar al mundo. Recuerdo que antes de estrellarnos, hablé con ella y quedamos en vernos para bailar. Ese encuentro nunca se dio. Fue tan importante para mí que cuando desperté creí que estaba tarde para la cita. Siempre me voy a reclamar por no haber podido ir.

Peggy Carter. Foto: http://bit.ly/JFSjd5

¿Cómo te sentiste al despertar en un mundo completamente diferente?

Confundido, asustado, tenía mucho miedo. Primero que lo de la cita con Peggy me tuvo muy mal por varios días. Después, me di cuenta de que la tecnología había avanzado tanto que ya no era necesario un súper soldado. Ahí fue cuando entré en una depresión increíble, pues sentía que este no era ni mi tiempo ni mi lugar. Pero poco a poco fui entendiendo que ahora los enemigos son otros, ya no hay Red Skull pero existen las grandes mafias que trafican con droga, con personas, y esos son los enemigos que ahora hay que combatir.

Finalmente, se va a estrenar una nueva película en la que tú participas, ¿cómo fue esa experiencia?

Fue bastante chistoso. Durante mi congelamiento, se habían tejido grandes historias sobre mí y mis hazañas, algunas ciertas y otras no tanto. Cuando desperté era un héroe y también todo un personaje. Y fue justamente por eso que me contactaron para filmar una película coprotagonizada por otros grandes superhéroes de cómics. La verdad acepté la propuesta para revivir un poco de mi pasado. Yo ya había actuado cuando recorría Estados Unidos alentando a los jóvenes para que entren a la Armada, y fue una buena oportunidad para revivir esos días. Les puedo adelantar que va a ser una película inolvidable, fueron meses de arduo trabajo y mucha dedicación, pero salió un buen producto. No deben perdérsela.

Sin duda, el Capitán América es uno de los superhéroes más interesantes de esta época. Su película, Los Vengadores, se estrenará en nuestro país este 26 de abril; el film pone en pantalla a los superhéroes más representativos de la historia, que unirán sus esfuerzos para salvar al mundo.

Antes de que yo abandone su oficina, el Capitán América me recalca sobre la apertura de su oficina y me regala un reloj de bolsillo, uno de los que le quedaron antes del congelamiento. Así es él, grato, bondadoso, generoso y alegre. Ese es el Capitán América.

“En lo más profundo del prado, allí, bajo el sauce, hay un lecho de hierba, una almohada verde suave; recuéstate en ella, cierra los ojos sin miedo y, cuando los abras, el sol estará en el cielo…” (The Hunger Games)

Cartel de la película

Es difícil imaginar un reality show sobre personas que tienen como objetivo quitarse la vida, pero el filme de Los juegos del hambre (The hunger games) logra, acertadamente, transportar al público a presenciar esta idea satírica, donde la finalidad de cada uno de los 24 participantes es asesinar. La historia de la película está basada en el best- seller homónimo escrito por Suzanne Collins. El filme, que fue dirigido por Gary Ross, se desarrolla en un ambiente post-apocaliptico donde  el hambre y la necesidad de recursos son un problema cotidiano. A todo esto, se suma la opresión por parte del gobierno de Capitolio, nación que sustituye a Estados Unidos y que organiza los juegos anualmente.

La película aborda temas como la pobreza extrema, el hambre, la opresión y los efectos de la guerra; ésta  también funciona como  una crítica hacia los medios hegemónicos y su fuerte influencia al momento de crear estereotipos a su conveniencia. En el filme  sobresalen el poder  político y  mediático.

La protagonista de la historia, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) tendrá que tomar decisiones moralmente complejas que van desde sustituir a su hermana, que fue elegida para representar a su distrito en los juegos,  alterar su personalidad ante un público ansioso de espectáculo; hasta decidir si quitarle, o no la vida a uno de sus compañeros. Katniss, al igual que cada participante, debe enfrentarse a situaciones difíciles en las que tiene que construir una personalidad que las masas quieren ver.  Ella se ve obligada a  complacer los caprichos del ‘grupo de poder’  que está detrás de un show televisivo amarillista,  para  ganarse su simpatía. Mientras más popularidad tenía, Katniss podía garantizar su supervivencia en los juegos,  a la cual se aferra por el bien de su hermana.

Pinche aquí para ver el vídeo

Por otro lado, Los juegos del hambre tuvo una recepción increíble por parte del público y los críticos en general, debido a que desarrolla una temática innovadora. La película  rompió taquilla en en Estados Unidos y se mantuvo durante cuatro semanas consecutivas en el primer lugar de recaudaciones.

El filme también  asombró mediante su expresión ligeramente suavizada de la violencia y de diversos elementos del lenguaje cinematográfico, como la cámara inestable. Esta técnica brindó al espectador, la oportunidad de sentir la misma adrenalina y desesperación que experimentaban los personajes. Por otro lado,  la vestimenta logró hacer evidente el contraste (psicológico) que existe entre los personajes de la historia. De igual manera, los colores saturados de la indumentaria y el  maquillaje de los actores  son elementos que destacan en el film, hacen visible la  deformación de una sociedad que tiene hambre de espectáculo.

Los juegos del hambre viene siendo la saga que reemplazará a la del niño mago, Harry Potter y a la de los pálidos adolescentes vampiro de Crepúsculo. Esta es otra adaptación de un best – seller y además una gran captadora de público, por ello, la película se perfila como la más idónea para ser la heredera del trono de las secuelas cinematográficas.

París, cinco de la mañana, un Mercedez enciende su motor, arranca, acelera y durante ocho minutos y medio nos da un paseo por calles de la capital del amor. En 1976, el cineasta francés Claude Lelouch se aventuró a filmar C’etait un rendezvous (Esto fue una cita), cortometraje que retrata un recorrido por las avenidas parisienses en un auto que va a 140 kilómetros por hora.

La ruta del filme inició en el tunel del  Boulevard Périphérique, pasó por la Plaza de Charles de Gaulle, la avenida de los Campos Elíseos, la Plaza del Carrusel, el Boulevard de Clichy, entre otros sitios y finalizó en la calle Azais. El trayecto fue de diez kilómetros. En él se pueden ver rápidamente lugares turísticos como el Arco del Triunfo, la Ópera Garnier y la Place de la Concorde con su obelisco. Además se observa cómo el chófer evade los semáforos, ignora peatones, asusta a las palomas de las plazas, va en contra vía, y en un par de ocasiones, está a punto de chocar con otros autos. Todas estas infracciones de tránsito se justifican al final, cuando una bella chica se asoma a darle un abrazo a este apurado personaje.  Y es eso de lo que trata este corto, de una cita, un encuentro con la persona amada, y de lo que se hace para llegar a ella.

Aquí el corto:

Pinche aquí para ver el vídeo

Para contarnos este pequeños viaje, Lelouch instaló dispositivo similar al steady cam, en el que colocó  una cámara gran angular de 35 milímetros en el parachoques de un Mercedez Benz. Es por eso que la imagen crea la sensación de que el espectador es quien conduce el vehículo. Las violentas curvas y los frenazos a raya se disimulan gracias a la suavidad del movimiento que da la cámara estática. A esto se añade el uso del plano secuencia durante todo el corto, lo que da continuidad al recorrido y lo hace verosímil.

Pinche aquí para ver el vídeo

Por otro lado, hay una serie de rumores al rededor de la cinta. Uno de ellos dice que quien condujo fue un piloto de Formula 1 y el auto un Ferrari. Un making off del corto reveló que  el papel de chófer lo hizo el mismo Lelouch y el carro del recorrido fue su Mercedez. Sin embargo, el director incorporó el sonido del vehículo rumoreado en la banda sonora. Además se dice que el cineasta estuvo a punto de atropellar a un peatón, pero él afirmó que, aunque su asistente intentó advertirle por medio de un wakie talkie, este no funcionó. Además de los rumores, el corto provocó muchas reacciones cuando fue proyectado por primera vez. Muchas de ellas no fueron positivas, pues autoridades consideraron riesgosa e inmoral la forma cómo fue rodado el corto. Esto, debido a que algunas personas estuvieron a punto de ser arrolladas y la omisión de varias señales de tránsito.

En el 2007, el grupo británico de rock alternativo, Snow Patrol, tomó un pedazo del corto para el vídeoclip de la canción Open your eyes. La banda no tuvo problemas al utilizar una parte de la obra de Lelouch, debido a que el cineasta autorizó que cualquiera podía hacer uso de la cinta.

A pesar de las críticas, los rumores y los riesgos de filmación de  C’etait un rendezvous, no se puede dejar de decir que es una obra auténtica, romántica y que inspira, principalmente, a quienes disfrutan del paisaje cotidiano de un paseo en auto por la ciudad.

“El cine es una cinta de sueños” decía Orson Welles y, justamente, es ése el objetivo de filmar. El cine es una ilusión de la realidad, concepto que atrapó Georges Méliès, ilusionista y cineasta francés, que llenó de magia los primeros pasos del séptimo arte.

El cine no surgió mágicamente de la noche a la mañana, pues, a lo largo de su historia, contó el aporte de  muchos  investigadores y artistas.  El cine comenzó como un experimento que buscaba proyectar secuencias de imágenes. En 1894, Thomas Edison puso a la venta el primer producto de la industria cinematográfica,  el kinetoscopio, aparato que terminó confinado en los estudios, ya que resultó engorroso y pesado para el espectador. A finales del siglo XIX,  Louis Nicolas Lumière y Louis Jean Lumière crearon el  cinematógrafo, un proyector  que superó las realizaciones de sus predecesores. La perfección técnica del invento de los hermanos Lumière hizo posible el sueño de proyectar imágenes en una pantalla, que el 28 de diciembre de 1895 se materializó con la primera proyección cinematográfica.

 Los Lumière grabaron cintas de 17 metros y crearon los primeros géneros cinematográficos, como el cine documental y el de comedia. Con ello hicieron del cine un sistema de  instrucción y enseñanza. Sin embargo, Georges Méliès, director de un teatro en los bulevares parisenses, se encargó de convertir al cine en un espectáculo y arte narrativa.

Retrato de Geroges Mélies

Georges Méliès asistió a las primeras presentaciones del cinematógrafo de los Lumière en los sotanos del Grand Café de París. Ahí comprendió que el cine debía emplear todos los recursos del teatro: actores, trajes, decorados, maquillaje, trucos, intriga dramática, etc.   Méliès intentó comprar el cinematografo pero los hermanos Lumière se rehusaron, en consecuencia,  adquirió uno en la casa William Paul, en Londres, y lo hizo adapatar para la toma de vistas cinematográficas.

Méliès es recordado como un “mago del cine” porque incluyó técnicas que acercaban a sus filmes con los espectáculos del ilusionismo. El dramaturgo fue  el primero en realizar películas que duraban más de 10 minutos e innovó el uso de efectos especiales mediante los recursos de la maquinaria teatral y técnica cinematográfica. Descubrió el stop trick  y  fue uno de los primeros cineastas en usar los fotogramas coloreados a mano.  Méliès creó el  primer estudio de cine, que combinaba la escena teatral con el laboratoio fotográfico.  Sus primeras obras fueron   L´Affaire Dreyfus en el plano de la representación de lo real y en lo fantástico incursionó con La cenicienta, Barba Azul, Caperucita Roja, entre otras.

En 1902, Méliès triunfó con su gran producción de ficción inspirada en Julio Verne y H.G. Wells, El viaje a la Luna, pues vendió docenas de copias del filme principalmente en Inglaterra. Esta película fue re-adaptada por Edison y por otras firmas que vendieron centenares de copias. Méliès , que ya tenía representantes en Londres, abrió una sucursal de su estudio en Nueva York . Gracias a su éxito el cine se volvía internacional.

Pinche aquí para ver el vídeo

A pesar del triunfo de sus películas, Méliès fue acosado por las deudas en 1923 lo que le llevó a vender sus propiedades. En 1925, se casó con  Jeanne d’Alcy  y  juntos se ocuparon de una tienda de jugetes y dulces en  la estación de Montparnasse. Más tarde su obra fue  re-descubierta y admirada por la vanguardia cinematográfica francesa. En 1931,  Méliès fue reconocido con la Legión de Honor. Entre 1932 y 1938, vivió en el Castillo de Orly junto a su esposa. Méliès murió en el hospital Léopold Bellan de París en el año de 1938.

Georges Méliès fue el creador del cine de espectáculo e introdujo el arte narrativa en sus películas, fue su habilidad de trasformar la realidad a través del cine  lo que le convirtió en el gran mago del cine.

]]> http://elimperdible.ec/web/cine/georges-melies-el-mago-del-cine.html/feed 2 http://elimperdible.ec/web/cine/diego-coral-y-el-filmar-la-vida.html http://elimperdible.ec/web/cine/diego-coral-y-el-filmar-la-vida.html#comments Thu, 22 Mar 2012 04:38:30 +0000 Andrea Angulo http://elimperdible.ec/web/?p=16905

Para Diego Coral, no hubo un momento preciso en el que quisiera hacer cine; sin embargo, en sus años de colegio iba comprendiendo que lo que más le interesaba era capturar la memoria, y  a la vez, tener la facultad de crear recuerdos; qué mejor que el cine para llevar a cabo ese deseo. Es así que Diego se inicia en esta carrera mediante la fotografía fija y el “filmar la vida”.

Lo primero que le llevó a acercarse al séptimo arte fue la literatura, después llegaría el teatro (actuación), y por último  la fotografía. American Beauty (Sam Méndez) y El Hijo de la Novia (Juan José Campanella) fueron los filmes que inspiraron a Diego Coral y lo ayudaron a introducirse en el mundo cinematográfico. De igual forma contribuyeron experiencias aisladas, como ver obras de teatro profesionales como las de Malayerba. No obstante, un curso de tres meses que tomó en lo que antes era la Escuela de Cine de Camilo Luzuriaga y de Lizeth Cabrera, fue para Coral el descubrir su vocación por el cine y por la actuación. Coral percibe al cine como un encuentro con uno mismo: “lo que me ha llenado del cine es ese tratar de encontrarme, exponerme, en conjunto, es casi una esquizofrenia (…) evidenciada en el actor”dice, y considera  a la actuación como el trabajo de vivir.

Diego Coral en la filmación de Los Canallas

Diego Coral fue el realizador de la tercera parte del filme Los Canallas, rodada durante el tercer semestre de carrera,  y nos cuenta que antes de llegar a este  proyecto, que nació en Incine, ya había rodado, junto con sus compañeros, alrededor de seis cortometrajes, entre documentales y ficciones. El camino ya estaba definido para el filme y algunas inquietudes ya habían sido resueltas. “La experiencia fue interesante, porque a la hora de escribir el guión comenzamos a ver que podíamos hacer un largometraje.” Los Canallas se centró, principalmente ,en el desarrollo del conflicto, mas no en lo que concierne a la composición de los cuadros, ni a la forma, ni a los personajes;  no se quería una “homogenización” en la obra, por ello la película contaba con estéticas  claras y un guión definido, propios de cada parte. Los Canallas fue considerada por sus realizadores, como un éxito en el cine local, hecho que Coral y sus compañeros no esperaban.  Sin embargo, el actor y director considera que en la carrera del cine,  la ausencia de una cultura y una tradición cinematográfica dentro del país, tanto dentro de los espectadores como los realizadores, es un gran obstáculo que ha impedido que se construya una firme industria del cine.

A Diego Coral le atraen, más que el cine en sí,  el cómo se hacen las películas. Se siente fascinado por el trabajo de Ingmar Berman, de Andrei Tarkovsky y  de Luis Buñuel, su forma de concebir el cine y  la vida. Asimismo le impresiona la dirección de Darren Aronofsky en  El Cisne Negro y en El Luchador.Admira también a Sam Méndez. Coral siente atracción por el  el cine de autor y el cine latino. En lo que respecta a actores admira el trabajo de Meeryl Streep, porque desempeña papeles impecables sin importar el guión que le den.

Actualmente, Diego Coral es profesor de actuación en la UDLA y en  In Cine. Además es  fotógrafo de foto fija.

Resulta paradójico que en pleno auge del cine y la televisión digital, cuando los teatros recurren al 3D para atraer al público, una película muda y en blanco y negro esté considerada entre las mejores del año. El Artista fue dirigida por el francés Michel Hazanavicius en una producción franco-americana.

En 1927, los estudios Warner estrenaron El Cantante de Jazz, la primera película sonora de la historia. Al principio, los “talkies” (como se conocía a este tipo de filmes) fueron considerados una moda pasajera y extravagante. Pero pronto se impusieron como un formato estándar. El Artista está ambientado en esta época; cuenta la historia de George Valentin (Jean Dujardin), una estrella del Cine Mudo que ve desplomarse su carrera al no poder adaptarse a este “nuevo cine”, mientras que una de sus fanáticas,  la joven Peppy  Miller (Bérénice Bejo), se alza como una gran estrella.

La cinta es un claro homenaje a la “era dorada de Hollywood”, cuando figuras como Charlie Chaplin y Rodolfo Valentino entretenían a las audiencias sin pronunciar una palabra. El director (quien también escribió el guión) efectúa un trabajo muy minucioso para recrear la estética de las películas de aquel tiempo, con decorados,  iluminación y música que provocan nostalgia.

La música, compuesta por Ludovic Bource y ganadora de un premio Oscar,  es el ingrediente clave para que esta película muda haya funcionado como lo hizo. Recordemos que en el cine mudo la música marcaba las acciones de los personajes y además ambientaba los escenarios.  En The Artist la melodía hace que las palabras sobren, pues da voz a la alegría, la frustración y al romance.

Por su parte, ambos protagonistas desempeñan interpretaciones magistrales que no parecen verse perjudicadas por la falta de diálogos, sino todo lo contrario. Dujardin es un verdadero galán hollywoodense, que recuerda en varios sentidos a Valentino o incluso a Gene Kelly en Cantando bajo la lluvia (1952), otra cinta que trata el tema de la transición del cine mudo al sonoro.

Pinche aquí para ver el vídeo

El filme fue estrenado en el Festival de Cannes, donde Dujardin ganó el premio a mejor actor. Con sus diez nominaciones fue la película más galardonada en el Óscar 2012. El elenco contó con actores franceses y estadounidense, y su producción costó de trece millones de euros.

La entrega número 84 de los premios de la Academia se celebró en el antiguo teatro Kodak, en Los Ángeles. A diferencia de años anteriores, la gala de este año fue pobre en cuanto a escenografía y espectáculos.  Sin embargo la presentación del Circo del Sol, sobre la experiencia de ir al cine, fue la chispa que animó el show. La conducción de la ceremonia estuvo a cargo del actor y comediante  estadounidense Billy Crystal. Esta es la novena vez que Crystal anima los premios Oscar.

El filme de Martin Scorsese, La invención de Hugo, fue una de las obras más prometedoras a nivel técnico y estético. No por nada se llevó los premios a mejor dirección de fotografía, mejor cinematografía, mejor dirección de arte, mejor mezcla de sonido, mejor montaje de sonido y mejores efectos visuales. La película  es una adaptación del libro de Brian Selznick. La obra trata sobre un niño huérfano, Hugo, que vive en una ajetreada estación de trenes de París. Hugo se adentra en una increíble aventura cuando intenta reparar un robot dañado cuyo misterio puede ser descubierto con la ayuda de Isabelle una excéntrica niña parisina. La invención de Hugo es la primera en película en 3D del cineasta neoyorquino en 3D.

Pinche aquí para ver el vídeo

A pesar de las once nominaciones, el filme de Scorsese no pudo llevarse el premio mayor. El Oscar para mejor película fue para The Artist del director francés Michel Hazanavicius, quien también obtuvo el premio a mejor director. The Artist es una obra cinematográfica que usa técnicas del pasado para contar una historia en el presente. En plena era de la tecnología digital, estamos frente a una película muda, filmada en blanco y negro.  Esta comedia romántica está ambientada en París de los años 30. La música, la puesta en escena, los vestuarios y los personajes responden a una de las eras doradas de la capital francesa.

Pinche aquí para ver el vídeo

The Artist también se llevó a casa los premios por mejor banda sonora, mejor vestuario, mejor actor (Jean Dujardin). La película también tiene en su haber dos Globos de Oro  siete premios BAFTA, uno del Sindicato de Actores y otro Goya por mejor película  europea. Al igual que la edición del año pasado una película no estadounidense ganó el premio a mejor película. Recordemos que en 2011 la película británica El discurso del Rey (Tom Hopper) obtuvo el galardón.

Por otro lado, no fue sorpresa que el Oscar a mejor actriz se lo llevase Meryl Streep, por su impecable actuación como la primer ex ministra británica Margareth Tatcher en The Iron Lady (La dama de hierro). Streep ganó la estatuilla por tercera vez y con 17 nominaciones durante toda su carrera. La última vez que recibió un Oscar fue por el papel de Sophie Zawistowski en Sophie’s choise (La decisión de Sofía)  en 1982.

Una de las curiosidades de la 84ava entrega de los premios de la Academia fue la sorpresa de los  ganadores a mejores actores de reparto, Christopher Plumer (Principiantes) y Octavia Spencer (Criadas y señoras). Ambos actores obtuvieron por primera vez el galardón. Spencer no lo podía creer al subir al podio, la emoción entrecorto su voz y su discurso.  Por otro lado, Plumer, a sus 82 años, es el ganador más longevo de un Oscar.

La edición de este año de los premios Oscar no dejo mucho que decir en lo que respecta a los escenarios y presentaciones artísticas. Esta vez, no hubo el clásico performance de las canciones nominadas a mejor tema original, como solía hacerse antes. Sin embargo. todos los espectadores esperaban ansiosos al anunciamiento de mejor director y mejor película, eso los mantuvo conectados al programa. La gran ausencia de la noche fueron las películas y actores iberoamericanos, pues solo se tomó en cuenta a Demián Bichir,  mexicano, como nominado a mejor actor.

Es cerca de la medianoche, una rubia guapísima está sola en su casa y ni un solo ruido disturba la calma. La joven se acerca muy ingenuamente a la sala, enciende la luz y no encuentra nada , pero algo la angustia (ya sea la oscura soledad o la música tensionante del fondo). De pronto, una tormenta se desata. Sale de la habitación y en medio del pasillo, iluminado momentáneamente por un relámpago ve la figura de un hombre enmascarado. Suelta un grito de espanto y de agonía al sentir el cuchillo desgarrando su vientre, después no siente nada más. La lluvia continúa, el público deja de gritar y sigue comiendo en la sala de cine.

Hablar de la saga de Viernes 13, o de las numerosas y tenebrosas, pesadillas de Freddy Krueger es algo que evoca recuerdos alocados de la juventud – en especial si llegaste al mundo en esa nave que llamamos los “años ochenta” -. Si fue así, estuviste en el punto medio de un fenómeno cinematográfico que tiene más de tres décadas de vida. El slasher, es un subgénero del cine de terror, cuyo origen se remonta hasta mediados de los años setenta, donde se vio nacer al espeluznante asesino “Leather Face” en Texas Chainsaw Massacre, aunque la época dorada se consagraría en los años ochenta.

Pinche aquí para ver el vídeo

Aunque si pensamos en el génesis de este género, es necesario remontarse a Peeping Tom (1960) de Michael Powell, sobre un asesino de mujeres que las persigue con una cámara para grabar sus expresiones de dolor; o el mismo Psicosis de Alfred Hitchcock, con su enigmático Norman Bates, la tensionante banda sonora y la famosa secuencia de la ducha.

Las tramas en eran bastante sencillas; un grupo de adolescentes perturbados, experimentando con drogas y sexo prematuro, caen en un escenario apartado de cualquier ayuda o supervisión adulta, donde pueden desatar sus instintos, lo que no saben es que están en la mira de un furioso asesino psicótico, que los va eliminando sistemática y brutalmente uno por uno. Los bajos presupuestos, los elencos sin renombre, y los efectos especiales escasos, o de baja calidad, se convirtieron, paradójicamente, en una fortaleza para este género, una herramienta para generar potentes mezclas entre sexo adolescente y violencia psicótica. Los asesinos, usualmente con poderes sobrenaturales, llegaron a convertirse en símbolos culturales, de modo que hacia los años ochenta Freddy Kruger, Michael Myers y Jason Voorhies reemplazaron el lugar del lobo feroz y la malvada bruja en las pesadillas de millones de jóvenes.

Y es que los filmes jugaban psicológicamente con el espectador adolescente. Dejemos la seriedad un tanto de lado, pensemos por un momento en los fines de semana sin protección paternal, cuando tus padres van a algún evento y te quedes solo con la casa, oportunidad perfecta para ver las películas de terror que ellos no te dejan; y cuando empieza el filme, lo que encuentras es un grupo de mozalbetes y niñas provocativas, aislados de sus padres, jugueteando con lo que les prohíben hacer en casa (que es lo que estás haciendo tú con la película) y de repente un monstruo desquiciado los empieza a asesinar, en un escenario así hasta los ladridos de tu perro te pueden reventar del miedo.

Sin embargo los tiempos cambian, y los filmes que aterrorizaron oleadas juveniles en su tiempo, empezaron decaer, la gente los encontraba aburridos, burdos, incorrectos y demasiado comerciales. La evolución de los efectos especiales y las nuevas superproducciones marginaron al slasher durante la primera mitad de los años noventa, Hasta que Scream – en 1996 – inauguró la segunda generación de películas slasher; con de nuevas sagas como: Valentine, Final Destination y I Know what you did last Summer. Los conceptos trataron de reiventarse y buscar más originalidad y profundidad en los personajes (haciendo de la “muerte” una asesina invisible o villanos que buscan la venganza no el asesinato por el placer de la sangre), pero la fórmula siguió siendo la misma: la rubia muere primero y gritando hasta quedar sin aire (pobre Paris Hilton, condenada en la Casa de Cera). Entonces, vinieron varios remakes como Jason X, y la fusión entre los grandes: Jason vs Freddy y el casi igual de original, Alien vs. Depredador.

Pinche aquí para ver el vídeo

El Slasher se ha difundido – en ocasiones – como uno de los géneros favoritos de fanáticos y nuevos realizadores. suelen ser relativamente sencillas de producir y dirigir. En países como Italia, el cine slasher es un sub género entero llamado “giallo”, con directores como Darío Argento (quien es un referente en el género).

Similar a Batman (adaptado por Christopher Nolan para vivir en el siglo XXI), hoy el Slasher ha ganado fuerza con varios remakes de los más conocidos personajes. Así, Halloween fue resucitada por Rob Zombie, quien además de ser un ídolo del Heavy Metal, muestra un Michael Myers más humano, fundamentando su instinto asesino en los traumas de su infancia; o un Freddy Kruger  resucitado por el actor Jackie Haley, que ahora se convierte en un asesino pedófilo, y los adolescentes son muchachos del nuevo milenio, que echan mano hasta del internet buscando soluciones a su problema. Así el cine Slasher va creciendo al ritmo de su entorno y gustando a nuevas audiencias, similar a un adolescente que nació adelantado a su época.

Miembros de la Academia anuncian a los nominados - fr.wikinoticia.com

Para quienes amamos el Cine (en especial de este lado del mundo, donde estamos tan influenciados por la industria norteamericana),  los Óscares  - mejor llamados “Premios de la Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas” de los EEUU  - son uno de los eventos anuales más importantes. Tan esperado como podría ser la final de la Champions League para los hinchas del fútbol, la noche en que “Hollywood se viste de gala” llena a los cinéfilos de expectativas para conocer si nuestros pronósticos sobre quienes se ganarán la estatuilla dorada fueron los acertados.

Este año, muchos de los grandes de Hollywood fueron elegidos en la “terna”, pero también hay apertura para varios nombres nuevos. Entre lo más paradójico es que dos de las mayores competidoras son películas que hablan sobre el mismo Cine, en sus inicios, en esta época en la que el 3D y los grandes efectos visuales parecen ser la tendencia para llamar la atención de los públicos.

El Óscar es la excusa gracias a la que cintas con mayor profundidad y estilizadas se dan a conocer en un mercado al que no tendrían oportunidad de acceder entre los espacios dejados por los grandes Harry Potters y hasta las malas comedias románticas de hoy. En ocasiones, la Academia se equivoca y en otras no; podríamos discutir que se trata de un concurso altamente politizado, pero a la hora de la verdad, mantenemos esa incontrolable curiosidad de conocer a los competidores.

Y con ese fin, los nominados al Óscar 2012 son…

Mejor película

Los descendientes  - cinta protagonizada por George Clooney y dirigida, escrita y producida y escrita por Alexander Payne (director galardonado de Entre copas y About Schmidt); sobre un abogado radicado en Hawai, quien descubre que su esposa lo engaña y trata de equilibrar su vida y la de sus hijas.

Moneyball -  cinta protagonizada por Brad Pitt y dirigida por Bennett Miller. Basada en la historia real del reclutador de un equipo de ligas menores de  baseball que logra sacar a su equipo adelante. (7 nominaciones)

El Artista – filme en blanco y negro y, en su mayoría, mudo. Pese a ser una cinta francesa, está ambientada en el Hollywood de los años 20, y retrata a un actor que debe adaptarse a las nuevas “películas sonoras”. Dirigida por Michel Hazanavicius y protagonizada por Jean Dujardin. Fue estrenada en el Festival de Cannes, donde Dujardin ganó el premio a “mejor actor”. (5 nominaciones)

Hugo - la primera película 3D del mítico director, Martin Scorsese.  Es la aventura fantástica de un huérfano que vive en una estación de trenes de París a principios  del siglo XX.  Protagonizada por Jude Law y Asa Butterfield (El niño de la pijama de rayas). Es la más galardonada del año con  9 nominaciones.

Criadas y señoras - drama con indicios de comedia sobre el racismo. Durante los años 60, en Mississipi, una joven con aspiraciones de escritora indaga sobre la vida y discriminación de las mujeres afroamericanas de su ciudad. Protagonizada por Emma Stone y Viola Davis, recibió 4 nominaciones.

Caballo de guerra -  Una historia épica ambientada durante la Primera Guerra Mundial (al estilo de Salvando al Soldado Ryan), es la historia de joven y su caballo, que es enviado a la caballería del ejército inglés. Dirigida y producida por Steven Spielberg,  tiene  dos nominaciones, esta y a mejor banda sonora para John Williams.

Medianoche en París – comedia del director Woody Allen, sobre un guionista hollywoodense obsesionado con el pasado que visita la capital francesa. Una visión romántica y divertida sobre el arte y la ciudad que lo inspiró. Protagonizada por Owen Wilson y Marion Cotillard, tiene 4 nominaciones.

El árbol de la vida - esta película es una alegoría al sentido de la vida narrada a través de los  recuerdos de un hombre en crisis de mediana edad. Protagonizada por Brad Pitt y Sean Penn y dirigida por Terrence Malick, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes por su inventiva y estilizadas  narrativa y fotografía. (4 nominaciones)

Tan fuerte, tan cerca – del director de Las Horas, Stephen Daldry, esta película cuenta la historia de un niño inventor, artista, científico, que busca la cerradura de una llave que su padre le dejó antes de morir en la caída de la Torres Gemelas. Protagonizada por Tom Hanks y Sandra Bullock, tiene 2 nominaciones.

Mejor actor 

Demian Bichir – Una vida mejor

George Clooney  - Los descendientes

Jean Dujardin – El Artista

Brad Pitt  - Moneyball

Gary Oldman – Tinker Taylor Soldier Man

Mejor actriz

Glenn Close – Albert Nobbs

Viola Davis  - Criadas y Señoras

Rooney Mara – La chica del tatuaje de dragón

Meryl Streep – La dama de hierro

Michelle Williams – Mi semana con Marilyn

Mejor director

Michel Hazanavicius – El Artista

Woody Allen – Medianoche en París

Martin Scorsese – Hugo

Alexander Payne – Los descendientes

Terrence Malick – El árbol de la vida

La ceremonia se realizará el 26 de febrero en el teatro Kodak de Hollywood. Para mayor información sobre los nominados, pueden revisar el sitio oficial de la Academia: oscar.go.com