Así es como muchos seguidores del cine de terror recuerdan a Freddy Krueger. La nueva película“Nightmare on Elm Street”  ha decepcionado pero también se ha ganado uno que otro elogio entre el público cinéfilo. La tecnología y el artificio del susto por la sorpresa provocan más de un espasmo en las salas de cine. Sin embargo, para quien ha conocido al psicópata desde 1984, la película resulta poco inquietante y aburrida.

En honor a la verdad, el filme resulta monótono luego de la primera media hora. El asesino parece que olvidó ese humor negro que tenía en las primeras dos películas. Además la poca tensión que genera da como resultado la degradación en la intensidad de los sustos. La cara del asesino de niños solo resulta amenazadora cuando se presenta de sorpresa,  mas no cuando se enfoca por más de dos segundos. El otro problema con el rostro es la minimización de las expresiones que podrían causar miedo. La película, dicen los decepcionados, es un remake sin ningún tipo de emoción nueva pese a los adelantos tecnológicos del cine.

En cambio, los que la defienden dicen que el enriquecimiento del personaje se levanta desde la historia de su origen. La duda que se posibilita en el público acerca de la posible inocencia de Freddy es lo que complejiza al personaje y lo vuelve más interesante. También, es evidente que a quien le gusta el cine de terror del susto se agarrará de su asiento, por lo menos más de la mitad del filme. Otra de las virtudes de la cinta es el final, que aunque no lo sabrán a través de esta reseña, dejará a más de uno pegado a su butaca y con insomnio por algunos días.

Dos respuestas de una misma película, que por ser un remake sufre una mayor dureza en el juicio, son las que se ven a la salida de los cines luego de ver esta pesadilla. Muchos de los que dejaron las butacas aún tendrán los ojos despiertos por disfrutar las antiguas películas de Freddy. Mientras que otros aguantarán las ganas de ir al baño por el miedo de oír: uno, dos… Freddy viene por ti, y luego ver al nuevo psicópata salir del espejo para llevarte a su mundo.

Click here to view the embedded video.

Related Posts

No related posts.

Experimenta una dosis de realidad. El Festival Internacional de Cine Documental Edoc ya empezó.

El viernes 14 se realizó la inauguración en el Teatro Universitario de la Universidad Central. Se exhibió gratuitamente Pecados de mi padre, del hijo del famoso narcotraficante colombiano Pablo Escobar, Sebastián Marroquín, quien estuvo presente en la presentación.

Click here to view the embedded video.

Si se la perdió, puede volver a verla este domingo 16 de mayo en el Ocho y Medio.Para más información, acuda a la página web del Festival, que es muy completa, navegable y está siendo actualizada constantemente. Encontrará todas las novedades relacionadas al Edoc, links a los trailers de las películas en exhibición y mucho más. También Periódico del Edoc, donde hay información más detallada sobre el Festival.

Si los exámenes finales no te dejan un respiro, no te perdiste los films para siempre. La Videoteca de Cinememoria es un archivo digital que conserva las películas que han sido exhibidas en el festival y están disponibles para el público general.

Related Posts

1. Comunidad GLBT estrena su 7mo festival de cine

¿Ha visto qué espacio ocupan actualmente las carteleras de cine en la prensa? Están destinadas a un mínimo, casi olvidado recuadro dentro del periódico. En general, el espacio dedicado al séptimo arte en la prensa ecuatoriana es prácticamente nulo. No sólo eso; los cines existentes son contados con las manos: Cinemark, Multicines, Supercines, Ocho y Medio… No siempre fue así.

A finales de los años sesenta, los fotogramas de las películas y los anuncios de cartelera ocupaban mínimo dos páginas de periódico, y en días domingos, cuatro páginas. No sólo existían dos o tres cines, sino al alrededor de 24, de los cuales la mayoría estaban situados en el centro de Quito y sus alrededores.

Primera carilla de la cartelera de cine, El Comercio, enero de 1968

Santiago Páez, escritor y docente de la PUCE, afirma que existían por lo menos tres circuitos de cine; cada uno traía distintos tipos de películas. Los cines Alhambra (San Blas), Rumiñahui (Plaza de Santo Domingo) y Quito pasaban películas en español, como las mexicanas de la Época de Oro. También se proyectaban algunas ecuatorianas.

Fotograma de la película ecuatoriana "Cautiva de la Selva", El Comercio, enero de 1968

Páez menciona que el Cine Bolívar, que era el más tradicional, y el resto de cines, como el Fénix, San Gabriel, entre otros, pasaban películas comerciales. La clase media prefería ir a estos cines, no frecuentaba el circuito de cine en español. Por supuesto, estos cines aparecían en la primera página de la cartelera.

“Las personas analfabetas, que en esa época eran más numerosas que ahora, y las personas de sectores populares preferían ir a estos cines, porque en el Fénix, el Universitario y otros se pasaban películas francesas, inglesas o norteamericanas con subtítulos” dice Páez.

El Universitario pasaba cine arte, cine de autor. Era el cine más grande. Estaba a cargo del departamento de cine de la Universidad Central. “Ahí vi las grandes películas, como las de Pasolini, Fellini, Antonioni, algunos ciclos norteamericanos y una serie de películas clásicas preciosas. Realmente fue una educación cinematográfica impresionante” agrega Páez. Aparecen en la tercera y cuarta página de anuncios, especialmente en la cuarta.

El Comercio, enero de 1968

“El Mariscal y el Hollywood eran los cines “pornográficos”, que en realidad proyectaban películas inocentísimas para lo que sería ahora, pero que en esa época eran consideradas como pornográficas. Recuerdo que de adulto fui a ver películas eróticas en esos cines que eran impresionantemente buenas, como Historia de O, pero que la Censura sólo permitía que pasen ahí. Bastaba que en la película aparezca una mujer con los senos desnudos para que le manden a esos cines.”

El Comercio, enero de 1968

Se intercambiaba las películas entre los cines de un mismo circuito. “Mientras pasaban la primera película en el Fénix, en el Bolívar pasaban la segunda película del Fénix; se intercambiaban rollos. Por eso siempre había un intermedio de diez minutos en las películas” menciona Páez. Para ello había un encargado que se paseaba en bicicleta de un cine a otro para transportar los rollos.

“El cine era maravilloso, se entraba de día y se salía de noche y esa era una sensación muy extraña, porque todo el ritmo había cambiado sin que uno estuviera presente. Entonces del movimiento y de la luz del día se salía a la noche. Era muy distinto a lo de ahora, que está dentro de otras pautas de consumo. Ahora los cines están dentro de los centros comerciales, se vincula con otro proceso de consumo económico de bienes. La gente va al centro comercial y además va al cine.”

La Luneta, que era la localidad más cara, estaba abajo. La Galería estaba arriba. Los precios variaban entre 12 y 8 sucres para la Luneta, y entre 2 y 4 para la Galería. Estaba permitido fumar dentro de los cines. Había bares dentro de los cines. Se compraba dulces, galletas, canguiles, papas, pero no nachos, hot dogs y otro tipo de comida rápida. En cambio, algunas cosas no han cambiado: “Iba gente de todas las edades, incluso viejos. Las películas llegaban a Ecuador bien tarde, con un año de retraso como mínimo”.

También había cines en los pequeños poblados. En El Comercio había una sección en la que se publicaba información de la cartelera en diversas regiones de Ecuador, como Atuntaqui, Ibarra, Riobamba. El espectáculo era muy distinto. “En San Lorenzo, Esmeraldas, había una casa de caña de dos pisos en la que se pasaban las películas.  Allí la Luneta, la parte más cara, era la de arriba, porque en la parte de abajo había pulgas y se cruzaban las gallinas” afirma Santiago Páez.

El cine ocupaba un espacio importante en los periódicos. En El Comercio, en 1968 existían secciones como Correos del Espectáculo, entre otros, que se difundían noticias de farándula de Hollywood al detalle. Además se dedicaba un espacio a la crítica cinematográfica. Estos artículos tenían una tendencia moral en buena parte de los casos. Este espacio dedicado al cine cayó de enero a agosto de 1968.

Noticia sobre Julie Andrews en El Comercio, enero 1968

A partir de los mediados de los años 70, cuando la televisión empieza a tener más impacto, las recaudaciones de los cines decayeron, por lo que muchos cerraron. “El cine como yo lo recordaba dejó de tener funcionalidad, porque la gente se quedaba en la casa viendo la televisión. Durante un largo tiempo casi no hubo cines, los cines se comenzaron a desgastar, ya no les daban mantenimiento, las alfombras estaban rotas, los asientos estaban horribles. Entonces vinieron los otros cines, como se acostumbra ahora” dice Páez.

Related Posts

1. Comunidad GLBT estrena su 7mo festival de cine

Más o menos hace dos semanas contacté a Víctor para hacer una entrevista de tema, quería que me hablara de su nuevo proyecto cinematográfico. La conversación fue corta, pero fructífera. Dos semanas después, tras cometer un error fatal de novata con la grabadora, tuve que volver a contactarlo para buscar la información que había perdido. Se me ocurrió que tal vez, para  arreglar mi tremenda metida de pata, podía entrevistarlo como personaje. Así que pasé la vergüenza  y lo llamé de nuevo, le di las explicaciones correspondientes sobre el por qué de otra entrevista en tan poco tiempo. El, muy amable, me dio otra cita.

Víctor es un hombre sencillo, gracioso, descomplicado e informal, despistado y relajado. La primera vez que hablamos, me preguntó sobre qué íbamos a conversar ¿Quieres hacer una entrevista sobre un guarandeño que triunfa en la ciudad? Yo me reí.

Foto de: Paulina Simon

¿Eres Guarandeño?

Sí, nací en Guaranda hace 46 años.

¿Cuántos hermanos son?

Yo vengo de una familia grandota, tengo siete hermanos, yo soy el menor de todos, el mimado.

¿Tú eres el chiquito?

Sí, el chiquito de todos mis hermanos. Tengo ese problema de generación, mis papás eran como mis abuelos, mis hermanos como mis tíos y como mis papás también. Crecí con mis sobrinos.

Yo era un niño enfermizo. Tenía fiebre reumática, a los seis años me clavé una aguja hipodérmica en el ojo y se me reventó el cristalino, pasé mucho tiempo en el hospital, me operaron cuatro veces. Siempre fui  un niño delicadito de salud.

¿Cómo fue tu etapa escolar?

Yo hice la escuela en Guaranda. De la escuela tengo los mejores recuerdos. También era mimado, me tenían “amarcado” y a veces iba a hacer la siesta en los recreos. Entonces no aprendía nada, pero  me encantaba.

¿Te gustaba alguna materia en especial?

Me gustaba la escuela en general, era una escuela fiscal. Yo vengo de una familia completamente laica, mi padre era secretario del partido socialista de Bolívar. Él era ¨todo¨ en Guaranda: alcalde, prefecto, presidente de la casa de la cultura, presidente de los periodistas.

¿Era periodista?

También. Escribía editoriales para ciertos periódicos y tenía el suyo propio, lo publicaba semanalmente. Me acuerdo que se peleaba con la Iglesia por medio de su periódico y la Iglesia le respondía en los sermones del domingo.

Víctor se declara como un hombre completamente laico, ¨lo más laico que puedes encontrar, tienes aquí en frente tuyo¨

¿Tu mamá también era laica?

No, mi mamá sí creía en Dios, pero tampoco era curuchupa. No era de las señoras que van a rezar a todo momento, para nada.

¿A qué edad saliste de Guaranda?

Vine a Quito para segundo curso, como de trece o catorce años. Pasé de ser  un niño mimado de provincia, a no entender nada. Me demoré como cinco años en comprender algo. Del colegio tengo los peores recuerdos.

¿De la secundaria?

Sí, de la secundaria. Por eso cuando dicen ¨qué lindo  pasé  en el colegio¨ yo dejo de confiar en esa persona. ¿Qué puede ser bonito de la secundaria? Una educación castrante, poco libre.

¿En qué colegio estudiaste?

Primero vine a la Academia del Valle, luego al Benalcázar, pero no aguanté. Estuve como un año en cada colegio, me gradué en el Nacional Eloy Alfaro.

¿En la Academia Militar Eloy Alfaro?

No, no, en el Nacional. El otro día me encontré con un compañero que pasaba por la misma situación que yo, no aguantaba ni un año en cada colegio, éramos unas bestias. Es chistoso porque ese amigo es el ex canciller, Fander Falconí,.

¿Nunca te adaptaste al colegio?

No, para nada, nunca me gustó era una educación llena de reglas castrantes, te obligaban a cortarte el pelo, cero reflexión. Es por eso, que ¨Fuera de juego¨ inicia con un gran dictado a un adolescente, él se aburre, bota el esfero y se va.  Eso me pasaba todos los años, botaba el esfero y decía ¨me voy¨

¿Tus padres eran estrictos?

No, era como tener abuelitos. Mi mamá tenía 61 años cuando yo tenía 14. Los abuelitos te sobreprotegen, pero no están presentes todo el tiempo.  Es como un abandono. A los 14 años tenía llaves de mi casa y salía las veces que me daba la gana, iba a fiestas y era el que siempre tenía permiso. Descubrí que había que tener amigos.

¿Al Juan Martín Cueva (íntimo amigo de Víctor y  cineasta ecuatoriano) le conociste en esa época?

No, al Juan Martín le conocí después, como a los 17. Trabajamos juntos  más o menos desde los 18.

¿Cómo fueron  tus primeras  vinculaciones con el cine?

Cuando estaba en el colegio y tenía como 16 años me vinculé con la política. Milité en el Partido Comunista.  Dentro del partido trabajaba el Camilo Luzuriaga. Teníamos un grupo de cine, manejábamos la secretaría de prensa y propaganda. Tomábamos  fotos, hacíamos videos y participábamos en un cine foro. Veía cine todas las semanas. Se puede decir que el Camilo ha formado a algunas generaciones de cineastas.

¿Tú consideras que el Camilo es un clásico del cine ecuatoriano?

No sé si un clásico, pero sí tiene su onda, su estilo histórico. A mí me aburren un poco las películas históricas y, claro, cada uno va marcando su estilo.

¿Qué estudiaste luego del colegio?

Comunicación, en la Universidad Central, pero no terminé porque dije “para qué quiero ser comunicador si soy tímido y no me interesa hacer entrevistas, esto no es para mí”. Desde ahí empecé a vincularme con la fotografía. Hice mucha foto fija. Un tiempito corto, hice fotoperiodismo  en una revista que se llamaba ¨Punto de Vista¨, pero no entendía como era eso de pelearse a codazos con los otros fotógrafos. También en ¨Domingo¨, ahí empecé a hacer reportaje y documental. El fotoperiodismo me parece complicadísimo. Es un oficio que se aprende todos los días, no es que uno puede ir a tomar fotos de cualquier cosa.

Víctor Arregui (izqu.) con Juan Martín Cueva (der.)

¿Cuál fue la primera producción en la que participaste?

En varias, no me acuerdo de alguna en especial. Empecé de carga cables, viendo cómo se hacían películas. El Juan Martín y yo hacíamos cortos, él dirigía y yo hacía la pauta. Nos metíamos en cualquier proyecto de pasantes. Poco a poco le volví  un oficio. Un  largo tiempo trabajé en publicidad. Luego pusimos una productora junto con el Juan Martín, hacíamos videos y documentales para instituciones. Hace ocho años me dediqué a la coordinación general del Festival de Cine Cero Latitud y renuncié  hace dos meses.

¿Cómo fue trabajar en el festival?

Muy bonito, nunca he visto tanto cine. Queríamos darle una filosofía al festival. Poco a poco, vimos que nos interesaban los nuevos cineastas y las películas que no tenían posibilidad de ser exhibidas en una sala comercial. También, estaba la necesidad de crear nuevos públicos, ahora hay más espacio para películas latinoamericanas y todas las películas ecuatorianas se estrenan, algunas tienen acogida, otras, no, pero existe el espacio.

¿Por qué renunciaste?

Me cansé de la gestión de todos los años, de conseguir la plata y de todo lo que implica. Además, creo que es necesario que el festival tenga nuevas miradas, otra gente. Si no, te estancas.

¿Y tu vida personal? ¿Te casaste?

Yo era soltero, con muchos amigos. Me encantaba la fiesta, el trago y, un tiempo, las drogas. Me divertía mucho, trabajaba, pero  me encantaba la libertad. Hay que ser libre con responsabilidad, pero libre de pensar y de hacer lo que te gusta. Yo creía que la vida era así, luego ya me enamoré y me casé.

¿Era la primera vez que te enamorabas?

No, tenía una novia, de esos enamoramientos que hay en la vida que la pasas más mal que bien. Era de esas relaciones que vas y vienes y nunca terminas. Se suponía que era el amor de la vida, pero en realidad me caía mal una relación llena de miedos y temores.

¿Cómo conociste a tu esposa?

Yo era director de fotografía y trabajaba aquí. El Juan Martín se fue a Francia y me dijo que me fuera con él, me compró un pasaje. Me demoré como un año en decidir, hasta que un día me dieron visa y me fui. Ahí le conocí a la Cristina Carrión, mi esposa. Estudiaba antropología en Francia. Ella vino para acá y después de seis meses yo regresé y nos casamos. Tuvimos nuestro primer hijo a los dos años de casados, después de ver si mismo, mismo funcionábamos.  (Risas)

Ella es seis años menor a mí, súper lógica, media francesa, media brasilera. Con medalla de mejor egresada y todo.

¿Todo lo contrario a ti?

Claro, totalmente, súper diferentes. Los primeros años del matrimonio pasas intentando que la otra persona sea igual a ti, pero después entiendes que cada uno es lo que es y te respetas. Estuvimos separados un año, pero ahora somos compañeros, amigos, con mucho amor y respeto.

¿Tienes dos hijos?

Sí, el Manuel, que tiene 14,  y el Tomás, que tiene 12.

¿También les gusta el arte?

Sí, son músicos guitarreros, les gusta el cine, el reggae. El mayor creo que es más hippie, más parecido a mí, el menor es más lógico, como su mamá. El Manuel quiere irse a vivir en Jamaica. Yo le digo: tocará ahorrar para cuando regreses meterte en una clínica de rehabilitación. Él dice que no, que ahora es diferente.

¿Te da miedo de que se metan en drogas?

No puedo hacer nada. Estar ahí todo el tiempo y hacerles saber que tienen mi apoyo y que siempre van a contar conmigo.  El miedo es que sufran un accidente estando bajo el efecto de las drogas. Me llevo bien con ellos, hablamos, me cuentan cosas, supongo que no me cuentan todo, pero hay el espacio para hablar. Ellos son de los que dicen lo que piensan y lo que sienten y no tienen miedo. A veces, hay que bajarles un poco y hacerles saber que hay padres y  reglas.

¿Pensabas tener hijos?

No pensaba ni en casarme

¿Cómo fue la etapa en Francia?

Como soy callejero. Me gustaba sentarme en el metro a ver la gente, las calles, esa individualidad, esa frialdad, ese pesimismo francés, ese racismo. Me gusta leer, me iba a las bibliotecas, pasaba mucho tiempo leyendo. Había muchas opciones culturales. La cultura allá es un derecho, todo el mundo accede.

En nuestra primera conversación Víctor me contó que le gusta caminar y observar a las personas, mientras se imagina historias sobre sus vidas. Esas largas caminatas le permiten mirar e inventar  a personajes basados en lo que ve.

¿Cómo fue hacer “Fuera de Juego”?

Nació de la necesidad de contar. La memoria política del Ecuador es muy débil. Durante el gobierno de Mahuad sucedieron muchas cosas: el cierre de los bancos, cada lunes había una noticia, la ciudad cerrada. Había que contar eso.

¿Tu nuevo largometraje va en la línea de tus otras películas?

Sí, me gustan los temas sociales y políticos, que hagan reflexionar a la audiencia. Mostrar la intolerancia, el racismo.. Cómo somos.

¿Lo que no se cuenta?

No se cuenta nada. Ahora quiero entrar a trabajar en televisión. Creo que hay un prejuicio inmenso en torno a la televisión, los cineastas no quieren trabajar en televisión.

¿Un prejuicio un poco “intelectual”?

Sí, y es una pendejada. ¿Qué es intelectual? Yo veo que la televisión es lo que nos puede dar el oficio. Si la gente está en el día a día trabajando, actuando, produciendo, filmando, entonces la televisión subirá de nivel y el cine también. Tendremos escritores, actores, productores con oficio. Como en otros países de Latinoamérica y el mundo que tienen industria. Una película, en otro país que no tenga respaldo de la televisión, no se exhibe.

Creo que nosotros erróneamente hemos arrastrado esta idea de la primera generación de cineastas del Ecuador que creían en esa manera romántica de hacer cine. Heredamos el prejuicio, cuando trabajamos en la ley de cine protegimos al cine de la televisión.

¿Crees, entonces, que también deben haber películas comerciales?

Tienen que haber, esas películas son las que generan fondos para una industria. Además es un derecho contar lo que quieras. Tiene que haber de todo y apoyo para todos.

Cuando salen tus películas ¿tienes expectativas de que el público las acepte?

Yo, todavía, no trabajo pensando en los públicos, me imagino que eso te va condicionando poco a poco.

A veces pienso hacer terapia con mis películas, pero nadie las va a ver, entonces de qué me sirve.  Puede ser que me cure psicológicamente, pero  creo que deben tener reflexión y, al mismo tiempo, generar público.

¿La nueva película que estás haciendo (“El Facilitador”) tiene ese componente?

Sí, hay un poco más de intriga, un toque policial, pero también una reflexión profunda de lo que es la corrupción, la soledad, el amor. Tiene este toque de acción que puede atraer al público.

(Víctor mira para al frente como reflexionando)  Tal vez hace cinco años, yo no pensaba así. Creo que hay que hacer  tanto las películas de terapia, tremendas, como también las otras que entretienen al público.

¿El cine ecuatoriano produce públicos?

Todavía no, la Tania es la que produce públicos.  De las otras, ninguna se ha recuperado.

¿Cómo es vivir del cine?

Nada, pagar deudas, es algo que escoges, te trae problemas y deudas, por eso hay gente que desmaya en el camino, pero es un bichito que te pica y no puedes dejar de hacerlo.

Víctor crece y aprende cada vez que hace una película. Nuestra charla me dio la idea  de que no tiene miedo a explorar nuevos ámbitos y que sabe mantenerse con los pies sobre la tierra, sus logros son una grada más al largo recorrido que le queda en su carrera como director. Conserva esa humildad propia de la gente que viene de provincia, esa humildad del guarandeño que triunfa.

Related Posts

No related posts.

Hablar de Buñuel –y de un puñado de artistas– no pasa de moda pese a que la tecnología nos deleita con nuevas y entretenidas formas de mirar el cine.

Hoy, quien disfruta del cine clásico, no necesariamente es un ser reacio a maravillarse con una buena película en 3D. En ambos casos, el éxito depende de la combinación de elementos narrativos, técnicos y dramáticos.

Ensayo de un crimen (1955) mediante el personaje Archibaldo, muestra el peligro de soñar y sus consecuencias. Un niño caprichoso y mimado desea que su institutriz muera, y eso ocurre inmediatamente. A esa muerte le siguen otras, todas deseadas por Archivaldo, lo cual alimenta su ego criminal. Luego de “asesinar” a su última víctima, acude a la comisaría a entregarse. Siguiendo su modus operandi, Archibaldo saca una navaja, dispuesto a matar a su enfermera (para recortar distancias con el cielo), quien escapa, corre por el pasillo y muere al abrir la puerta de un ascensor descompuesto, y cae al vacío.

La historia se basa en la novela de Rodolfo Usigli, y su expresión narrativa es la analepsis (flashback).  Ensimismado, medio torpe y afeminado desde niño, Archivaldo presenta un cuadro psicológico atractivo: fetichista, porque disfruta vestir  las ropas y calzado de su madre, y obsesivo, al escuchar la melodía irresistible de una cajita musical. (Con cajita en mano, desea la muerte de su institutriz cuando echa un vistazo a la ventana).

La película abarca varios intereses de Buñuel: religión, pecado, condena, penitencia, absolución y sentimiento de culpa (conciencia). Este sentimiento de culpa, presente en la madurez de Archibaldo, puede ser anticipado al prestar atención a su apellido: de la Cruz.

El filme invita, al escuchar la conversación entre el juez y Archibaldo, a reflexionar sobre lo que sería para un rico y para un pobre cargar la cruz de ser un criminal. Pero Archibaldo ni siquiera es un asesino de verdad, sino un burgués que juega a serlo. Al final de su confesión, cuando su fugaz esposa es asesinada, comenta: una intervención extraña hizo que no pudiera llevar a cabo mis propósitos. (Es decir, matarla con sus propias manos). El juez es firme y cordial en su decisión: no se puede sentenciar a alguien sólo por desear la muerte a otra persona.

La historia acaba de buena manera para Archibaldo, junto a una mujer que no deseó matar. ¿No deseó? En realidad la asesinó simbólicamente: no quemó a la mujer, sino a un maniquí idéntico a ella. Quizás por el fuego purificador, es que se cruza con ella por azar al final.

Click here to view the embedded video.

Related Posts

No related posts.

Si uno inicia una búsqueda en internet sobre la “edad de oro del cine”, se encuentra con páginas que se refieren a la película de Buñuel, al filme Elizabeth, la edad de oro o a la Época de Oro del cine mexicano o venezolano. Por increíble que suene, nuestro país también tuvo una “Pequeña Edad de Oro” (definición de la investigadora Wilma Granda) a inicios del siglo XX, cuando se produjo un auge de películas silentes “made in Ecuador”.

Entre 1926 y 1931, la inversión extranjera creció gracias a las reformas económicas del gobierno de Isidro Ayora y a la campaña propagandística-cinematográfica de empresas privadas y del Estado. En este escenario, nacieron algunas de las productoras que impulsaron la “Pequeña Edad de Oro”.

“Ambos Mundos” fue una de las primeras empresas cinematográficas del país. En sus comienzos, presentaba filmes relacionados al mundo militar en los que se mostraban desfiles, visitas de buques extranjeros o incluso la llegada de una escuadrilla de submarinos norteamericanos. “Ambos Mundos” también producía películas con fines propagandísticos, especialmente de Guayaquil (vistas de los lugares destacados de la ciudad). Luego, esta productora diversificó los temas y los personajes de sus obras, ya que “el pueblo” participaba mucho más en ellas. A este periodo corresponden películas de las fiestas de independencia de Quito y de Guayaquil, así como largometrajes de la vida cotidiana en estas ciudades (La salida de las aristocráticas de la Vermouth de los teatros Edén y Olmedo, por ejemplo).

“Ocaña Film” (1925-1931) era conocida como la “Petit Paramount” del Ecuador. El fotógrafo español Manuel Ocaña era el propietario de esta empresa que, como “Ambos Mundos”, empezó con filmes propagandísticos gubernamentales y noticieros. Varias películas de “Ocaña Film” presentaban acontecimientos deportivos como encuentros de boxeo, de fútbol y hasta Las Olimpiadas de Riobamba. Manuel Ocaña implementó un nuevo estilo de noticiero -de magazine- en el que se pasaban imágenes con letreros en español o inglés. A esta época pertenece Ecuador noticiero Ocaña Film 1929, restaurado por la Cinemateca Nacional.

La productora “Olmedo Film” (1928-1929) presentaba noticieros y filmes de propaganda para distintas empresas. Industria Nacional Chimborazo, por ejemplo, es un reportaje de la petrolera y cementera Anglo Ecuadorian Oilfields Ltd.

Es imposible hablar sobre la “Pequeña Edad de Oro” sin mencionar a quien se considera su fundador: Augusto San Miguel. Este acaudalado guayaquileño, que se identificó con la Generación Decapitada, se desempeñó como productor, guionista, actor, director y operador. Creó la productora “Ecuador Film Company”.

Desde muy joven, San Miguel realizó filmes de ficción (El tesoro de Atahualpa), cómicos (Se necesita una guagua), de denuncia social (Un abismo y dos almas, sobre la explotación a los indígenas), así como documentales (Panoramas del Ecuador, Actualidades quiteñas). Su invalorable contribución al cine nacional ha sido reconocida en los últimos años.

Related Posts

1. Comunidad GLBT estrena su 7mo festival de cine

Beautiful (2008) dirigida por Jaihong Juhn y escrita y producida por el gran Kim Ki Duk, es la historia de una mujer de belleza asombrosa condenada a autodestruirse por las agresiones del entorno en el que vive. Alta, de cabello negro, largo y brillante, de facciones perfectas y de labios finos y rojos, Eun Young (Cha Soo-yeon) nunca se interesó por ser modelo ni actriz, pero siempre fue una mujer cotizada y envidiada.

La película se dispara hacia el mundo de la autodestrucción cuando un sujeto obsesionado con la figura de Eun Young entra a su casa, la golpea y después la viola. El agresor toma fotos del rostro sangrante y se entrega a la policía. Desde ese instante, la protagonista tendrá que afrontar una serie de traumas que le dejó este suceso. Un policía, que también es atraído por su físico, será su guardián hasta el final.

Pero Eun Young está cansada de que todos los hombres, incluso el novio de su mejor amiga, la persigan, así que decide cambiar su aspecto físico: motivada por una mujer gorda y de aspecto repugnante que ve en un parque, opta por comer enormes cantidades de comida grasienta con el afán de engordar rápidamente para resultar no tan atractiva y llevar una vida tranquila. Termina en el hospital debido a un fuerte dolor de estómago y al volver a casa mira en la televisión un reportaje sobre la anorexia, un desorden que ataca a una de cada cien mujeres en Corea y cobra cientos de muertes cada año. Creyendo que esta vez encontrará una salida, Eun Young inmediatamente reemplaza la comida grasienta por agua y pastillas de dieta y emprende rutinas de ejercicio como una maniática. Sus ojos se ven terribles y sus labios resecos, la gente ya no cree en ella, además la esquizofrenia se ha tomado su mente y el violador “la persigue”. La autodestrucción es el precio que esta mujer tendrá que pagar por su belleza.

Como en muchas otras historias de KIM Ki Duk, la voluntad por descubrir los más intensos deseos del ser humano se pone a prueba. Esta vez la degradación de una mujer es llevada esta las últimas consecuencias.

Related Posts

No related posts.

A la izquierda: afiche de “Alicia en el País de las Maravillas”, de Burton. A la derecha: afiche de “Alice”, de Svankmajer

Una de las películas más esperadas del año ha sido Alicia en el País de las Maravillas (Alice in Wonderland), dirigida por Tim Burton. La película, más que una reedición cinematográfica de la obra de Lewis Carrol, es una continuación de ella. Todos esperábamos con ansias un filme con las peculiaridades que este director suele ofrecer en cada una de sus entregas, como Edward Scissorhands, Beetlejuice, The Nightmare Before Christmas.

La historia empieza cuando una Alicia adulta (Mia Wasikowska) está presionada por una sociedad conservadora que le exige que se case con Lord Ascot, un hombre con problemas digestivos. Alicia es una joven rebelde, diferente a todos los que la rodean en el mundo real. En medio de una elegante fiesta, sale corriendo atrás de un conejo blanco que nadie más parece notar y, sin querer, cae en un hueco que la lleva al “País de las maravillas” (que en realidad se llama “Submundo”).

Click here to view the embedded video.

Este mundo fantástico está sumido bajo el terror de la cruel y temperamental Reina de Corazones Rojos (Helena Bonham Carter), que quitó del trono a su hermana, la Reina Blanca (Anne Hathaway). Según una profecía de la Oruga azul, Alicia matará al Jabberwookie, una criatura bestial que está bajo el control de la Reina Roja, en el Frabullento Día. Sin embargo, Alicia no recuerda su anterior visita al Submundo y, según la oruga, no es la Alicia que necesitaban (según el Sombrerero loco, a Alicia le falta muchosidad). La protagonista vive un viaje hacia la recuperación de lo que le falta para enfrentarse a la criatura mítica.

Sin embargo, no se puede salir de esta película sin la sensación de que algo faltó. Y no son sólo los huecos que hay en la historia que pretenden explicarse solos -nunca se sabe por qué Alicia no recuerda la primera vez que estuvo ahí-. Tampoco podemos explicarnos qué es ni en qué momento la protagonista recuperó la supuesta muchosidad que le faltaba. Si no, además, se esperaba al Burton macabro que conocíamos de otros filmes, que hace películas truculentas que le hubiera gustado ver cuando era niño. Al fin y al cabo, no es nada nuevo para nosotros enfrentarnos con un guión clásico que tiene un final feliz.

Ni siquiera se pueden salvar las actuaciones. Incluso Johnny Depp es un poco opacado por la Reina Roja, sin mencionar que la protagonista queda opacada por todos los demás personajes. Sin mencionar la desastrosa actuación de Anne Hathaway, pues no sé si alguien entendió qué estaba haciendo la Reina Blanca con sus manos durante todo el film. Este era uno de los estrenos más esperados y, quizá, será uno de los films decepcionantes más recordados de este año.

Esta película entró al mercado de Alicias, donde podemos encontrar mejores adaptaciones que la de Burton. No se puede ni comparar a esta película con “Alice” de Jan Svankmajer, donde lo peculiar está presente en todo momento. En esta película surrealista ni siquiera se necesitó de fantásticos colores o de un gran paisaje para disfrutarla, todo discurre dentro de una casa, donde Alicia (Kristýna Kohoutová) está perdida y sufre diferentes encuentros con el conejo blanco (que es un conejo disecado verdadero al que se le cae la viruta a cada momento), la liebre de marzo, el sombrerero loco y la oruga. Crece y disminuye de tamaño, llora y ríe, se enoja junto a la mayoría de personajes, que no son más que títeres. Esta Alicia está cargada de sentimiento y nos transmite el miedo que cualquier niño podría tener un País de las Maravillas tan extraño. Se la puede ver directamente en YouTube. Aquí la primera parte de este filme:

Click here to view the embedded video.

El film, un cruce entre stop motion y live action, sorprende a cada momento con diálogos introducidos fuera de la historia (que la misma Alicia dice para todos los personajes), música de fondo inexistente, ambigüedad de si es un sueño o no e imágenes que rozan en lo grotesco. Además, la imagen es tratada muy bien, con los planos y colores justos. Y si lo macabro no es lo que se está buscando, la versión de Disney de 1951 cautiva más con su dulzura e inocencia que lo que en este momento está en el cine.

Related Posts

No related posts.

http://elimperdible.ec/web/wp-content/uploads/2010/03/facilitador.jpg

“El facilitador” la nueva película del director de cine ecuatoriano, Víctor Arregui, estrenará su tercer largometraje de ficción en abril del 2011. La película trata sobre las concesiones entregadas a las hidroeléctricas durante la época de Lucio Gutiérrez.

Al igual que en el médico legista de “Cuando me toque a mí”, Arregui afirma que la oscuridad y los secretos estarán presentes en el facilitador, un personaje basado en  hombres de la vida real que se ganan la vida tramitando negociaciones, y vendiéndose al mejor postor. “La película no trata de ser solamente una denuncia, sino que pretende descubrir al ser humano que se oculta en el facilitador”, menciona Arregui.

“El facilitador” ya cuenta con parte de su reparto. “El Pájaro” Febres Cordero, respetado periodista  y escritor ecuatoriano, interpretará al personaje principal, y posiblemente, el destacado sociólogo Alexei Páez, será su coprotagonista.

El filme, que es una coproducción de Brasil y Ecuador, ha recibido el apoyo económico del Consejo Nacional de Cine (CNCINE),  del Ministerio de Educación y del Programa Ibermedia, que financia producciones de cine a países de la región.

Queda esperar la nueva película de Víctor Arregui, quien contará, a través de la inquietud que le causa un personaje, una historia que no ha sido relatada por el cine ecuatoriano y que, como muchas otras, son parte invisible de la estructura social.

Related Posts

No related posts.

Al mirar una película, uno olvida estar  frente a  imágenes en movimiento. Es muy fácil no pensar en ello, gracias a una fidelidad cada vez mayor entre la pantalla y el mundo.

Pero, hay ciertas acciones que, pese a nuestra atención y deseo, escapan a nuestro ojo. Por ejemplo, soltar un huevo sobre un ventilador. ¿Cómo creen que se rompe?, ¿toca una hélice?, ¿todas? Miren la respuesta:

Click here to view the embedded video.

Quicker’n a Wink es un documental dirigido por George Sidney en 1940. El filme muestra a Harold E. Edgerton haciendo una demostración de la fotografía estroboscópica. El efecto estroboscópico se produce al iluminar, mediante destellos, un objeto que se mueve en forma rápida y periódica.  Así, se muestra en cámara lenta lo que sucede a gran velocidad.

Ahora, más de medio siglo después, con la Cámara Phantom se logran resultados hermosos como el siguiente video, un nuevo éxito de Youtube.

Click here to view the embedded video.

Sin los 1000 fotogramas por segundo de la cámara phantom, este comercial luciría borroso. Esta idea de los perros en cámara lenta, está basada en un  video de Pleix, un grupo de artistas gráficos y músicos.

Click here to view the embedded video.

En el arte, la intertextualidad generalmente apela a una idea, pero en este caso, a una técnica. En cámara lenta, lo simple se vuelve magnífico.

Un extraño ejemplo, es el siguiente video de  Radiohead, donde unos de sus miembros se mueven lentamente, y otros a velocidad normal.

Click here to view the embedded video.

Related Posts

1. Patrick Bouvin ensambla vídeos con fotografías y juguetes