Advertencia: intenté ser lo más objetivo posible pero –lamentablemente– estoy indignado por la forma en que nos ningunearon a casi 700 personas la noche del 27 de mayo en la que,  se supone, debía presentarse Draco Rosa.

No es justo que hayan creado una expectativa gigante en cientos de personas que asistimos ayer al Punto G. Esperamos como cuatro horas para disfrutar de un show que prometía ser de los mejores que se han visto por estas tierras y al final nos fuimos con un sabor amargo en la boca. Apenas dos canciones pudimos oir de Draco, ¿y después?  Nada: los encargados empezaron a desmontar los equipos y se fueron. La gente reaccionó con mucha tranquilidad, de lo contrario ese lugar hubiera quedado como la plaza de toros cuando nunca llegaron los Cradle of Filth.

Al respecto ShowFactory, responsable del evento, publicó un mensaje de disculpa en su página de Facebook.

La verdad no sé como esperan que se les crea todo lo que dicen, pero nos queda el beneficio de la duda. Si la empresa dice haber trabajado tantos años en la organización de eventos es increible que digan que “les vieron la cara” y les falsificaron las firmas. Suena a mentira su disculpa pero desde que existen las excusas nadie es culpable, o en todo caso el culpable es otro. Ahora habrá que ver con qué salen (o a quién culpan) los de la Intendencia.

Por otro lado, también se ha comunicado con la gente Biorn Borg, la banda encargada de abrir el concierto. Ahora que me acuerdo, en la disculpa de ShowFactory no se menciona en ningún momento el trato dado a la banda, ¿cierto? ¿Será que no les interesa?  Desde la tarde del 27, Biorn Borg envió un mensaje a través de Facebook en el que se explicaba el cambio de orden en el concierto, ellos tocarían al final “por motivos técnicos fuera de nuestro control”.

Por lo visto, algo andaba mal con la organización y, en efecto, al día siguiente se publicó este mensaje a través de la misma red social:

“Amigos, ayer fue un día muy duro. Pasamos desde la mañana hasta la noche en el lugar del show negociando nuestra participación en él y exigiendo hasta el hastío nuestros derechos básicos de una camerino decente, agua, entre otros (que nunca tuvimos…) Nos fue negada una prueba de sonido. Es una lástima vivir en “carne propia” cómo las bandas locales son tratadas como la última rueda del coche en estos shows. Estamos muy apenados por lo de ayer tanto por ustedes como por nosotros que teníamos gran ilusión de tocar en ese show. El resto es competencia de Show Factory aclarar e indemnizar. Un abrazo para todos. Esperamos sus comentarios. BB”

Esta es la versión de la banda de una situación que pasó desapercibida ayer. Es la segunda cag…  mala jugada que les hacen los famosos “empresarios” a los Biorn Borg. Estas empresas piensan que hacen un favor a los músicos cuando los incluyen en este tipo de eventos. Por supuesto están segurísimos de que si en vez de buenos grupos ponen a cualquier banda de covers a abrir el concierto les va a ir super bien, porque estas bandas no exigen el cumplimiento de un rider técnico como mínimo, sino que se amoldan a lo que les ofrecen los productores. Esta falta de respeto hacia la música nacional ya la hemos visto antes en otros eventos como el  Rock’n Quito . Precisamente allí los BB y Sal y Mileto pasaron malos ratos por culpa de la mala organización. Este es el comunicado que rondaba por internet en esas épocas:

“COMUNICADO : PORQUE SAL Y MILETO Y BIORN BORG NO TOCARÓN EN ROCK’N QUITO

LO QUE SUCEDIÓ ESTE SÁBADO 01 DE AGOSTO EN EL ROCKN’QUITO DESVISTIÓ LO QUE DURANTE TANTO TIEMPO VIENE OCURRIENDO EN LA CONCEPCIÓN ERRADA QUE EXISTE POR LO MENOS AQUÍ EN QUITO SOBRE EL CRITERIO QUE ENVUELVE A TODA LA ACTIVIDAD ARTÍSTICA MUSICAL DE GRUPOS Y SOLISTAS EN GENERAL.

COMO SAL Y MILETO Y BIORN BORG CREEMOS NECESARIO PROTESTAR Y DENUNCIAR LA FALTA DE PROFESIONALISMO QUE EXISTIÓ EN ESTE FESTIVAL. UNA PRODUCCIÓN PRECARIA, INCUMPLIMIENTO DE LOS CONTRATOS POR PARTE DE LA ORGANIZACIÓN, FALTA DE PREVISIÓN Y UN CASI DESPRECIO HACIA LAS BANDAS POR PARTE DE LOS ORGANIZADORES OCASIONÓ QUE NINGUNA DE LAS DOS BANDAS LLEVEN A CABO SU PRESENTACIÓN.
DESGRACIADAMENTE TODAVÍA EXISTE UN COMPLEJO EN LAS ORGANIZACIONES ECUATORIANAS DONDE PREVALECE SIEMPRE LA IMPORTANCIA Y EL PAGO A LOS CONJUNTOS EXTRANJEROS Y UN COMPLETO OLVIDO A LAS NECESIDADES DE LAS BANDAS NACIONALES.
MUCHAS VECES POR LA NECESIDAD DE HACER CONOCER LAS DIFERENTES PRODUCCIONES ARTÍSTICAS QUE SE DAN PERMANENTEMENTE EN LA CIUDAD, MUCHAS BANDAS SE VEN OBLIGADAS A ACEPTAR LAS CONDICIONES QUE SE LES OFRECE, EN LA MAYORÍA DE CASOS TOCAR GRATIS. ES POR ESTO QUE HAY QUE TOMAR A SAL Y MILETO COMO EJEMPLO DE ACTITUD, LA CUAL SE NIEGA ROTUNDAMENTE A PRESENTARSE GRATUITAMENTE, NO POR FALTA DE COLABORACIÓN CON LOS ESPECTÁCULOS SINO PARA EXIGIR RESPETO Y CRÉDITO A LA ACTIVIDAD QUE ELLOS HACEN: SU MÚSICA.

NO PUEDE SER POSIBLE QUE LAS BANDAS SIGAN TOCANDO GRATIS EN FESTIVALES DONDE ADEMÁS NO SE LES DA NINGÚN TIPO DE RESPETO Y LAS CONDICIONES TÉCNICAS SON TAN PRECARIAS QUE LAS BANDAS TERMINAN SIENDO ABUCHEADAS POR EL PÚBLICO SIN SER CULPA DE LA AGRUPACIÓN, SINO POR LA MEDIOCRIDAD DE LOS QUE SE DICEN SER ORGANIZADOS CULTURALES. Y NO PUEDE SER POSIBLE QUE GENTE INEXPERTA SIN NINGUNA CONCIENCIA CULTURAL Y SIN PRESUPUESTO SE LANCEN HACER ESPECTÁCULOS QUE LO ÚNICO QUE HACE ES IRRESPETAR AL PÚBLICO Y TODO EL MOVIMIENTO ARTÍSTICO.

APROVECHAMOS ESTE ESPACIO PARA HACER UN LLAMADO A LOS MÚSICOS PARA QUE HAGAN VALER LA ACTIVIDAD EN LA QUE SE ENCUENTRAN, PARA NO PERMITIR QUE LOS DIFERENTES PERSONAJES QUE ESTÁN RODEANDO LA ORGANIZACIÓN DE ESPECTÁCULOS HAGAN CREER QUE ES UN FAVOR EL QUE ESTOS ESTÁN HACIENDO A LOS ARTISTAS AL PERMITIR ESTAR EN TAL O CUAL EVENTO. ESPERAMOS QUE ESTA EXPERIENCIA SIRVA COMO UN EJEMPLO PARA QUE LA MEDIOCRIDAD QUE HAY EN LOS ESPECTÁCULOS NO SE VUELVA A REPETIR Y EL MALTRATO A LAS BANDAS NACIONALES TERMINE.

SAL Y MILETO / BIORN BORG”

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A algunos nos ha sucedido que un día se nos acerca un familiar o amigo próximo y nos dice: “Se ha muerto Fulanito; Mengano tiene cáncer; o Tal y Cual está agonizando”. Y uno se encoge de hombros, pues el nombre del muerto o moribundo nada significa. ¿Quién será?, nos preguntamos. Resulta que se trata, por ejemplo, de un tío que alguna vez nos sacó a pasear, o de la madrina olvidada que nos llevó en brazos a la pila bautismal, o de la tía abuelita que cuando niños nos visitaba y traía caramelos que agradecíamos con besos en las mejillas.

“Ahh -decimos entonces-, qué pena, ojalá se mejore”. Pero la verdad es que cinco minutos después el moribundo vuelve a sernos tan anónimo, lejano e indefinible como antes de que nos enteráramos de su desgracia.

Es más extraño cuando el pariente efectivamente termina falleciendo y además nos hereda algo -como pasó entre el tío Jacinto y don Ramón-, aunque solo sean saludos cordiales o bendiciones, que recibimos entre avergonzados e indiferentes.

Pero también ocurre lo contrario. O sea que alguien, un ser humano que no conocemos personalmente, con el que no hemos intercambiado palabra alguna, o a lo sumo hemos visto muy de lejos y ni siquiera le estrecharemos jamás la mano, constituya una presencia permanente y entrañable en nuestra vida, y que, por tanto, resulte extremadamente triste prescindir de él.

Algo así me ocurre ahora con Gustavo Cerati. Me preguntaron el otro día qué me pasaba, por qué andaba tan pensativo, cuál era el motivo de mi preocupación. Y tuve que reconocer que lo de Cerati me tenía (y me tiene) bastante patidifuso.

Me acuerdo la primera vez que lo vi en la tele, en un programa especial que presentaron en Telecentro (de Guayaquil), en el año 1986. Mi papá encendió la TV y se puso a mirar. Yo tenía 12 años. Mi papá estuvo mirando un rato. Al final se aburrió y antes de irse preguntó retóricamente: “¿Y quiénes serán estos crestones?”.

Los crestones eran Soda Stereo, y el líder, el más inteligente, el más pilas, el duro del grupo, era Gustavo Cerati. En esa época, mi reciente adolescencia estaba ya tatuada por los luzbélicos sonidos de ACDC e Iron Maiden (cuyos logotipos los niños de la escuela nos dibujábamos en los brazos con esferos). Pero había que hacer lugar para Soda Stereo, y en especial para Cerati, y cada vez que lo escuchaba me caía mejor, me parecía mejor músico, más inspirado, más tipazo.

Nada de eso ha cambiado, salvo que ahora, cuando este hombre está entre la vida y la muerte, siento una pena profunda y me da mucha tristeza pensar en la posibilidad de que quizá no vuelva a cantar, de que tal vez jamás lo veamos volver.

Como si fuera un familiar o un amigo cercano, de aquellos que realmente aprendemos a conocer, apreciar y querer, si algo le pasa a Cerati creo que me afectará de forma personal. No como a un fan o seguidor, porque la admiración con el tiempo se vuelve una especie de costumbre, de capricho, de lugar común personal.

Mientras tanto, por ahora prefiero no escuchar su música, sino recordarla. Y resulta chévere pensar que es el propio Cerati el que, paradójicamente, en momentos así, parece ser el que más sabe de estas cosas:

“Separarse de la especie
por algo superior
no es soberbia, es amor
no es soberbia, es amor”

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Ecuador no será el paraiso prometido pero si un país que ha esperado durante años para ver a uno de los músicos latinoamericanos más originales de los últimos tiempos: Draco Cornelius Rosa. El puertorriqueño visitará por primera vez el país este 27 de mayo en el marco de su gira “Vagabundo por el mundo”.

Desde sus inicios hasta su actualidad musical Robi ha ido evolucionando su sonido hasta convertirlo en su propia rúbrica. La música de Draco recoge influencias muy variadas que van desde la música popular puertorriqueña, pasando por Led Zeppelin, The Beatles, la salsa “oscura y agresiva”, hasta bandas y solistas latinos como Sumo o Luis Alberto Spinetta.

En su juventud Draco fue parte de Menudo, grupo que abandonó porque no le fue permitido colaborar con temas propios. Luego de esto se mudó a Brazil y realizó un par de trabajos en idioma portugués. A su regreso a Estados Unidos (donde vivió durante su infancia) formó  Maggie’s Dream, banda que fusionaba elementos pop con ritmos latinos y funk. Esta banda lanzó un disco homónimo. Luego de esta etapa Draco se dedicaría de lleno a su carrera en solitario, editando hasta la fecha alrededor de siete álbumes, entre los que destacan Frío (1994), Vagabundo (1996) -considerado uno de los mejores discos de rock latinoamericano-, Mad Love (2004) y El teatro de lo absurdo (2007). Robi estará en Quito presentando su último trabajo Amor Vincit Omnia y tocando un repertorio con sus temas más populares.

La música de Rosa es excelente, no se enmarca en un solo estilo y cada obra que presenta es única y diferente a la anterior. Este 26 de mayo tocará en Cuenca y el 27 a las 20h00 se presentará en Punto G music Hall (Iñaquito entre Villalengua y Naciones Unidas). Las reservación de entradas se pueden realizar en los locales de Converse de la av. Colón, el local del Condado Shopping y el local ubicado en Villa Cumbayá. Los precios de las entradas son: Club: $25 Dark box: $35. Un precio accesible para un gran show. Sin más palabras les dejo algunos videos que revelan la evolución musical de Draco Rosa.

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Adrián Khalifé es el nuevo talento nacional. Nació en la capital el 7 de mayo de 1986. Hacia el año 96, conoció al cantante chileno Pablo Herrera, quien lo motivó a inclinarse hacia la música. En el 2002 fue alumno de una de las mejores voces de Loja, Cecilia Tapia. Dos años después, Adrián se presentó para las audiciones del reality “Popstars” y llegó a hasta la tercera ronda. Tras algunas presentaciones en grandes escenarios, como la Casa de la Cultura Ecuatoriana y el Colegio Manuela Cañizares, se decidió firmemente por la carrera musical e ingresó a la Universidad San Francisco de Quito, que tiene un convenio con el Berklee College of Music de Boston.

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A mediados de 2007 se unió a la banda “Trafika” y lanzaron la canción “Luz”, la cual fue su primer acercamiento al mercado musical. Con esta banda compartió escenarios con artistas internacionales como Reyli, Sin Bandera, Kudai, entre otros. “Trafika” se desintegró el año pasado, por lo que actualmente Adrián Khalifé trabaja en su proyecto musical como solista. Fue invitado junto a otros artistas nacionales a grabar una versión del tema “Menos hombre más humano”,de Ricardo Williams, para la campaña “Reacciona Ecuador, el machismo es violencia”. Ha realizado varias presentaciones en las principales ciudades del país. “Al final”, su primer tema, fue lanzado en marzo de este año y es una propuesta que fusiona los ritmos negros (como el R&B y el soul ) con el pop. En este tema participaron Israel Brito y José Blanco (ingeniero de masterización de Aerosmith, Julieta Venegas, entre otros).

A continuación el vídeo de las grabaciones del tema “Menos hombre más humano” en el que participó este artista quiteño.

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Estos últimos años la música ecuatoriana ha venido desarrollándose de una manera antes era impensable. La aparición de las nuevas tecnologías facilita a los grupos la posibilidad de dar a conocer su material y ha formado las bases con grupos de calidad y fanáticos que hacen (un poco) visible a la música independiente. Gracias a todos estos esfuerzos se ha hecho necesario que la promoción de los grupos cada vez tenga proporciones más masivas. Unízono es un programa de tv en el cual, basicamente, bandas ecuatorianas tocan en vivo sus temas y dan a conocer sus propuestas a un publico que muchas veces las desconoce.

A finales de marzo el programa finalizó su primera temporada, la cual se transmitía los días domingos por la tarde en ECTV. Sus organizadores planean realizar una segunda temporada junto a más bandas representativas del país y bandas emergentes que merezcan ser difundidas. Por los estudios de grabación de Unízono (Fediscos, donde grabó el mismísimo JJ) han pasado bandas ecuatorianas como Biorn Borg, Niñosaurios, Mamá soy demente, Los Nietos, entre otros. A continuación les dejo algunas de las presentaciones de la primera temporada de Unízono.

Esperaremos con ansias a que salga la nueva temporada de Unízono para ver las propuestas de las nuevas bandas ecuatorianas. Ya que, según su página web, han recibido más de un centenar de propuestas de bandas que quieren participar en el programa.

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El avance tecnológico de los dispositivos electrónicos ha abierto un nuevo horizonte para los grupos musicales actuales. En la última década se popularizó el uso de samplers, controladores y demás aparatos electrónicos que permiten manipular los sonidos generados desde un dispositivo como un sintetizador o un software que tenga las mismas funciones, como Reason.  Actualmente casi se ha generalizado su uso, permitiendo la creación de nuevos estilos y géneros musicales. La variedad de estos aparatos, así como su funcionalidad, es enorme. Aquí les presentamos algunos de los dispositivos más populares entre los músicos.

El primero de estos aparatos es el Monome 40h, un dispositivo conformado por un panel cuadrado de 64 botones (8×8) retroiluminados que se conecta a un ordenador mediante un cable USB y el Open Sound Control (OSC) de protocolo. Originalmente desarrollado como una interfaz de rendimiento de composición abierta para la música electrónica.

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Los botones del Monome se pueden configurar como conmutadores, botónes de radio, deslizadores, o pueden ser organizados en sistemas más sofisticados para controlar y activar la reproducción de las posiciones de muestra, flujo de vídeo de 1-bit, interactuar con los modelos dinámicos de física, y jugar videojuegos. Todo el software y el firmware del 40h es de código abierto.

Existe una versión japonesa más popular que el Monome 40h, se trata del Tenori-on de Yamaha. Éste es un instrumento musical electrónico, diseñado y creado por el artista japonés Toshio Iwai. El aparato tiene , igual que el 40h, una superficie con leds que se iluminan con las pulsaciones o trazos del músico. El Tenori-on  se compone de una pantalla que, simultáneamente, es un controlador de 16 x 16 interruptores LED que pueden ser activados en gran número de maneras para crear un “paisaje sonoro”. Lo entretenido de estos instrumentos no es solamente su sonido sino también como se ven en vivo ya que se puede mirar a través de los led como se forman dibujos que representan samples.

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El tercero de nuestra lista es  el Kaoss Pad de Korg. El Kaoss Pad es un controlador MIDI, sampler y procesador de efectos para audio e instrumentos musicales. Con su touchpad incorporado se puede gestionar, recuperar y reproducir samples, samplear en tiempo real y añadir procesamiento dinámico a cualquier señal o a los propios samples.

De los artefactos presentados quizás éste es el más utilizado debido a su producción masiva. Muchos músicos han sabido hacer del Kaoss pad parte esencial de sus creaciones. La banda mexicana Austin tv lo utiliza mucho en sus composiciones y el guitarrista de Muse Matthew Bellamy incluso incorporó un  Kaoss pad a su guitarra eléctrica.

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Puede que estos aparatos se vean fáciles de usar pero la verdad es que no lo son tanto, siempre se necesita un poco de conocimiento previo para poder manejarlos coherentemente. Hasta que fue creado el Reactable. Este instrumento fue desarrollado por el Grupo de Tecnología Musical de la Universidad Pompeu Fabra, de España. El Reactable consta de un tablero semi translúcido iluminado directamente con dos cámaras situadas al otro lado del tablero que analiza de vez en cuando la superficie y sigue los movimientos, la naturaleza, la posición y la orientación de los diferentes objetos físicos y lógicos que están situados sobre el tablero por medio de visión artificial. Varios músicos simultáneos comparten control completo sobre el instrumento moviendo y rotando los objetos en el tablero luminoso. Al mover y relacionar los objetos por la superficie del tablero se modifica la estructura y los parámetros del sintetizador de sonido. Estos objetos conforman los típicos módulos de un sintetizador modular.

Debido a que estaba en fase de desarrollo el Reactable no se estaba comercializando masivamente, pero recientemente se anunció el lanzamiento del Reactable Live!, una versión amigable del dispositivo del cual se comercializarán 20 unidades. Uno de los objetivos de los desarrolladores del Reactable es que su creación pueda ser utilizada por todo el mundo: desde niños hasta músicos profesionales.

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La tecnología definitivamente está revolucionando la forma en la que concebimos el arte pero ¿ el uso de estos elementos digitales en la música  superará algún día a los instrumentos reales?. Lo dudo mucho.

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El  baterista quiteño Andrés Caicedo es reconocido por su versatilidad y por su amplia trayectoria junto a grupos y músicos nacionales. Ha participado en varios festivales nacionales de música como el Quitofest, el Festivalfff, el Guayaquil Jazz festival, entre otros. En una pequeña entrevista Caicedo nos contó sobre sus inicios en la música, los proyectos en los que ha colaborado y reflexionó sobre la  situación en la que se encuentra la música independiente ecuatoriana.

Andrés Caicedo inició su relación con la música desde muy pequeño; aprendió a tocar el piano cuando niño y oía mucha música debido a que  su padre siempre fue un melómano. Aproximadamente a los quince años empezó a tocar la bateria y a formarse de manera autodidacta. En  una de sus primeras bandas tocó con Hittar Cuesta y con Diana Cárdenas; debido a la presión de tocar con músicos experimentados el joven Andrés desarrolló rápidamente su técnica. Tiempo después tomó clases con Eddie Mejía, precursor de la enseñanza de la batería en la capital, quien también dio clases en su momento a Ernesto Karolys y Andrés Benavides.

A mediados de los noventa tocó con Dentro de Helena y en un par de ocasiones con Sal y Mileto por la ausencia de Igor Icaza.  También se unió a Sopa de vidrio. Este contacto con bandas que hacían música propia fue el que le hizo tomar un nuevo impulso, ya que se hartó de tocar covers en kermeses colegiales. En el 2000 aproximadamente conoce a Álvaro Bermeo y Mateo Crespo con quienes formaría Guardarraya. “Fue como un respiro tocar con ellos”, cuenta Andrés, porque el rock le estaba encasillando y Guardarraya era una propuesta mucho más tranquila, con un estilo acústico y folklórico, alejado al rock que venía tocando desde hace años.

Para cuando tenía 19 años, Andrés ya había decidido hacerse músico profesional. Entró a estudiar al Departamento de música de la San Francisco (actual IMC) mientras estudiaba Publicidad. Nunca ejerció su profesión y cuando lo intentó no lo logró, la música era lo suyo.  En el departamento de música incursionó en el jazz. Fue parte de la Big band  junto a Cayo Iturralde y Esteban Molina, pionero de la enseñanza del jazz y de la música académica popular en el país, con quien tomó clases de armonía.

En 2001 continuó sus estudios musicales en Nueva york durante un año y a su regreso al Ecuador se dedicó a dar clases y a tocar en pequeños eventos para subsistir.  Se unió a La tetarra y los microtonales junto a Lucho “Pelucho” Enríquez, con quienes realizó una gira por Cuba. Caicedo expresa que su experiencia con Enríquez fue enriquecedora porque se le abrieron las posibilidades para tocar, la música era mucho más libre se prestaba para la improvisación y el juego con otros géneros.

En el 2005  paró definitivamente de impartir clases y de tocar en chauchas. Se dedicó de lleno a la música debido a que produjo y tocó con Esto es eso. Recuerda que le enviaron una maqueta con guitarra y secuencias.  Para lograr el sonido que querían tuvo algunas reuniones con los músicos y concretaron  esa fusión del pasillo con ritmos urbanos como el hip hop.  Esto es eso le abrió las puertas a la masividad ya que fue el grupo que más acogida tuvo nacional e internacionalmente. Al ser el productor y responsable del sonido de la banda fue un gran mérito haber sido nominado a los premios MTV Latinoamérica en México. Pero no todo es color de rosa y cuando regresó de la premiación estaba desgastado porque había tenido presentaciones todas las semanas con sus bandas durante casi un año.

Por esta razón prefirió dedicarse solo a Guardarraya porque considera que es el proyecto con el que más se identifica. También trabajó con el popular grupo guayaquileño Los Nietos en los primeros años que la banda se radicó en Quito. Para este tiempo ya era un músico conocido en el medio, se le facilitaban los contactos con otros músicos para trabajar en proyectos conjuntos. Sin embargo, el reconocimiento que hoy tiene como músico lo adquirió en su mayoría al  haber participado en uno de los proyectos más ambiciosos del país. En el 2007 se unen Guardarraya y Can can para realizar un show conjunto. Fruto de esa unión nació GuardaCan, en vivo desde el Teatro Bolívar.  Debido al éxito que tuvo en la capital salieron a tocar por todo el Ecuador. Acogida similar ha tenido último material de Guardarraya Quitarán di ahí, lanzado a mediados del año pasado. De igual forma realizaron una gira por las principales ciudades del país. Actualmente Guardarraya es considerada una de las bandas independientes más representativas  del Ecuador.

Para Caicedo la música local independiente está progresando de una manera continua. Aún así, reconoce que tomará unos cuantos años para que se establezca una base estable de músicos preparados que innoven con sus propuestas y el público necesario para que su trabajo sea reconocido.

Destaca los medios no le dan el espacio necesario a la música independiente. “En países como Colombia, se exige que la mitad de la música que se rota en las radios sea nacional”.  Este tipo de medidas, aplicadas a nuestra realidad, obligaría a las estaciones a no solo ir rotando música comercial sino también a adquirir música independiente nacional, fomentando su desarrollo.

También aclara que algunos músicos independientes confunden el hecho de ser “indie” y la falta de calidad en su producto. Esa comodidad es la muchas veces hace que se estanque la producción por falta de confianza a las nuevas propuestas. Además sostiene que siempre debe haber un plan cuando una banda intenta lanzar un disco al mercado. Ahora hay  más posibilidades de hacerlo bien. Recuerda que cuando ellos (Guardarraya) grabaron su primer disco no existían estudios con los equipos necesarios para realizar una buena grabación, era toda una odisea lanzar un disco. Para Caicedo también es una prioridad la profesionalización de las bandas. Por ejemplo, cuando se tiene en mente grabar un disco es necesario tener en cuenta muchos elementos como: la preproducción de los temas, hacer maquetas de los mismos, entrar al estudio con un cronograma y ejecutar las canciones precisamente para que las tomas salgan lo mejor posible.

Parte de este profesionalismo implica que no solo se tiene que soñar en que se va a recuperar la inversión, sino se debe planificar cómo se va a lograr eso y si lo haces bien, vas a vender. El lado independiente exige una constante promoción del material por cuenta propia para que haya una difusión eficaz del producto. También aclara que hay que todavía no se alcanza una masividad de público que permita a los músicos retribuir, por lo menos parcialmente,  su trabajo, tiempo y esfuerzo.

Andrés destaca que las bandas nuevas ya tienen conciencia de esta situación y están pensando cómo hacer que su música goce de la acogida del público. Ahora los músicos pueden de prepararse más, pueden tocar y pre componer en más de un instrumento y de acceder al estudio de géneros como el jazz.  Andrés nos cuenta que en  su periodo de estudio no había variedad de ofertas para el aprendizaje musical  académico, solo existía el Conservatorio nacional, en el que se imparte enseñanza formal dirigida a la música clásica. Todos estos elementos con los que ahora cuentan los jóvenes músicos influenciarán en la calidad de las composiciones y la originalidad de la música que se produzca en el futuro.

En cuanto a los planes que tiene como músico Andrés tiene planeado sacar un disco doble con guardarraya. El  trabajo  incluirá en una parte versiones electrónicas de las canciones de la banda y en el otro disco un set totalmente acústico. Este disco planea promocionarlo desde finales de este año, pero no hay aun una fecha hipotética de lanzamiento.

También tiene planeado terminar de editar un libro recopilatorio de ejercicios para aprendizaje de batería que consta con ejercicios que él hacía para sus alumnos cuando dictaba clases.

A propósito de su trayectoria se realizó un concierto recopilatorio el 27 de marzo en El Pobre Diablo, donde actuaron tres de las bandas con las que ha colaborado: Can can, Guardarraya y Los nietos. También actuaron Edgar castellanos, Darcila Aguirre y Sebastián Rubiano.  Sin duda fue una velada memorable,  en la que se reconoció a uno de los músicos importantes del Ecuador y de la cual se extrajeron las fotos que acompañan esta nota.

¿La presentación en una palabra?: Excelente.

Conclusión: Hay que ensayar mucho.

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Cuando pienso en punk, pienso en música cruda. Es simple, a veces descuidado, pero sobretodo es ruidoso y agresivo. Y se vienen  a mi mente los Sex Pistols, “anarchy in the UK” (anarquía en Reino Unido),  The Clash, lo verdadero, los que dejaron su marca, los que llevaron la antorcha para los desencantados jóvenes británicos que no tenían futuro, los que querían un “White Riot” (Alboroto Blanco) y bueno, pienso en otros más o menos simples y a veces descuidados como Los Ramones.  Nunca se vendrían a mi mente sonidos de violines, panderetas o incluso saxofones.

Pero la verdad es que así como el punk apareció en los 70´s,  los subgéneros y la música híbrida lo hicieron en los 90´s. Para 1999 surge una fusión antes impensable en voz de Gogol Bordello: El punk gitano, que es un híbrido que atraviesa la música gitana tradicional con el punk rock. Se combina los ritmos del rock con instrumentos tradicionales como tambores, panderetas, trompetas, saxo y violín. Tiene, a su vez, algo de ska. Además, debido a la variada composición étnica de la cultura gitana, muchas bandas cantan en varios idiomas.

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Gogol Bordello aparece en Nueva York, la mayor parte de sus miembros son inmigrantes de Europa del este. La banda ya tiene una gran trayectoria que le ha llevado a participar en grandes festivales como Lollapaluzza y Live Earth y le ha valido la presentación en algunas películas. El grupo reconoce como influencias a Manu Chao y The Clash, entre otros.

Su música es extraña para quien los oye por primera vez. Mientras el estribillo suena en español “digas lo que digas ya está todo arreglado, hagas lo que hagas te mandan deportado, el que tiene impone y sobre la ley dispone, mientras que el pobre es pobre, muere de hambre y otro se la come”, u oyendo la canción “Think locally, fuck gobally”, uno siente que su música conserva la agresividad de punk original.

Dentro de este género tenemos también a los ucranianos de Haydamaky, más étnicos en sus ritmos pero mucho más corto punzantes en sus letras. Empezaron a tocar en 1991 justo después de que Ucrania declaró su independencia de la unión soviética. La idea era que a través de la música importantes cambios sociales podían ser posibles.

Este interesante género es una fiesta, una explosión de ritmos. Jóvenes músicos que cantan sin nada de rodeos, llenos de furia. Este género es veraz, honesto y apasionado. Pese a la extraña fusión de instrumentos la base punk se conserva en sus letras, que hablan sobre lo que pasa en la calle, con un lenguaje de la calle. Música polémica cargada de ira. Y se repite la misma historia del punk, de lo peor de una época surge lo mejor de otra: buena música que canaliza el descontento. Las dos bandas son más que puro relajo; reflejan seriedad e intensidad.

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Como en un desfile gitano llegaron cinco músicos que entraron por la puerta del bar, restaurante “El Pobre Diablo”. El acordeón, el violín, la tuba dorada y la guitarra se pararon junto a cada mesa y envolvieron a los comensales, quienes sorprendidos de la repentina llegada, sonrieron y aplaudieron al ritmo de los instrumentos;  luego, los músicos suben  al escenario y sin necesidad de presentarse los “Nuages” tocan sus melodías que fusionan el jazz con la música gitana de Rusia, Europa Oriental, Francia, música árabe y el klezmer.

El jueves 04 de febrero, gente de varios países como Francia, Senegal, Estados Unidos y Ecuador se reunieron para el concierto de los “Nuages”, banda que nació en el 2001. Los asistentes, algunos por recelo y otros para aparentar calma se resistían de aplaudir al ritmo de las guitarras, la batería, la tuba o la flauta, pero debajo de la mesa podía ver sus pies chochar sus pies contra el piso o golpear la palma de su mano sobre la pierna.

Después de dos canciones, Sven Pagot presenta al grupo y a cada integrante: David Bonilla, Jimmi Paez, Pepe Andrade y Darien Brito.  Después de tocar durante un largo rato, el grupo toma un descanso, pero dejan a su público en compañía de “KIK”, DJ que hacía mezclas de jazz gitano.

Lo más gracioso de la velada fue que se notaba la división en el bar, pues a la derecha estaba el grupo divertido y al centro, los que contenían sus ganas de bailar, aplaudir y gritar eufóricamente. Pues después de quince minutos de descanso, la banda volvió al escenario, los de la derecha o izquierda, depende cómo se vea, se levantó de su asiento para armar un mini pogo (similar al mosh).

Aquella noche hubo un contraste de imágenes, pues una era la que los “Nuages” nos transmitían por medio de su música que daba sensación de libertad, viaje, ese “poder respirar profundo” y cuando el aire escapa por la boca o las fosas nasales se siente calma. Otra imagen era la pasión expresada en el rostro de los músicos, además no puedo olvidar la sonrisa de la gente y sus cabezas moviéndose de arriba abajo. Finalmente, la música se acaba, el público pide otra, tocan otra y otra hasta que satisfechos el “KIK” vuelve a escena para acompañarnos en el festejo del resto de la noche.

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Casi imposible de creer, pero muy cierto. La voz de Dolores O’Riordan se escuchará desde la Plaza de Toros Quito este miércoles 10 de Febrero; los encargados de traerlos son Team Producciones. Claro, su voz es impresionante y difícil de imitar, pero a su extrarodinario talento hay que sumarle la compañía de sus tres compañeros: Noel Hogan (guitarrista), Mike Hogan (bajista) y Fergal Lawler (baterista). Esta banda Irlandesa, formada en 1989, es un gran referente de la música de los años noventa, sobreo todo su primer álbum Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We? con el que se dieron a conocer mundialmente y contiene temas como: Linger y Dreams. Sus temas han sido reflejo de talento y simplicidad y, como ellos lo dicen en su página oficial, su música es alternativa,  inflienciada por el indie, el pop, el rock y el post punk.

Pero subestimaríamos el talento de la banda al intentar encerrarla en un solo género, o cómo se definiría la aparición de Dolores junto a Pavarotti:

Sin duda sus viejos admiradores quedarán alucinados con uno de los conciertos más prometedores del año. Puedes encontrar tus boletos en: tuboleta.com. Pero si aun no te decides mira un poco más de su talento:

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