Miembros de la Academia anuncian a los nominados - fr.wikinoticia.com

Para quienes amamos el Cine (en especial de este lado del mundo, donde estamos tan influenciados por la industria norteamericana),  los Óscares  - mejor llamados “Premios de la Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas” de los EEUU  - son uno de los eventos anuales más importantes. Tan esperado como podría ser la final de la Champions League para los hinchas del fútbol, la noche en que “Hollywood se viste de gala” llena a los cinéfilos de expectativas para conocer si nuestros pronósticos sobre quienes se ganarán la estatuilla dorada fueron los acertados.

Este año, muchos de los grandes de Hollywood fueron elegidos en la “terna”, pero también hay apertura para varios nombres nuevos. Entre lo más paradójico es que dos de las mayores competidoras son películas que hablan sobre el mismo Cine, en sus inicios, en esta época en la que el 3D y los grandes efectos visuales parecen ser la tendencia para llamar la atención de los públicos.

El Óscar es la excusa gracias a la que cintas con mayor profundidad y estilizadas se dan a conocer en un mercado al que no tendrían oportunidad de acceder entre los espacios dejados por los grandes Harry Potters y hasta las malas comedias románticas de hoy. En ocasiones, la Academia se equivoca y en otras no; podríamos discutir que se trata de un concurso altamente politizado, pero a la hora de la verdad, mantenemos esa incontrolable curiosidad de conocer a los competidores.

Y con ese fin, los nominados al Óscar 2012 son…

Mejor película

Los descendientes  - cinta protagonizada por George Clooney y dirigida, escrita y producida y escrita por Alexander Payne (director galardonado de Entre copas y About Schmidt); sobre un abogado radicado en Hawai, quien descubre que su esposa lo engaña y trata de equilibrar su vida y la de sus hijas.

Moneyball -  cinta protagonizada por Brad Pitt y dirigida por Bennett Miller. Basada en la historia real del reclutador de un equipo de ligas menores de  baseball que logra sacar a su equipo adelante. (7 nominaciones)

El Artista – filme en blanco y negro y, en su mayoría, mudo. Pese a ser una cinta francesa, está ambientada en el Hollywood de los años 20, y retrata a un actor que debe adaptarse a las nuevas “películas sonoras”. Dirigida por Michel Hazanavicius y protagonizada por Jean Dujardin. Fue estrenada en el Festival de Cannes, donde Dujardin ganó el premio a “mejor actor”. (5 nominaciones)

Hugo - la primera película 3D del mítico director, Martin Scorsese.  Es la aventura fantástica de un huérfano que vive en una estación de trenes de París a principios  del siglo XX.  Protagonizada por Jude Law y Asa Butterfield (El niño de la pijama de rayas). Es la más galardonada del año con  9 nominaciones.

Criadas y señoras - drama con indicios de comedia sobre el racismo. Durante los años 60, en Mississipi, una joven con aspiraciones de escritora indaga sobre la vida y discriminación de las mujeres afroamericanas de su ciudad. Protagonizada por Emma Stone y Viola Davis, recibió 4 nominaciones.

Caballo de guerra -  Una historia épica ambientada durante la Primera Guerra Mundial (al estilo de Salvando al Soldado Ryan), es la historia de joven y su caballo, que es enviado a la caballería del ejército inglés. Dirigida y producida por Steven Spielberg,  tiene  dos nominaciones, esta y a mejor banda sonora para John Williams.

Medianoche en París – comedia del director Woody Allen, sobre un guionista hollywoodense obsesionado con el pasado que visita la capital francesa. Una visión romántica y divertida sobre el arte y la ciudad que lo inspiró. Protagonizada por Owen Wilson y Marion Cotillard, tiene 4 nominaciones.

El árbol de la vida - esta película es una alegoría al sentido de la vida narrada a través de los  recuerdos de un hombre en crisis de mediana edad. Protagonizada por Brad Pitt y Sean Penn y dirigida por Terrence Malick, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes por su inventiva y estilizadas  narrativa y fotografía. (4 nominaciones)

Tan fuerte, tan cerca – del director de Las Horas, Stephen Daldry, esta película cuenta la historia de un niño inventor, artista, científico, que busca la cerradura de una llave que su padre le dejó antes de morir en la caída de la Torres Gemelas. Protagonizada por Tom Hanks y Sandra Bullock, tiene 2 nominaciones.

Mejor actor 

Demian Bichir – Una vida mejor

George Clooney  - Los descendientes

Jean Dujardin – El Artista

Brad Pitt  - Moneyball

Gary Oldman – Tinker Taylor Soldier Man

Mejor actriz

Glenn Close – Albert Nobbs

Viola Davis  - Criadas y Señoras

Rooney Mara – La chica del tatuaje de dragón

Meryl Streep – La dama de hierro

Michelle Williams – Mi semana con Marilyn

Mejor director

Michel Hazanavicius – El Artista

Woody Allen – Medianoche en París

Martin Scorsese – Hugo

Alexander Payne – Los descendientes

Terrence Malick – El árbol de la vida

La ceremonia se realizará el 26 de febrero en el teatro Kodak de Hollywood. Para mayor información sobre los nominados, pueden revisar el sitio oficial de la Academia: oscar.go.com

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El 7 de mayo de 2010 se estrenó un film revelador donde la feminidad, el erotismo lésbico y el arte son tratados con calidez y poesía. Habitación en Roma es un verdadero poema erótico llevado al cine. Escrita y dirigida por Julio Medem, esta película va más allá de la típica historia amor que dura una noche. En Lucía y el sexo (2000), Medem advirtió su interés por la representación del cuerpo femenino, el amor y el erotismo con la actuación de la “it girl”, Paz Vega. Habitación en Roma es, quizá, la mejor producción del director español, donde el lenguaje minimalista recita hermosos versos.

www.saidrosales.com

Alba (Elena Anaya, Solo quiero caminar) y Natasha (Natasha Yarovenko, Diario de una ninfómana) se conocieron en un bar en Roma. Alba es una española que mantiene una relación con una mujer que tiene dos hijos. Natasha es rusa y pronto se casará con un profesor de Historia del Arte. La atracción que ambas sienten es negada hasta que la pasión y la noche italiana envuelven sus cuerpos. Pero la vida de cada una es lo que menos importa en la trama: la película transcurre en un noche y en el mismo lugar, la habitación del hotel donde se hospeda Alba. Este drama romántico se concentra en mostrar el cuerpo femenino con naturalidad y sensualidad. El filme es muy femenino y la iluminación es un punto a favor en las escenas eróticas. Además, el tema de la aceptación del destino y el gran simbolismo que lleva una habitación en Roma se desarrollan de manera espontánea.

A pesar de ser el remake de la película chilena En la cama, Habitación en Roma habla por sí misma: el goce místico de las dos mujeres se condensa ante los ojos de la historia del arte, como si aquel cuarto hubiera estado esperándolas desde siempre. Y es que esos pocos metros cuadrados se vuelven un universo que Medem aprovecha de la mejor manera. La química que existe entre las actrices es fabulosa porque convierten el sexo en el único canal de comunicación. Es evidente que Alba y Natasha creen en sus cuerpos como la cuna del éxtasis. La película posee un idioma imaginario que muchas veces intenta materializarse en los cuadros colgados en las paredes de la habitación. Una de las últimas escenas es la visita de Cupido; Medem trae a este personaje de la forma más sublime, sin caer en lo cursi.

Portada de la banda sonora "Room in Rome"

La música de Jocelyn Pook y el tema Loving Strangers de Russian Red, son otros aciertos del filme: dos mujeres cantan bajo la ducha, saltan sobre la cama y esperan el amanecer con estos ritmos leves.

Como se mencionó antes, la película es femenina y no hay mejores voces para sus escenas. Con cuatro nominaciones a los premios Goya: mejor actriz, actriz secundaria, guión y canción, Habitación en Roma fue calificada por el ABC como “una de esas pocas historias donde la carne estuvo tan al servicio del sentimiento”. Una historia de soledades cruzadas y el sol que marca el final de un encuentro que cambiará la vida de dos personas para siempre. Y, ¿qué más podría pasar, si solo es una habitación en Roma?

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“Si vas a hacer algo, hazlo bien o no lo hagas” – y parecería ser que Steven Spielberg siguió este lema cuando se propuso hacer la adaptación cinematográfica de Tintin. Y para muchos este nombre puede resultar un tanto extraño, para quienes crecieron viendo o leyendo las aventuras del intrépido reportero, pensar en una versión 3D de este personaje parecía bastante preocupante. ¿Tendrá una buena historia, será fiel al comic, o dejará a un lado la calidad de la historia original por dar paso al despliegue desmesurado de efectos especiales? Pues Tintin y el secreto del unicornio es uno de aquellos casos en que el argumento del guión y los efectos visuales se complementaron para crear una gran película.

El personaje de Tintin nació en 1929 como parte de un suplemento infantil del diario belga Le Vingtieme Siècle y fue creado por el George Remi, más conocido como Hergé. Un reportero tenaz, curioso y ávido de aventuras que viaja por todo el mundo resolviendo misterios y escribiendo sobre los casos más interesantes, Tintin se convirtió en uno de los personajes de comics más queridos – a la altura de Asterix y Los Pitufos - ha sido traducido a más de 50 idiomas recopilado en tomos de pasta dura y adaptado a la televisión en varias ocasiones.

Finalmente, llega a la gran pantalla de la mano de Spielberg y producido por Peter Jackson. El filme empieza cuando Tintin (Jamie Bell) compra un galeón a escala que genera el interés de varios compradores. El barquito es robado y junto a su perro Milou, el periodista indagará sobre el misterio que esconde el “inocente” objeto. En el camino viajará desde las románticas calles europeas hasta las arenas del Sahara, y conocerá a su inseparable amigo y alcohólico marinero: el Capitán Habbock (Andy Serkis). A continuación, parte de la versión animada original:

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Del papel a la pantalla

Hacer este filme fue toda una aventura para Spìelberg. Ya en 1983, el director tuvo la intención de adaptar el comic belga, después de que lo compararan con su propio Indiana Jones. Un fanático desde el comienzo, compró los derechos a la viuda de Hergé (quien murió pocos días antes de reunirse con él para hablar sobre el tema) y los mantuvo hasta 2002, cuando retomó el proyecto. Entonces contactó a Peter Jackson para que lo ayudara a crear una versión de animación digital de Milou, como lo había hecho con Gollum para El Señor de los Anillos. Jackson lo convenció de hacer una película completamente en animación digital para  mantener el “realismo” y la fidelidad con la caricatura.

Tras varios años de negociaciones con los estudios, un proceso extenuante de escribir y reescribir el guión y de cuidar hasta el mínimo detalle (como por ejemplo, un minucioso casting para la voces), la cinta fue grabada por el galardonado estudio Weta Digital (la compañía de Jackson, que hizo los efectos para El seños de los anillos) en la técnica de animación digital y captura de actuación (como Gollum). El resultado es una película realmente impresionante por su calidad visual.

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Hemos visto flashbacks y persecuciones, pero nunca como estas. Ver como las dunas del Sahara se transforman en olas, un duelo visto a través del brillo de una espada y hasta la carrera en medio de una ciudad marroquí en la que los movimientos de cámara son casi imposibles, prueban que el director tomó una buena decisión al optar por esta técnica de animación, por la que vale la pena pagar el 3D.

El guión está basado en los tomos de El secreto del unicornio y El tesoro de Rackham el rojo. Una secuela ya está en proceso de pre producción y se planea convertirla en una trilogía. La película ya ganó el Globo de Oro a “mejor cinta animada” y es una fuerte competidora para los Óscares.

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¿Qué haría en los momentos previos al apocalipsis? La última película del director Lars Von Trier (Dogville, El anticristo) da respuesta a esta pregunta en un romántico y perturbador relato. Melancolía es protagonizada por Kirsten Dunst (Spider-Man), Charlotte Gainsbourg, Alexander Skarsgard (True Blood) y Kiefer Sutherland (24).

En medio de su boda, la bella Justine (Dunst) sufre una devastadora depresión, mientras su hermana, Claire (Gainsbourg), intenta mantener las apariencias ante los invitados de la lujosa fiesta. Al mismo tiempo, el planeta Melancolía – oculto tras el Sol – continúa su inminente trayectoria contra la Tierra.

Melancolía no es una simple historia sobre la destrucción planetaria, sino, más bien, sobre los estados mentales y las reacciones frente a una crisis. Está dividida en dos actos – cada uno con el nombre de una de las hermanas – distintos uno del otro.  El primero es la caída (a veces cómica) en la depresión de una mujer que lo tiene, aparentemente, todo. El segundo es la desesperante, pero resignada espera ante una catástrofe. Aunque el final es anunciado durante la secuencia inicial, resulta impactante, tanto por las actitudes de los personajes, como por una aterradora imagen que pocos se han atrevido a mostrar; en palabras del autor: “En la mayor parte de películas conocemos el fin de antemano, pero lo interesante es ver cómo se llegó allí”.

Este director es un experto  para conducir al espectador hacia sensaciones perturbadoras y romper con los cánones cinematográficos, como lo hizo en Dogville (protagonizada por Nicole Kidman y grabada en un escenario completamente imaginario), siempre fiel a su Dogma 95. En esta cinta, presenta un relato casi romántico con un trabajo de fotografía y efectos visuales que le dan una imagen preciosa, casi como la de un lienzo.

La música juega otro papel importante, la apertura de la ópera de Wagner, “Tristan e Isolda“, acompaña a la historia desde una secuencia inicial de imágenes aleatorias hasta el dramático final. Von Trier se ha referido a su obra como una “película para niñas”, pues la considera un fracaso en el intento de acercarse al Romanticismo Alemán de principios siglo. Para él la cinta no llega a un punto superior que la separe de lo trivial. No obstante, al verla – como espectador – encuentro que el director no se ha percatado del valor de su obra (no sería la primera vez que esto sucede). Logró que Dunst diera la mejor interpretación de su carrera y que sus dos temas se fundieran de manera armónica, produciendo un juego de sensaciones y perturbaciones que se mueven entre lo hermoso y lo aterrador. Podría ser el papel del espectador – en este caso – reivindicar la obra que su autor desvaloriza.

El filme fue estrenado en el Festival de Cannes, en mayo de este año, donde Dunst recibió el premio a “mejor actriz” por su papel. Sin embargo, Von Trier fue expulsado y declarado “persona non grata” por comentarios mal interpretados a favor del nazismo durante una rueda de prensa.

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Hablar del Dogma 95 es necesariamente entrar en el mundo oscuro del cine, en las periferias de la realización audiovisual. Sin embargo, se debe tener en cuenta que esa marginalidad era voluntaria y respondía a una propuesta personal de tinte absolutamente radical, fuertemente reaccionaria. Aquel planteamiento cinematográfico tenía como idea central marcar claramente un giro en el lenguaje tradicional del cine, proponer un alejamiento de las construcciones comerciales genéricas y “masificadoras”, plantear un estilo absolutamente novedoso, experimental y que pudiese tener vigencia; una postura que, por sus pretensiones, solo podía compararse con el estilo de Jean-Luc Godard. De ahí que, cuando se revise la obra de Lars von Trier, Thomas Vinterberg o Kristian Levring, por ejemplo, debamos tener presente la radicalidad de su propuesta para entender los filmes en toda su magnitud.

Lars Von Trier y Thomas Vinterberg - sensacine.com

La visión que el Dogma 95 tiene del cine, es decir, la visión de estos cineastas daneses, plantea una conformación algo religiosa de la producción cinematográfica, tanto que sus fundadores elaboraron y establecieron un texto, a manera de los “10 mandamientos”, donde se planteaban normas para el rodaje -y algún limitante para la historia- como condiciones absolutamente necesarias para que un film pueda formar parte de este movimiento cinematográfico. Por esta razón, es que todo producto audiovisual, que quería ser aceptado, debía pasar por la revisión de un jurado que determinaba la “autenticidad” del producto. La autenticidad consistía en el cumplimiento estricto de todos los mandamientos del “Voto de Castidad” (como denominaron Trier yVinterberg a aquel texto). Si una película era aceptada por el Dogma como parte de su archivo fílmico, recibía un certificado de autenticidad y un número de registro que la acreditaba como parte de este movimiento.

Ahora, si queremos apreciar al Dogma 95 en toda su extensión es necesario ver la lista que contiene sus 10 normas. Lo <<sacralizante>> se comprende a través de aquella transgresión propuesta como mecanismo que pretende establecer unas nuevas prohibiciones. Bueno, mejor juzguen ustedes.

VOTO DE CASTIDAD

Juro someterme a las siguientes reglas redactadas y confirmadas por DOGME 95:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en lugares naturales. No se puede decorar ni crear un “set”. Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén todos los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes. No puede usarse música, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena esté siendo rodada.

3. Se rodará cámara en mano, cualquier movimiento o inmovilidad que se consiga mediante esta técnica está permitido. La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película (historia) tiene lugar.

4. La película tiene que ser filmada a color. Luces artificiales no están permitidas, si la luz no alcanza para rodar una determinada escena, ésta debe ser eliminada o, en caso extremo, puede utilizarse un foco simple conectado a la cámara.

5. Los trucajes y filtros están prohibidos.

6. La película no puede contener ninguna acción superficial (muertes, armas, etc., no están permitidos).

7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos (es decir, que la película sucede aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser en 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Además, juro que como director me abstendré de todo gusto personal; ya no soy un artista. Juro que me abstendré de crear una obra, porque considero que el instante es mucho más importante que la totalidad. Mi fin supremo será hacer que la verdad salga de mis personajes y del cuadro de la acción. Juro hacer esto por todos los medios posibles y al precio del buen gusto y de todo tipo de consideraciones estéticas.

Así pronuncio mi voto de castidad.

Copenhague, Lunes 13 de marzo de 1995.

En nombre de Dogme 95,

Lars von Trier – Thomas Vinterberg

Son más de 250 las cintas filmadas bajo estos “votos” en todo el mundo, como en América Latina (México principalmente). Se puede encontrar nombres relevantes como Susanne Bier o Richard Martini, por mencionar algunos. Aunque podemos detenernos a enumerar y hablar de cada película que pertenece a los archivos del Dogma 95, la tarea no sería muy útil; pues este movimiento cinematográfico, ante todo, plantea normas y conceptualizaciones que tienen inferencia directa en cómo se filma la película, o sea en el aspecto técnico de su registro; evidentemente, podrían decir que aquellos parámetros definen las temáticas de lo que se cuenta, sin embargo el ejercicio se da a la inversa… Son las historias, que ya tienen un concepto narrativo previo, las que toman a esta propuesta como un mecanismo estético y discursivo que aporta a la conformación integral de su proyecto audiovisual.

A continuación, un fragmento de Los idiotas, película de Von Trier filmada dentro del Dogma:

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La magia de París, la nostalgia y el juego de realidades envuelven el más reciente filme de Woody Allen. Con una larga introducción Allen nos presenta a la bella y siempre hechizante París, ciudad de las bellas artes y del amor. La música junto con la escenografía crean un ambiente romántico, perfecto para el escritor bohemio. Caminar por las calles empedradas de la metrópoli llena la mente de inspiración y de paz. Todo se vuelve más mágico a medianoche.

El director y guionista neoyorquino nos lleva de viaje por las mágicas calles de París. Nuestro guía es un escritor de guiones de Hollywood, Gil Pender (Owen Wilson),  quien añora la vida bohemia de los años 20 parisinos. Su sueño se hace “realidad” a las doce campanadas del reloj, cuando es recogido por un antiguo coche. Gil visita algunos bares y galerías en las que toma tragos junto con Hemingway, Scott y Zelda Fitzgerald y recibe consejos de Salvador Dalí  (Adrien Brody), Manray y Buñuel. Al mismo tiempo, se deja cautivar por la bella Adrianna (Marrion Cotillard).

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La naturalidad con la que se juega con los espacios temporales hace que se desvanezca, a ratos, la línea que separa lo imaginado de lo real. El presente es a la realidad, a lo que el pasado es a la ficción. Lo fantástico entra en acción sin que el espectador siquiera lo note, hecho que hace verosímil todos los acontecimientos que se dan a medianoche. Además todo lo que sucede en la otra realidad tiene continuidad, no hay escenas sueltas que puedan confundir al público. La actuación de Owen Wilson, más el guión de Allen armonizan los suaves cambios del presente al pasado.

Con la película Allen hace lo que en la literatura logró Julio Cortázar. Recordemos cuentos como “La noche boca arriba” en la que el sueño de un motociclista se convierte en la realidad de un indígena condenado a muerte. Aquí el plano de lo onírico trasciende al plano de lo consciente. A diferencia del filme, aquí el lector puede llegar a desconcertarse con este juego de realidades, pues no llega a determinar a ciencia cierta qué es lo real. En varios sentidos recuerda al Allen de La rosa púrpura de El Cairo, con realidades que se mezclan en el mundo de lo inverosímil que se vuelve verdadero.

Por otro lado, Medianoche en París recuerda al Woody Allen de Manhattan, comedia romántica del cine clásico en la que el propio Allen le da vida a un escritor que también siente hastío por su trabajo. Aquí se rompen relaciones y comienzan otras, como sucede en Medianoche en París.

Recuerda también a un Woody Allen nostálgico y romántico que sueña con volver a las épocas doradas. El director se desdobla en el personaje de Gil Pender, quien, harto de lo banal de su trabajo, desea codearse con escritores de la generación perdida como Scott Fitzgerald (Tom Hiddleston) y con surrealistas españoles como Luis Buñuel y Dalí. Es tan atrevido este personaje que le pide a Gertrude Stein, (Kathy Bates) poeta estadounidense, que critique su obra. Además es absorbido por la belleza encantadora de Adrianna, joven francesa que ha tenido amoríos con grandes del arte como Picasso. Gil se siente como uno más de los bohemios artistas, con quienes llega a compartir ideas y se deja llenar por sus experiencias.

El guión, las actuaciones, las escenografías y la calidez de la dirección del neoyorquino componen una armónica, dulce y nostálgica obra cinematográfica. En cada cuadro se puede notar la esencia del director, quien, ha pesar de los años, no deja de hacer magia con sus filmes. Un comedia de una finura innegable.

Un hombre y sus ciudades

La desquiciada vida urbana, los parques, las calles, los lugares icónicos, su arte y su historia; sin duda, las ciudades son personajes vivos en las cintas de Allen. Ya habíamos mencionado a Manhattan, y precisamente es la “Gran Manzana” la mayor protagonista de su filmografía. Ver una película de este director es ver la ciudad en que vive, ya sea una Nueva York de los años 30, como en Días de Radio o la moderna metrópolis (para la época) de Annie Hall - donde no puede evitar la descarada comparación con Los Ángeles – la esencia de esta isla se plasma en cada fotograma.

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En los últimos años, Allen parece haber dejado atrás su querida ciudad natal para adentrarse en el mundo europeo. Inició con Match Point en 2005, donde presentó a Londres un tanto sórdida y fría, pero con una belleza y modernidad incomparables. Podría decirse que Vicky Cristina Barcelona es un tributo a la cultura catalana (aunque no profundiza demasiado en ella), pero es más bien un pretexto para presentar un “culebrón” romántico con un escenario espectacular. Sin embargo, este recorrido llega a su momento más alto con Medianoche en París, donde la ciudad se convierte en el tema central. “Al lado de esta ciudad, todo lo que los humanos hacemos se queda corto”, dice Gil en la cinta, y es cierto. La belleza de una metrópolis cosmopolita como París es incomparable. La historia, las vidas que han dejado sus recuerdos en ella son el mayor testimonio de nuestra existencia.

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Cuando Paul Thomas Anderson (California, 1970) ingresó, a los 19 años, a la Universidad de Nueva York, las técnicas de enseñanza en su clase de escritura de guiones le parecieron formulistas y aburridas, por lo que decidió retirarse después de dos días. Como broma final, envió, en vez de un deber, parte del libreto del filme Hoffa y terminó por desencantarse cuando recibió la calificación C-. A partir de entonces, se convenció de ser autodidacta, al igual que varios directores de cine de su generación, quienes aprendieron el oficio mirando videos en Betamax y VHS. Entre estos figuran personajes tan reconocidos como Quentin Tarantino, David Fincher y Robert Rodríguez.

Foto: Jürgen Fauth en Flickr

A cualquier persona que haya visto una de las películas de  P. T. Anderson le quedará una escena, una línea de diálogo o una canción adherida por mucho tiempo en la memoria. La música, especialmente,  es uno de los pilares que identifica a su obra, sumada, por supuesto, a una fotografía única y a personajes inolvidables.

Pese a contar con una filmografía relativamente pequeña, ver uno de sus cinco largometrajes se siente como presenciar un acontecimiento gigantesco, pues todos los componentes del lenguaje audiovisual construyen  un universo que se fundamenta en la profundidad de los personajes, quienes se conectan coherentemente gracias a un excelente manejo de la cámara. Los filmes  Boogie Nights, Magnolia y Punch- Drunk Love son casi inclasificables  y quizás allí resida su mérito.

Amor, locura y pornografía

Boogie Nights (1997) es la historia de Eddie Addams (Mark Wahlberg), un joven ambicioso que, debido a un “enorme“ talento,  se convierte en la estrella del cine porno estadounidense más famosa a finales de los años setenta. Alrededor de Eddie –quien más tarde se bautiza a sí mismo con el nombre  de Dirk Diggler- conviven una docena de personajes enrevesados (cuenta con las actuaciones de Julianne Moore, Phillip Seymour Hoffman, John C. Reilly, entre otros astros del cine independiente) que recrean la próspera industria pornográfica de los años setenta en el (en ese entonces) naciente Valle de San Fernando.  Directores,  actores y actrices, camarógrafos y editores desfilan por este relato con sus delirios, sueños y soledades. Como en posteriores trabajos de P. T. Anderson, todos aportan a una voz colectiva que se une en el sufrimiento.

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En esta película, Anderson ya muestra su virtuosismo para dar espacio a muchas líneas argumentales, sin que ninguna quede descuidada al final; y pintando a los personajes con los suficientes matices para  causar empatía en el público.  Para conseguir esta proeza, usa algunos travelings extensos, que, además, hacen eco de la obra de Martin Scorsese –sí, estoy hablando de ese largo plano secuencia de Goodfellas.  El inicio de Boogie Nights es un espiral que abarca a una multitud en un recinto cerrado y que se ve luego, repetido, al final del filme, como la manera perfecta de cerrar los nudos de la historia.

Magnolia es una cinta que cuenta 5 historias con un final increíble.

Dos años después estrenó Magnolia (1999), otro relato coral. En ella, más personajes interrelacionados –algunos por pura casualidad, uno de los temas fundamentales del filme- se enfrentan a situaciones difíciles o sencillamente inaguantables:  depresión, crisis de abstinencia, enfermedades terminales, adicciones, enamoramientos, muertes. En medio de esta crudeza y la noción de que “hemos terminado con el pasado, pero el pasado no con nosotros”, surgen transiciones dolorosas. Todos los conflictos llegan a un clímax casi de manera simultánea y se ven resueltos, o apaciguados, de la manera más inverosímil posible.

De esta monumental película es, especialmente, memorable su banda sonora. Las canciones de la cantautora estadounidense Aimee Mann salpican nostalgia y esperanza a todo el filme. Anderson declaró haberse inspirado en el disco de esta compositora para escribir el guión de Magnolia e incluso escribió un personaje a partir de la canción Deathly.

Finalmente, en esta trilogía de lo extraño, la crítica ha llamado a Punch-Drunk Love (2002) un recomienzo en la obra de este director estadounidense.   Este filme parece una ensoñación y quizás el mejor adjetivo para definirlo sea raro. Sus transiciones y sus personajes, su historia y su banda sonora le otorgan un aire surrealista. El actor estadounidense Adam Sandler (demuestra su mayor talento en el drama, sin quitarle el mérito como comediante) interpreta al protagonista, Barry Egan, un hombre neurótico de muchas contradicciones, quien reconoce en Lena Leonard -una mujer misteriosa vestida de rojo, interpretada por  Emily Watson- la posibilidad de huir  de la vida reprimida que él mismo se ha forjado.

Punch-Drunk Love  se distingue del resto de la filmografía de P. T. Anderson por su corta duración y por su número limitado de personajes. Pese a estas diferencias, aún se puede notar el protagonismo de la música (en el caso de esta banda sonora, donde interviene instrumentos de viento metálicos graves), la fotografía clara y luminosa, y, algo particular: la obsesión por los colores azul y rojo, que equilibran y resaltan varios planos. Estas características se han convertido en sellos personales de este cineasta, quien, no solo dirige, sino siempre escribe sus películas.

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Este breve repaso de la obra de P.T. Anderson no incluye  su ópera prima, Hard Eight (1996), -también conocida como Sydney- ni su más reciente filme, There will be blood (2007),  adaptación de la novela Oil! de Upton Sinclair y nominada al Óscar el mismo año. Las dejamos como incógnitas para el lector, para que se arriesgue y mire la obra de uno de los genios del cine independiente norteamericano.

El próximo proyecto de Paul Thomas Anderson,  The Master, se estrenará en 2012 y contará con la participación de Philip Seymour Hoffman, Joaquin Phoenix, Amy Adams y Laura Dern. Para soportar la espera, queda volver a revisar, o ver por primera vez, su filmografía,  donde el talento inigualable de este guionista y director se manifiesta en secuencias calculadas milimétricamente que derrochan emotividad.

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El cine experimental debe atravesar constantemente por la experimentación cinematográfica para innovarse; sin embargo, la sola aplicación de un experimento no define al trabajo audiovisual como cine experimental.

Que un filme sea de tipo experimental supone, ante todo, que la propuesta del ensayo cinematográfico se concrete como estructura, es decir, no únicamente como un destello, como un adorno dentro del filme, sino como un elemento que defina al proyecto, que finalmente construya también su fábula y  discurso. Así, por ejemplo, aun cuando el Moulin Rouge (Molino Rojo), de Baz Luhrman, proponga y maneje algunos experimentos narrativos descabellados, está lejos (desde este punto de vista) de que pueda considerársele cine experimental.

D.W. Griffith es considerado uno de los padres del Cine Norteamericano

La mejor forma de marcar estas diferencias, entre el mero experimento y lo experimental, es echando mano de la historia del cine para, mediante este mecanismo, conformar una lista de películas que puedan hablarnos más claramente sobre esas diferencias:

El nacimiento de una nación (1915), de D.W. Griffith, nos hace asistir a otro nacimiento, al del montaje paralelo, algo que tampoco puede obviarse es el lenguaje dinámico que propone a través de la alternancia entre los primeros planos y los generales. Si pensamos que el experimento debe atravesar al filme como estructura para definir a un proyecto como experimental, esta película, indudablemente, cumple con ese requisito, pues toda ella se construye con un concepto rítmico de narración, con el concepto naciente del montaje paralelo.

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Luis Buñuel y la marca ineludible de lo experimental en su cine con Un chien andalou (Un perro andaluz) en 1929, totalmente terminada solo hasta 1960, con algunas incorporaciones musicales. Este cortometraje presenta lo experimental mediante la incorporación del surrealismo en su forma pura, es decir, con su parcial ilegibilidad y altísima carga simbólica en lo narrado.

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Saltamos 63 años de historia cinematográfica y nos centramos en el cine de Tarantino que se define, en gran medida, desde su ópera prima, Resevoir Dogs (Perros de Reserva, 1992), donde plantea el sello indiscutible de cine experimental a su propuesta: una construcción discursiva posmoderna, una historia lineal que fragmenta y (re)acomoda de manera, aparentemente, caótica; toda una nueva visión narrativa que emula la actual condición a la que estamos sujetos en la era de la T.V.: la velocidad del zapping, propuesta evidenciada de forma más concreta en su segundo filme Pulp Fiction (Tiempos Violentos, 1994).

Año 2000, el año de Memento, filme de Christopher Nolan que incorpora la técnica literaria de la narración en abismo: racconto (en cine),  por el verbo francés raconter (recordar, contar). Una historia que se desarrolla discursivamente desde atrás hacia adelante, y aunque Irreversible, de Gaspar Noé, en 2002, haya postulado una película hecha puramente con esta técnica, Memento es un filme mucho más memorable, pues además construye una historia pulidísima, apasionante, sorprendentemente intrigante.

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El arca rusa (2002), de Alexander Sokurov, es otro logro experimental del cine con su auto-impuesta limitación narrativa: un solo plano secuencia encerrando todo el filme, 96 minutos sin un corte. Y aunque hasta el final esta película nos parecía apenas una experimentación en el cine, finalmente consideramos necesario incluirla en esta brevísima lista icónica, a manera de “películas que debes ver antes de morir”, pues aquella decisión de construir un filme sin cortes, una narración ininterrumpida, marca, necesariamente, a toda la estructura y el concepto de este filme.

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Paz Encina

Paz Encina es otro  de los grandes nombres del escenario cinematográfico (la más reciente y, hasta el momento, la última); realizadora a través de la cual puede marcarse uno de los acercamientos más serios a lo “experimental” y al verdadero cine. Esta directora paraguaya, que no ha necesitado más que de un largometraje para reclamar un puesto fijo en los festivales de cine “alejados” del Oscar, marca con su ópera prima, La hamaca paraguaya, un nuevo sistema narrativo, plantea un giro tan sorprendente que quizá todo el presente artículo pudiera haberse resumido en el link que apunto a continuación: http://bit.ly/mSnEuk

La lista, en realidad, es mucho más extensa, muchísimo más, pero esta aproximación puede ser un buen inicio, uno que al menos nos presente a este cine que propone nuevos sistemas narrativos. Sobre todo, es un acercamiento para no confundirnos, para no etiquetar como cine experimental a propuestas que sólo plantean lo grotesco en sus historias o estéticas; un acercamiento para reconocer en lo experimental un trabajo intelectual más profundo que lo sencillamente osado. Finalmente, es un acercamiento para entender que este tipo de cine plantea una intervención sobre la estructura discursiva de un filme.

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La literatura latinoamericana ha sido llamada por muchos: “mágica”. El conocido realismo-mágico, que se hizo famoso durante la época del “boom”, parece ser un reflejo de nuestra forma de ver la vida, una vida, en muchos sentidos, cinematográfica.

La Dra. Lourdes Pérez explicó las relaciones entre Cine y Literatura en Latinoamérica

En el auditorio de la Facultad de Comunicación, Lingüística y Literatura, del lunes 25 al jueves 28 se dio lugar al Festival de Cine Latinoamericano, organizado por la Coordinación de Español para extranjeros.

Con una de las obras literarias más acogidas de todos los tiempos, El coronel no tiene quien le escriba, el festival de cine se inauguró a las 5:oo pm.  Durante las funciones se contó con la selección de películas muy exitosas que, con el pasar de los años, se han llevado el título de formar parte de los clásicos. El coronel no tiene quien le escriba,  El beso de la mujer araña, Doña Flor y sus dos maridos y Contigo en la distancia son las obras literarias que fueron exitosamente adaptadas al cine y se presentaron durante el festival. La directora de la Escuela de Comunicación, Lourdes Pérez, añadió que el festival tuvo dos objetivos: interesar al público univesitario acerca de la literatura en el cine y ofrecer una nueva herramienta de aprendizaje para los estudiantes extranjeros.

El último día del festival se concluyó con un foro que contó con la participación de la doctora Pérez , quien expuso datos muy interesantes sobre el cortometraje, Contigo en la distancia, dando paso a un foro entre estudiantes y profesores. La ponente ofreció un esplendido panorama acerca del tema que se maneja en el corto y argumentó acerca de la tradición en las obras literarias adaptas al cine.

La Escuela de Comunicación planea organizar más proyectos cinematográficos con el fin de integrar a los estudiantes para complementar sus estudios y para ampliar los espacios  culturales en la universidad.

Cine realista, cine fantástico

El Beso de la Mujer Araña, adaptado de la novela de Manuel Puig por Héctor Babenco (1985)

Una historia de amor suspendida en el tiempo, muchos años de espera para que dos amantes se encuentren. Un argumento en apariencia telenovelesco, pero ¿quién se podría imaginar una separación originada porque uno de ellos puso demasiada goma en una carta que se quedó pegada en un buzón? Este es precisamente el argumento de Contigo en la distancia, un cortometraje escrito por el famoso Gabriel García Márquez como parte de un intento por llevar el cine a la televisión comercial en los años 80. El estilo de su autor se aprecia claramente en esta historia que grita realismo-mágico en todos sus planos.

¿Qué es el realismo-mágico? Es una forma de ver la vida, comúnmente atribuida a los latinoamericano, en la que lo real y los fantástico se confunde. Para nosotros, que un carta se pegue a un buzón, o un exmilitar que se pase la vida esperando noticias de su jubilación no sólo es posible, sino que forma parte de nuestra cultura, de los relatos y ficciones que creamos a diario. Luis Molina, el personaje principal de El beso de la mujer araña, representa esa capacidad fantasiosa que es tan apreciada. Huir de la realidad a través de las películas, de romances distantes en tiempos de guerra o de seres fantásticos que habitan una isla lejana, es su vía de escape al encierro, a la soledad. De igual forma, el latinoamericano crear sus pequeñas ficciones para alejarse de la crudeza de su existencia.

Nuestra Literatura y nuestro cine se alimentan de este escape fantasioso, por eso están tan íntimamente ligados. La espera es otro leit motiv importante que produce la fantasía. Un coronel que espera su pensión, un homosexual que sueña con su príncipe azul, una mujer que busca un cambio de vida u otra que recuerda su primer amor. Todos son personajes productos de la espera, del deseo irrealizado y, por eso, la magia de nuestras ficciones reemplazan o se unen a la realidad con una hermosa paciencia.

Es así que el cine latinoamericano, así como su literatura seguirán unidos y se alimentarán de nuestra realidad, que no dejará nunca de ser mágica.

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El cine,  ¿es arte o es un negocio? En las escuelas y facultades de todo el mundo se nos enseña que el cine es un arte – “el séptimo arte, ni más ni menos” – con códigos, estética y una narrativa propia. Correcto, pero lo que la mayor parte de pénsums parece olvidar es que también es un negocio. El problema de la mayor parte de aspirantes a cineastas, que se centran tantos en sus visiones y aspiraciones individuales, es que olvidan que uno de los objetivos de sus películas debería ser convertirlas en productos comerciales que les generen algún tipo de rédito.

Precisamente, este es el tema principal del 2 Day Film School (“Escuela de Cine en dos días”), un ambicioso seminario que llega a Quito a través de la gestión de la Embajada Chilena. El ponente de este prestigioso evento – que le ha dado la vuelta al mundo, desde Europa y EE.UU. hasta países como Colombia, Chile y Perú – es el cineasta norteamericano Dov Simens. Este personaje es considerado “el padre del cine independiente estadounidense” y el fundador del Hollywood Film Institute (una de las más prestigiosas escuelas de cine de EE.UU.), también ha sido catedrático en las universidades de Nueva York, Los Ángeles y del sur de California. El 2 day film school  es un programa diseñado específicamente para enseñar a los aspirantes a cineastas los procesos para la creación, producción y distribución de filmes con bajo presupuesto, adaptado a la realidad de nuestro país.

Directores de la talla de Darreen Aronofsky (Pi, Requiem por un sueño, El Cisne Negro), Guy Ritchie (Rockanrolla, Sherlock Holmes) y Christopher Nolan (Memento, Batman Inicia, El Origen), y actores como Will Smith y George Clooney, son algunos de las decenas de exitosos estudiantes que han seguido este seminario y vieron catapultar sus carreras al terminarlo. El mítico Quentin Tarantino ha comentado: “Gracias a Dov gravé Reservoir Dogs y Pulp Fiction y lancé mi carrera como un escritor que controla sus propios guiones”.

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Este seminario tendrá lugar en CIESPAL este 12 y 13 de noviembre. Las inscripciones ya están abiertas hasta el 8 de noviembre y pueden adquirirse en ECUTICKET de Quito, al número: 1800 328 842 o al contacto al 06 972 98 89. Tiene un costo de 290 dólares, pero para lo estudiantes de la PUCE solo costará 160 si se acercan a la Asociación de Estudiantes de Administración en la Torre 1. Al final del seminario, los participantes recibirán un Certificado de Director expedido por el Hollywood Film School. También pueden buscarlo en las redes sociales, Facebook: “Hollywood en Ecuador” o en Twitter @dovsimens.

A continuación, una entrevista exclusiva con este “maestro de los maestros” para El Imperdible y TV Noticias PUCE:

 - Sr. Simens, ¿podría contarnos un poco acerca de su carrera?

Llegué a Hollywood en 1980 para dirigir y producir largometrajes. En 1982, hice un filme de bajo presupuesto llamado Flex, lo mandé a tres festivales, pero nunca lo vendí. Lo hice por 12 500 dólares. Aunque no lo vendí, me consiguió un empleo con Roger Corman (quien hace 20 a 30 cintas cada año). Al ver que mi película tenía una buena calidad me contrató como Gerente de Productor/Productor y trabajé en muchos de sus proyectos.

Mientras tanto, enseñaba en la escuela de cine de UCLA (Los Ángeles), la escuela del sur de California y en la de Nueva York, unas de las más caras y “mejores” de EUA. Mi clase muy fue exitosa, por lo que me pidieron que la extendiera por un año, pero me rehusé diciendo que “no hacía falta”, sino para generarles más dinero. Creé un programa de dos días, un fin de semana para alumnos mayores. Los estudiantes no necesitan que se les diga que tienen talento, ni pasión, eso ya lo saben. Ellos quieren saber lo que cuesta todo, cómo ganar dinero y eso fue lo que hice con mi escuela. No hablo sobre talento, ni pasión, asumo que los alumnos ya lo tienen; lo que enseño son procesos y costos de producción: cómo producir una película y distribuirla. Con cientos de casos exitosos, mis graduados han generado más de 16 mil millones de dólares en taquilla en los últimos 10 años.

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- ¿Podría mencionar algunos de estos casos exitosos?

Un tercio de mis estudiantes tienen entre 18 a 22 años, los demás son adultos y profesionales. Algunos de ellos son Quentin Tarantino, Guy Ritchie, George Clooney, Queen Latifah, Chris Nolan, por mencionar algunos. Todos han tomado mi información, ya tenían talento y comprendían el arte, lo que necesitaban era conocer los costos y el plan estratégico para producir, dirigir y distribuir.

- ¿Por qué eligió el Ecuador?

He estudiado alrededor del mundo, en la mayoría de países de Europa y Asia. Y en los últimos dos años pensé: “América Latina está creciendo”. Los gobiernos de México y Colombia me invitaron. Mientras daba mi seminario en Lima, dos de mis estudiantes me invitaron y me dijeron que esta información es muy necesaria en Ecuador. Necesitan entender cómo funciona la industria hollywoodense y generar ganancias. (…) Leí sobre la industria cinematográfica en Ecuador, vi que tienen todo lo necesario, pero no lo tratan como un negocio, sino solo como un arte y eso es algo que necesitan comprender.

- ¿Cómo se siente por venir?

Me emociona ir a un lugar al que nunca he ido. Pero me emociona aún más el saber que hay muchas personas que tienen el sueño de escribir, producir, dirigir y actuar en largometrajes. Y me emociona ayudarlos a generar estos sueños rápidamente, no pasar años hablando sobre arte;  somos adultos, aprendamos sobre el negocio. Voy a enseñar a hacer largometrajes con poco presupuesto adaptado a la realidad de Ecuador, que genere ganancias en Ecuador.

- ¿Puede enviar un mensaje a los estudiantes de la PUCE? 

Hola estudiantes de la PUCE: En la escuela están aprendiendo sobre el arte, lo cual es muy importante. Ahora, los invito a que vayan al seminario para aprender el negocio, como en Hollywood. Invito a cualquiera que quiera ser guionista, director, productor y que empiecen sus carreras rápidamente con largometrajes. Hasta luego.

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