En el transcurso de los años, los científicos han investigado y averiguado como disminuir y, hasta cierto punto, como detener la utilización de combustibles fósiles y de energías de alto impacto ambiental; esta preocupación se debe a que estas causan un grado elevado de contaminación y destrucción en el medio ambiente. Sus esfuerzos dieron como resultado el re-descubrimiento y la correcta utilización de las energías alternativas, también conocidas como energías renovables o energías verdes, las cuales son una de las maneras, más eficaces, para evitar el calentamiento global y la destrucción ambiental.

Las energías renovables son obtenidas de fuentes naturales y son pensadas como inagotables. Algunas de ellas producen gran cantidad de energía (solar, eólica, mareomotriz), y a otras son capaces de regenerarse por medios naturales (biomasa). También, son consideradas como fuentes de abastecimiento energético que “respetan” al medio ambiente, lo que significa que no ocasionan efectos negativos sobre el entorno o al menos, los efectos producidos son mínimos en comparación con los impactos ambientales de las energías convencionales (combustibles fósiles: petróleo, gas y carbón; energía nuclear). Un reciente estudio sobre los “Impactos Ambientales de la Producción de Electricidad” puso en evidencia que generar electricidad a través de las energías convencionales causa 31 veces más daño al ambiente que el uso de las energías renovables.

Las ventajas medio ambientales que brindan estas energías son las siguientes: no emanan gases contaminantes como los que resultan de la quema de combustibles fósiles, mismos que son responsables del calentamiento global y de la lluvia ácida; no generan residuos peligrosos que sean de difícil tratamiento y que son una amenaza latente para el ambiente como los residuos radiactivos ligados al uso de la energía nuclear. Por otro lado, además de ofrecer seguridad ambiental, presentan otras ventajas relacionadas con el desarrollo social, por ejemplo contribuyen con el equilibrio territorial, puesto que pueden ser instaladas en zonas rurales y aisladas; a su vez, disminuyen la dependencia de estos sectores hacia los suministros energéticos externos porque las energías renovables son autóctonas (se producen en un solo lugar), mientras que los combustibles fósiles se encuentran en un número limitado de países y su adquisición demanda de cierto poder adquisitivo.

Las energías alternativas son, en muchas ocasiones, más económicas que las convencionales; por ejemplo, la radiación solar es gratuita e inagotable, y su uso energético es rentable a mediano plazo. Las energías alternativas son totalmente gratuitas, aunque siempre es necesario un sistema de apoyo energético alternativo para cuando las condiciones climáticas no sean favorables para la obtención de estas; también es necesaria la instalación de mecanismos que permitan la captación de estas energías como: paneles solares, turbinas, generadores eléctricos. No obstante, después de la inversión inicial, como se manifestó anteriormente, el uso de estas energías es totalmente gratuito.

Las energías verdes más utilizadas en la actualidad son las siguientes:

1.- Energía eólica: Es la energía que se obtiene a través de la energía cinética del viento, es decir, a través de su movimiento. Es captada por medio de aerogeneradores, los cuales transforman la energía cinética del viento en electricidad. Para aprovechar la energía eólica es importante conocer las variaciones diurnas, nocturnas y estacionales de los vientos. Solamente se puede utilizar esta energía si las corrientes de viento alcanzan una velocidad mínima de 12 km/h; y no puede ser utilizada si sobrepasa los 65 km/h, puesto que los aerogeneradores no resisten tanta fuerza y sus aspas o hélices se romperían.

2.- Energía hidráulica: Consiste en captar la energía potencial del agua; actualmente se la produce en centrales hidroeléctricas. Puede ser utilizada a diferentes escales, por ejemplo en los sectores rurales la corriente de un río mueve un rotor de palas y así genera movimiento en molinos. También, como se enuncio anteriormente, mediante centrales hidroeléctricas, las cuales brindan energía a toda una ciudad o un país.

3.- Energía oceánica o mareomotriz: Se obtiene a través de las mareas y también de la energía de las olas. La energía mareomotriz se produce por el efecto de las fuerzas gravitatorias entre la Luna, la Tierra y el Sol. Utiliza un alternador y una turbina para la generación de electricidad, transformando así la energía de las mareas en energía eléctrica.

4.- Energía solar: Es recolectada de forma directa mediante la radiación solar. La energía solar es la fuente de vida de los seres vivos y, además, crea la mayoría de las energías verdes en la Tierra (eólica, mareomotriz, geotérmica). Se usa primordialmente de dos maneras; como energía solar térmica y como energía solar fotovoltaica. La primera sirve para calentar cosas -comida o agua- y la segunda para generar electricidad. Cada año la radiación solar brinda a la Tierra varios miles de veces la cantidad de energía que consume la humanidad.

5.- Energía geotérmica: Se produce al aprovechar el calor del subsuelo, es obtenida por el ser humano al aprovechar el calor del interior de la Tierra. Se la encuentra en áreas donde existen aguas termales, muy calientes, a poca profundidad. Se instalan tuberías por donde el agua caliente o el vapor fluyen naturalmente, por bombeo o por impulsos de flujos de agua y de vapor, luego estos pasan por una turbina, la hacen girar y se produce energía eléctrica.

6.- Biomasa: Se obtiene por la descomposición de los residuos orgánicos o bien por su quema directa como combustible. En este proceso, la fotosíntesis cumple un papel crucial, puesto que mediante este proceso las plantas transforman el dióxido de carbono y el agua de productos minerales -sin valor energético-, en materiales orgánicos con alto contenido energético. Esto, a su vez, sirve de alimento a otros seres vivos.

7.- Energía undimotriz: Es la energía producida por el movimiento de las olas. Es menos conocida que la mareomotriz. Su funcionamiento se basa en el aprovechamiento de la energía del vaivén vertical de las olas a través de boyas eléctricas que se elevan y descienden sobre una estructura similar a una varilla. Aquí se instala una bomba hidráulica; el agua entra y sale de la bomba e impulsa un generador que produce electricidad.

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Swing Original Monks es una agrupación quiteña que fusiona diversos géneros destacándose los ritmos tropicales, el rap y los loops electrónicos. A pesar de ser una banda relativamente nueva (llevan juntos poco más de un año), se han presentado varias veces en Quito, incluso actuaron en el Festival Internacional de Música del Pacífico Petronio Álvarez en Cali, Colombia.

Las redes sociales han ayudado a que se den a conocer de a poco y su propuesta inusual, tanto musical como lírica, ha generado diferentes opiniones  en el público. A continuación, una pequeña entrevista realizada vía Facebook para conocer un poco de qué van.  Al texto original sólo se han aumentado unas cuantas fechas y precisiones sobre el grupo.

Buena cosa la entrevista! Nos puso a pensar un poco sobre nosotros mismos jajaja ya lo necesitabamos..

El Imperdible: Una de las primeras cosas que vienen a mi cabeza cuando oigo a los Monks es el nombre de grupos como Bomba Estereo o incluso Calle 13. ¿Qué tanta influencia, si la hay, tienen estos grupos en su manera de componer?

Swing Original Monks: “Conquistar es humano. Si nos ponemos a buscar el origen de la música, desde los primeros sonidos más tribales hasta las amplias gamas musicales que hoy retumban por el suelo, siempre han habido reconquistas. Pues crear es cambiar algo que ya existe, no puedes hacer algo completamente nuevo. Empezando por que todo lo que tu hagas ya tiene la influencia de tus creadores. Lo que escuchaban tus padres, todo lo que inventamos -y nos damos de grandes inventores- son solo pequeñas o grandes modificaciones en la historia. Somos salvajes por naturaleza y esa es nuestra destreza. Mostrar los dos lados de la moneda: el ser animal, bárbaro, caníbal que intenta ser civilizado con sus modales y costumbres modernas. Y el monje, el ser humano más elevado, la perfección de sus movimientos y la sutileza de sus pensamientos. Más que copiar a otras bandas, buscamos en ellas y sobre todo en la música tribal y tradicional el “Swing Original”, el latido inicial, lo que a nosotros nos mueve y nos pone a bailar”

Discurso épico de los Monks.

EI: Dado que ahora hay tanto acceso a cantidades casi ilimitadas de música que pueda influirnos, ¿Qué piensan del rumbo que está tomando la música (dejando de lado a lo prefabricado del mainstream)? Ya que ahora resulta complicado definir un género específico dentro del cual definir a las nuevas propuestas, incluidos ustedes.

SOM: Es un momento muy bacán, muy inspirador. El rumbo que está tomando la música no es tan “novedoso”, cuando te pones a pensar que la música siempre ha tomado rumbos novedosos y siempre hay quienes le ponen nombre a esa novedad. Pero por ahora, la nuestra es una relación musical indefinida. Somos científicos que experimentan para crear nuevas formulas, las cuales serán usadas por otros científicos que intenten hacer algo nuevo. Quizá lo más original que puedes ser es, justamente, no serlo. “Eres la energía con la que actúas y la fuerza que te conflictúa, más que la melodía que acentúas”. De algún modo es un poco raro no poderse definir en un género, pero es lo que lo hace gustosamente infinito al proceso de crear.

EI: ¿Qué tanta complicación hubo al momento de definir el rumbo musical al cual iba la banda, o sea diferencias creativas, cambios de alineación, etc.?

SOM: A la hora de crear hay mucha concordancia, siempre estamos de acuerdo o lo discutimos sin darle muchas vueltas. Al igual que toda banda, empezamos juntando retazos de las mil ideas que cada uno traía, las metíamos al colador y que salga la mejor. Pero en gran parte el estallido de canciones que hubo al comienzo, se dio por la energía creadora del Sebástian, el séptimo integrante de los monks hoy ausente (vive en Austria). Se sentaba un par de horas frente a la compu y de repente se le oía decir “YA, oigan!” Y con eso estaba lista la pista base para una nueva canción. A partir de ahí, la personalidad de cada uno complementaba el proceso.

EI: En una Reseña leí que Nathalia Madrigal (Juana) sólo colaboraba con el grupo, ¿En qué punto de dicha colaboración cacharon que debía ser parte permanente de los Monks?

SOM: La banda se ha venido formando de a poco. Si hay buena química, se hacen los arreglos, preparativos, flores y la boda se ejecuta. En este caso, la voz y presencia de la Juana dio nuevos matices a la banda y se acopló con la voz de Bumbass (Gabriel Baumann) haciendo un duo de altos y graves que están en constante juego. Está bueno el contraste.

EI: Algo que sin duda llama la atención de su música son las letras de las canciones, ¿Es intencionada esa manera tan directa de llegar a quienes les escuchan, para despertar conciencias; o cuál es la intención de las letras y su interpretación?

SOM: Buena pregunta. ¿Hasta que punto los diarios son objetivos? Su deber es informar a la gente, pero hay noticias que de por si, hablan solas, sin ponerle una intención. No es nuestra intención “despertar conciencias”, la conciencia es de cada uno, que cada uno despierte a la hora que quiera. En ese sentido, Informar cosas que se nos pasan por alto o verdades que no vemos en nuestra vida cotidiana, es uno de los puntos claves en las letras de los Monks. Que la verdad sea tan directa, ya no es nuestra culpa. De todas formas es solo uno de los lados. En las letras se busca bastante que sean poéticas, nos encanta rimar aunque no somos raperos, tienen todo un lado burlesco-grotesco-sensual, y la verdad hay muchas letras que por más que uno intente no entiende jajaja.

EI: En el segundo día de show en El Pobre Diablo (feb 3 2011) hubo un momento en el que toda la euforia que sentía la gente con la música se fue al carajo. Exactamente después de Reventón, cuando Mr. Bumbass dijo “mientras nosotros hacemos reventón acá, al otro lado del mundo hay gente que revienta de verdad” ¿Hasta qué punto la música, y el arte en general, debe ser un instrumento moralizador?

SOM: El show en vivo, como en las películas o en las obras de teatro, se lo arma pensando que tenga una linea dramática. Momentos de alegría, de llanto, de euforia, de espanto, sí están intencionados en crear sensaciones pero no siempre de manera directa. Nos gusta jugar en lo ambiguo, estar un poco al límite entre lo que es serio y lo que es diversión, dejando espacio a libre interpretación. Puesto que no somos educadores que dan clase y toman exámenes (para eso hay escuelas a montones jaja). El arte no puede ser un instrumento moralizador. El arte no pretende adecuar la conducta o las costumbres de las personas a los valores morales establecidos. Justamente el arte no es algo establecido. Pero es el único ente asiduo capaz de cambiar algo en nuestro caótico universo.

EI: Por último, la pregunta trillada de rigor, ¿Qué planes tienen para la banda? ¿Presentaciones? ¿Discos?

SOM: Hay un montón de planes creativos que vamos sacando de a poco. Crear es un vicio saludable, bueno… Cuando no te quedas hasta las cinco de la mañana trabajando en una nueva idea jaja. La vena creativa nunca duerme, bombea y bombea toda la vida, rico! Pero por ahora queremos compactar un poco las cosas y pulirlas para tener un primer material explosivo que suene y se vea cada vez mejor. En eso entra, grabar el disco, trabajar los visuales, seguir reinventando el show y tocar tocar tocar! También con panas estamos en realización de videoclips, pero eso va de a poco, por motivos de tiempo. Y bueno, algún rato sería chévere viajar y, en realidad… gozar cada momento como venga. Be Monk!

EI: Gracias por su tiempo, su música es increible!

SOM: Gracias por la entrevista, ¡buena energía!

Tras contar detalles de su formación musical y su interés académico, en esta segunda parte de la entrevista Ketty Wong comparte sus gustos y opiniones particulares. La investigadora no sólo ama la música del Ecuador, sino todas sus manifestaciones culturales.

De entre las cinco divisiones de la música presentes en su estudio La Translocalidad de la música popular ecuatoriana: construyendo una identidad nacional alternativa ¿Cuál disfrutas más?

Cada estilo musical, ya sea nacional, rocolero, chichero, tecnocumbiero o la música del recuerdo, tiene su propio repertorio, sus cantantes favoritos, así como su momento para escucharlo. Me gusta escuchar todo tipo de música.

¿Te gusta el pasillo?

Claro que sí. Crecí cantando pasillos en el colegio y también los escuchaba en las serenatas nocturnas que se daban en el barrio donde vivía cuando aún había esta tradición.

¿Te gusta bailar la música chicha?

La he bailado en los conciertos masivos organizados en el Coliseo Julio César Hidalgo y en el Estadio Aucas. Me fascina ver al público disfrutando, bailando y cantando junto a sus artistas.

En los días que más extrañas Ecuador, ¿qué disco gira en tu equipo de sonido?

Afortunadamente viajo a Ecuador una o dos veces por año, ya sea para dar clases, continuar con mis investigaciones y ver a la familia. Entonces recargo las baterías y pienso en la próxima oportunidad de regresar a Ecuador. Escucho todo tipo de música por el trabajo que desempeño en la Universidad de Kansas, donde doy clases de música latinoamericana, medieval y las llamadas “músicas del mundo” (world music). Entonces escucho todo tipo de música todo el tiempo.

¿Cuál es tu canción ecuatoriana favorita?

Esta pregunta es difícil de contestar porque son muchas las canciones que me gustan.  Sería injusto mencionar una.

¿Te gusta el hornado? Si te gusta, ¿hace cuánto no lo comes?

Me gusta el hornado, la fritada, el cebiche, la cazuela, la guatita, el sancocho y muchos platos más. Los pruebo todos cada vez que regreso a Ecuador.

La académica ganó el premio Casa de las Américas 2010 por la obra “La música nacional. Identidad, mestizaje y migración en el Ecuador”. Ketty Wong es Assistant professor of Ethnomusicology en la Universidad de Kansas. La guayaquileña se mira hacia adentro cada vez que quiere hacer un estudio de musicología.

La entrevista tiene dos partes: la primera es acerca de sus estudios de música e identidad ecuatoriana; la segunda parte muestra una faceta más personal de la académica.

¿Dónde nació la idea de explorar una identidad alternativa en la música?

La música es para mí un parámetro para estudiar una sociedad, en este caso, la ecuatoriana. La mayor parte de los estudios académicos que examinan la identidad nacional presentan la perspectiva de las élites, y muy pocas veces la de las clases populares. Ambas visiones co-existen y presentan distintas formas de imaginar la identidad nacional. Las élites buscan la hegemonía en la representación de la identidad nacional al tener poder económico y acceso a los medios oficiales de comunicación; las clases populares no han tenido acceso a esos medios y, por tanto, su visión queda rezagada en el ámbito privado.

¿Qué la motivó a estudiar la música como aglutinante popular de las varias identidades nacionales?

La identidad nacional no es única ni estática, como se pensaba anteriormente, sino que está sujeta a continuos procesos de cambio y dinámicas sociales. Esto ocurre especialmente en una sociedad pluriétnica y multicultural como la nuestra. De igual manera, los estilos musicales cambian con el tiempo de acuerdo a factores de índole social, económico, político y tecnológico, así como a los efectos e influencia de la globalización en nuestra mirada hacia nosotros mismos. La “música nacional” de las élites ha sido excluyente y ha marginado a la población indígena, afro-ecuatoriana y a los mestizos de clase media-baja del imaginario colectivo de la nación. La “música nacional” de las clases populares, en cambio, propone una visión pluralista al aglutinar en su concepción de “música nacional” a varios grupos sociales y étnicos que conforman la nación ecuatoriana.

¿Cómo influye la negación de la herencia indígena en la falta de representación musical internacional?

En general, Ecuador no tiene mayor visibilidad internacional con su música popular si pensamos en el pasillo, el albazo, el pasacalle y el sanjuanito nacional (me refiero a sanjuanitos como “Pobre corazón” de Guillermo Garzón). Artistas como Los Brillantes, los Hermanos Miño-Naranjo y Julio Jaramillo cantaron este repertorio de canciones en sus giras de concierto por América Latina en los 60 y principios de los 70, y podríamos decir que la música ecuatoriana llegó a tener cierto grado de internacionalización. Sin embargo, estos hechos se olvidan y la creencia generalizada es que la música ecuatoriana  es poco conocida fuera del país. Esto, desafortunadamente, es cierto en lo que respecta a las décadas de los 80 hasta el presente. Sin embargo, hay actualmente una música popular indígena ecuatoriana que suena bastante fuera del país. Aquí me refiero no solamente a cantantes como Ángel Guaraca, quien tiene un gran público entre los migrantes ecuatorianos de los estratos populares, sino también a la música folklórica de los conjuntos otavaleños, quienes viajan por el mundo tocando su repertorio de sanjuanitos y otros ritmos andinos a un público cosmopolita. Las élites no incluyen estos tipos de música de raíz indígena en la noción de “música nacional”, a menos que ésta sea estilizada para representar su ideología y valores estéticos, como es el caso de la canción “Pobre corazón”.

¿Cuáles cree usted que son los medios que se utilizan para deslegitimizar la música popular?

Una forma de deslegitimizar la música popular es crear estereotipos y etiquetas comerciales que denigren a los consumidores de esa música popular. Por ejemplo, los términos “música rocolera” y “música chichera” están asociados con ideas de una música para emborracharse, “cortavenas”, vulgar y de poco valor artístico. En cambio, el término “música nacional” ha sido durante la mayor parte del siglo XX sinónimo de una música culta y de gente educada.

¿Está usted de acuerdo con la afirmación de Miguel Donoso Pareja, que dice que el Ecuador es “un país sin un ritmo musical que lo identifique y lo aglutine, un país que no ha desarrollado su música popular”?

El Ecuador tiene una rica y variada producción de música popular, como podemos observar en el repertorio del cancionero nacional (pasillos, albazos, pasacalles, sanjuanitos, bombas, tonadas, aire típico, etc.). Pienso que el comentario de Donoso Pareja surge de la idea generalizada, entre los ecuatorianos, que el país no tiene una presencia internacional con su música. Si bien recuerdo, Donoso Pareja menciona a México, Cuba y Brasil entre los países latinoamericanos que tienen gran visibilidad en el mundo, su música, su comida y sus bebidas nacionales. Ecuador queda mal parado en comparación con estos países que, por su historia y desarrollo económico, particularmente en el área de la industria discográfica y medios de comunicación, han tenido un mayor desarrollo musical. Pero recordemos que, más que un modelo, estos países son la excepción a la regla en el contexto latinoamericano. No todos los países son productores de músicas comercialmente exitosas, como la samba, la rumba, el son, el mambo y el chachachá, que hicieron furor a nivel mundial. Recordemos algunos países en Centroamérica y Sudamérica de los cuales apenas se conoce su música. Lo interesante en el caso ecuatoriano es examinar de dónde surgen estos discursos, cómo se han difundido y qué impacto tienen en la forma en que los ecuatorianos nos miramos a nosotros mismos en relación a la otredad.

¿Cuánto influye la translocalidad en la internacionalización de la música ecuatoriana?

La translocalidad de la música popular ecuatoriana se da cuando nuestros cantantes viajan a otros países para dar ánimo a los migrantes ecuatorianos con sus canciones, reproduciendo las mismas prácticas musicales y contextos sociales que se dan en Ecuador. La translocalidad da visibilidad a la MPE (música popular ecuatoriana) fuera del país porque los conciertos ocurren en discotecas y parques donde un público no ecuatoriano puede asistir. En el caso de la MPE, sin embargo, no se ha dado todavía un proceso de internacionalización donde ésta sea reconocida y consumida por un público amplio e internacional.

En el Reino del Pop, donde Madonna es la reina, Michael Jackson el rey y Britney la princesa, Lady Gaga cumple el rol de arlequín, pero uno que entretiene y rinde tributo a sus majestades mediante psicodélicos atuendos y show estremecedores. Stefani Germanotta (aka Lady Gaga), intérprete de éxitos como “Poker Face”, “Bad Romance” y el reciente “Alejandro“, empezó con apenas 19 años su carrera musical. Gracias a la canción “Radio Gaga” de Queen -una de sus favoritas- adoptó el nombre de Lady Gaga, con el cual se dio a conocer.

Desde sus primeros pasos en las tablas, la cantante empezó a construir una imagen un poco freak de sí misma. Con shows fuera de este mundo que involucraban provocadores bailes del tipo burlesque, llegó a romper con los esquemas ya impuestos por sus inspiraciones:  Michael Jackson y Madonna. Basta recordar la presentación en los VMA’s del año pasado en la aparentemente se suicidaba y el pecho se le ensangrentaba para notar su excéntrica conducta.

El vestuario es otro añadido a la esencia de Gaga. Es elaborado por su equipo creativo, llamado “Haus of Gaga”. La indumentaria de la artista es de lo más surrealista y caprichosa. Los trajes van desde un vestido de burbujas, pasando por uno de carne cruda (que causó protestas de grupos vegetarianos y de protección animal), hasta uno de los más vistos y revistos: el traje que enciende sus pechos cual petardo de año viejo que pudo haber puesto en riesgo su integridad física, pero que fue todo un espectáculo.

Aquí una breve vista de lo “fashion” de Lady Gaga:

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La imagen pública de Lady Gaga, para muchos controversial y para otros “alucinante,” al parecer sólo se trata de una estrategia de marketing. Con su indumentaria, sus shows y su música ha logrado crear toda una marca a su alrededor. Lady Gaga no sólo vende discos sino mercancía como accesorios, ropa y disfraces para Halloween (por la temporada) que pueden ser adquiridos desde su página web: http://www.ladygaga.com

Además de lo excéntrico, la imagen de Lady Gaga encierra la ambigüedad de su personalidad, ya que en la mayoría de vídeos y performances se maneja un concepto de “sexo libre” (el vídeo de Alejandro, por ejemplo). Sin embargo, la cantante afirma ser de lo más recatada en ese aspecto, pues afirma que tener relaciones sexuales interfiere con su capacidad creativa.

Como activista política y social, la artista es vocera a favor de los derechos de la mujer y de los derechos de la comunidad gay, razón por la cual es el ícono de homosexuales y bisexuales. De la misma manera, participa activamente en la política norteamericana, no como senadora, sino como portavoz de grupos que no tienen oportunidad de opinar al respecto en la esfera pública.

Lady Gaga es todo un personaje, todo un “monstruo” del Pop y a pesar de toda la controversia y la extravagancia que rodea al mundo de la cantante, su música y su shows son un producto dotado de creatividad y calidad.

Ecuador no será el paraiso prometido pero si un país que ha esperado durante años para ver a uno de los músicos latinoamericanos más originales de los últimos tiempos: Draco Cornelius Rosa. El puertorriqueño visitará por primera vez el país este 27 de mayo en el marco de su gira “Vagabundo por el mundo”.

Desde sus inicios hasta su actualidad musical Robi ha ido evolucionando su sonido hasta convertirlo en su propia rúbrica. La música de Draco recoge influencias muy variadas que van desde la música popular puertorriqueña, pasando por Led Zeppelin, The Beatles, la salsa “oscura y agresiva”, hasta bandas y solistas latinos como Sumo o Luis Alberto Spinetta.

En su juventud Draco fue parte de Menudo, grupo que abandonó porque no le fue permitido colaborar con temas propios. Luego de esto se mudó a Brazil y realizó un par de trabajos en idioma portugués. A su regreso a Estados Unidos (donde vivió durante su infancia) formó  Maggie’s Dream, banda que fusionaba elementos pop con ritmos latinos y funk. Esta banda lanzó un disco homónimo. Luego de esta etapa Draco se dedicaría de lleno a su carrera en solitario, editando hasta la fecha alrededor de siete álbumes, entre los que destacan Frío (1994), Vagabundo (1996) -considerado uno de los mejores discos de rock latinoamericano-, Mad Love (2004) y El teatro de lo absurdo (2007). Robi estará en Quito presentando su último trabajo Amor Vincit Omnia y tocando un repertorio con sus temas más populares.

La música de Rosa es excelente, no se enmarca en un solo estilo y cada obra que presenta es única y diferente a la anterior. Este 26 de mayo tocará en Cuenca y el 27 a las 20h00 se presentará en Punto G music Hall (Iñaquito entre Villalengua y Naciones Unidas). Las reservación de entradas se pueden realizar en los locales de Converse de la av. Colón, el local del Condado Shopping y el local ubicado en Villa Cumbayá. Los precios de las entradas son: Club: $25 Dark box: $35. Un precio accesible para un gran show. Sin más palabras les dejo algunos videos que revelan la evolución musical de Draco Rosa.

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El  baterista quiteño Andrés Caicedo es reconocido por su versatilidad y por su amplia trayectoria junto a grupos y músicos nacionales. Ha participado en varios festivales nacionales de música como el Quitofest, el Festivalfff, el Guayaquil Jazz festival, entre otros. En una pequeña entrevista Caicedo nos contó sobre sus inicios en la música, los proyectos en los que ha colaborado y reflexionó sobre la  situación en la que se encuentra la música independiente ecuatoriana.

Andrés Caicedo inició su relación con la música desde muy pequeño; aprendió a tocar el piano cuando niño y oía mucha música debido a que  su padre siempre fue un melómano. Aproximadamente a los quince años empezó a tocar la bateria y a formarse de manera autodidacta. En  una de sus primeras bandas tocó con Hittar Cuesta y con Diana Cárdenas; debido a la presión de tocar con músicos experimentados el joven Andrés desarrolló rápidamente su técnica. Tiempo después tomó clases con Eddie Mejía, precursor de la enseñanza de la batería en la capital, quien también dio clases en su momento a Ernesto Karolys y Andrés Benavides.

A mediados de los noventa tocó con Dentro de Helena y en un par de ocasiones con Sal y Mileto por la ausencia de Igor Icaza.  También se unió a Sopa de vidrio. Este contacto con bandas que hacían música propia fue el que le hizo tomar un nuevo impulso, ya que se hartó de tocar covers en kermeses colegiales. En el 2000 aproximadamente conoce a Álvaro Bermeo y Mateo Crespo con quienes formaría Guardarraya. “Fue como un respiro tocar con ellos”, cuenta Andrés, porque el rock le estaba encasillando y Guardarraya era una propuesta mucho más tranquila, con un estilo acústico y folklórico, alejado al rock que venía tocando desde hace años.

Para cuando tenía 19 años, Andrés ya había decidido hacerse músico profesional. Entró a estudiar al Departamento de música de la San Francisco (actual IMC) mientras estudiaba Publicidad. Nunca ejerció su profesión y cuando lo intentó no lo logró, la música era lo suyo.  En el departamento de música incursionó en el jazz. Fue parte de la Big band  junto a Cayo Iturralde y Esteban Molina, pionero de la enseñanza del jazz y de la música académica popular en el país, con quien tomó clases de armonía.

En 2001 continuó sus estudios musicales en Nueva york durante un año y a su regreso al Ecuador se dedicó a dar clases y a tocar en pequeños eventos para subsistir.  Se unió a La tetarra y los microtonales junto a Lucho “Pelucho” Enríquez, con quienes realizó una gira por Cuba. Caicedo expresa que su experiencia con Enríquez fue enriquecedora porque se le abrieron las posibilidades para tocar, la música era mucho más libre se prestaba para la improvisación y el juego con otros géneros.

En el 2005  paró definitivamente de impartir clases y de tocar en chauchas. Se dedicó de lleno a la música debido a que produjo y tocó con Esto es eso. Recuerda que le enviaron una maqueta con guitarra y secuencias.  Para lograr el sonido que querían tuvo algunas reuniones con los músicos y concretaron  esa fusión del pasillo con ritmos urbanos como el hip hop.  Esto es eso le abrió las puertas a la masividad ya que fue el grupo que más acogida tuvo nacional e internacionalmente. Al ser el productor y responsable del sonido de la banda fue un gran mérito haber sido nominado a los premios MTV Latinoamérica en México. Pero no todo es color de rosa y cuando regresó de la premiación estaba desgastado porque había tenido presentaciones todas las semanas con sus bandas durante casi un año.

Por esta razón prefirió dedicarse solo a Guardarraya porque considera que es el proyecto con el que más se identifica. También trabajó con el popular grupo guayaquileño Los Nietos en los primeros años que la banda se radicó en Quito. Para este tiempo ya era un músico conocido en el medio, se le facilitaban los contactos con otros músicos para trabajar en proyectos conjuntos. Sin embargo, el reconocimiento que hoy tiene como músico lo adquirió en su mayoría al  haber participado en uno de los proyectos más ambiciosos del país. En el 2007 se unen Guardarraya y Can can para realizar un show conjunto. Fruto de esa unión nació GuardaCan, en vivo desde el Teatro Bolívar.  Debido al éxito que tuvo en la capital salieron a tocar por todo el Ecuador. Acogida similar ha tenido último material de Guardarraya Quitarán di ahí, lanzado a mediados del año pasado. De igual forma realizaron una gira por las principales ciudades del país. Actualmente Guardarraya es considerada una de las bandas independientes más representativas  del Ecuador.

Para Caicedo la música local independiente está progresando de una manera continua. Aún así, reconoce que tomará unos cuantos años para que se establezca una base estable de músicos preparados que innoven con sus propuestas y el público necesario para que su trabajo sea reconocido.

Destaca los medios no le dan el espacio necesario a la música independiente. “En países como Colombia, se exige que la mitad de la música que se rota en las radios sea nacional”.  Este tipo de medidas, aplicadas a nuestra realidad, obligaría a las estaciones a no solo ir rotando música comercial sino también a adquirir música independiente nacional, fomentando su desarrollo.

También aclara que algunos músicos independientes confunden el hecho de ser “indie” y la falta de calidad en su producto. Esa comodidad es la muchas veces hace que se estanque la producción por falta de confianza a las nuevas propuestas. Además sostiene que siempre debe haber un plan cuando una banda intenta lanzar un disco al mercado. Ahora hay  más posibilidades de hacerlo bien. Recuerda que cuando ellos (Guardarraya) grabaron su primer disco no existían estudios con los equipos necesarios para realizar una buena grabación, era toda una odisea lanzar un disco. Para Caicedo también es una prioridad la profesionalización de las bandas. Por ejemplo, cuando se tiene en mente grabar un disco es necesario tener en cuenta muchos elementos como: la preproducción de los temas, hacer maquetas de los mismos, entrar al estudio con un cronograma y ejecutar las canciones precisamente para que las tomas salgan lo mejor posible.

Parte de este profesionalismo implica que no solo se tiene que soñar en que se va a recuperar la inversión, sino se debe planificar cómo se va a lograr eso y si lo haces bien, vas a vender. El lado independiente exige una constante promoción del material por cuenta propia para que haya una difusión eficaz del producto. También aclara que hay que todavía no se alcanza una masividad de público que permita a los músicos retribuir, por lo menos parcialmente,  su trabajo, tiempo y esfuerzo.

Andrés destaca que las bandas nuevas ya tienen conciencia de esta situación y están pensando cómo hacer que su música goce de la acogida del público. Ahora los músicos pueden de prepararse más, pueden tocar y pre componer en más de un instrumento y de acceder al estudio de géneros como el jazz.  Andrés nos cuenta que en  su periodo de estudio no había variedad de ofertas para el aprendizaje musical  académico, solo existía el Conservatorio nacional, en el que se imparte enseñanza formal dirigida a la música clásica. Todos estos elementos con los que ahora cuentan los jóvenes músicos influenciarán en la calidad de las composiciones y la originalidad de la música que se produzca en el futuro.

En cuanto a los planes que tiene como músico Andrés tiene planeado sacar un disco doble con guardarraya. El  trabajo  incluirá en una parte versiones electrónicas de las canciones de la banda y en el otro disco un set totalmente acústico. Este disco planea promocionarlo desde finales de este año, pero no hay aun una fecha hipotética de lanzamiento.

También tiene planeado terminar de editar un libro recopilatorio de ejercicios para aprendizaje de batería que consta con ejercicios que él hacía para sus alumnos cuando dictaba clases.

A propósito de su trayectoria se realizó un concierto recopilatorio el 27 de marzo en El Pobre Diablo, donde actuaron tres de las bandas con las que ha colaborado: Can can, Guardarraya y Los nietos. También actuaron Edgar castellanos, Darcila Aguirre y Sebastián Rubiano.  Sin duda fue una velada memorable,  en la que se reconoció a uno de los músicos importantes del Ecuador y de la cual se extrajeron las fotos que acompañan esta nota.

¿La presentación en una palabra?: Excelente.

Conclusión: Hay que ensayar mucho.

Maratón es una obra que se deja leer fácilmente. La novela del escritor guayaquileño Hans Behr fue la ganadora de la última edición del Premio Nacional de Literatura Aurelio Espinoza Pólit, en la  categoría novela. Hay varios elementos que hacen que esta novela no atrape al lector eficientemente, su desarrollo es lento.

Cada uno de los cuarenta y dos capítulos que forman el libro corresponde a un kilómetro que la protagonista avanza en la carrera. Empezamos bien, la distribución de los capítulos muy singular. Permite que en cada sección se traten temas diferentes sin que se pierda la continuidad debido las partes están delimitada por un factor externo a las situaciones: los kilómetros de la carrera.

La novela empieza con un ritmo tranquilo, meditabundo. Desde el disparo inicial la maratonista se va a enfrascar en un monólogo larguísimo que se desarrolla a partir de una lluvia de recuerdos previamente planificada. Estos recuerdos revelarán rasgos de la protagonista que, al avanzar la historia, nos harán comprender detalles que quedaron sueltos en capítulos anteriores. A veces el monólogo se extiende demasiado y relega a la acción a un segundo plano. Nos damos un buen  respiro cuando llegan personajes externos para agilitar el ritmo de la obra. El uso de las metáforas para describir los momentos o situaciones son acertadas, sin embargo llega un punto en el que resultan excesivas y hacen que la acción se frene de repente. Este frenazo provoca que el lector tenga que volver a tomar ritmo en la lectura de a poco.

A partir del kilómetro veintisiete notamos que la protagonista no está divagando ni contando la historia al lector, sino a la maratón como un tú. además empieza a  bombardearnos con (más) referencias a otros libros y autores como Mishima o a diversos personajes, como el hombre tanque de Tiananmen. A diferencia del inicio, en esta parte las digresiones y el diálogo con las interrogaciones y exclamaciones hechas a la maratón vuelven el recorrido de la protagonista más expresivo, se nota mucho más el cansancio, la euforia.  Porque en los capítulos anteriores no se notaba su condición de una manera tan clara: parecía como si correr cuarenta y dos kilómetros fuera cosa de todos los días.

Sin embargo debemos rescatar los puntos que hicieron a esta obra merecedora del Aurelio espinosa Pólit.: La temática de está alejada de los motivos convencionales sobre los cuales se suele escribir. Es una novela  deportiva, si es que existe un género tal. Crear un libro con estas características no es fácil pues para efectos de construcción verosímil debe haber una investigación a fondo sobre el deporte del que se va a escribir y el contexto de la historia a contar. Hans Behr seguramente ya tenía un poco de conocimiento del tema pues es un deportista aficionado; pero lo que seguramente tuvo que hacer es remitirse a una gran cantidad de fuentes para recrear el ambiente en el que se envuelve la protagonista. También se hacen necesarios estudios de la fisiología humana para crear una lesión real en Sami (la corredora).

Mención aparte merecen las diversas historias y personajes, que van desde pilotos de la Segunda guerra mundial, pasando por músicos como Louis Armstrong, literatos como Borges o Mishima y deportistas que marcaron su época por su actitud humana o por sus proezas deportivas.Todos ellos ambientan el mundo de la maratonista y sirven de ejemplo para que no decaiga en su intento de recorrer toda la distancia de la carrera.

Lamentablemente el conjunto total no convence del todo: es plano. No hay características en los personajes ni actitudes ni situaciones que impresionen, que enganchen, al menos no desde el inicio. La forma en que la historia es contada no permite mayor inclusión de situaciones que den un giro importante a la acción. El autor usa de manera apropiada los recursos de los cuales dispuso para matizar el recorrido. Aún así en algunos momentos la novela roza los límites de un manual de superación personal. Maratón es una obra con altibajos pero, claro está, depende de cada lector juzgarla de una u otra manera.

REVISTA RETROVISOR

El Ecuador visto desde sus imágenes, desde su cultura visual y su perspectiva gráfica. Esta es la propuesta de RETROVISOR, revista ecuatoriana con dos años de edad, que explora las diferentes dimensiones y expresiones visuales que se producen en nuestro país. Ya sea desde el curioso letrero “Ceviche de huevo”, pintado en la viga de un comedor en Guayaquil; hasta la palabra “Pecador”, escrita con tino en la puerta trasera de un camión anónimo, la expresión grafica en Ecuador es tan rica y variada, que  promete arduo trabajo al equipo de RETROVISOR.

La revista  nace por iniciativa de los artistas Pablo Mogrovejo y Pablo Iturralde para celebrar sus 10 años de creaciones visuales. En un comienzo  publicaron brochures, es decir afiches, volantes,  trípticos o demás,  que representaran  su empresa; pero luego, al cabo de 180 copias y un incentivo de  80.000 dólares por parte del Ministerio de Cultura, pudieron poner en marcha “La primera revista ecuatoriana dedicada enteramente a la gráfica y a la comunicación visual”.

La cuarta edición de RETROVISOR cuenta con un amplio repertorio de notas, ensayos y entrevistas, que, en su mayoría, abarcan dimensiones paralelas de la cultura visual del país. La identidad nacional, de un pueblo, o de un grupo social, se ve expuesta en la revista, desde sus expresiones gráficas, y por ende, desde su producción visual.

Dicha edición expone el mundo del graffiti, la producción gráfica urbana y rural, la alteridad del disfraz, y  la identidad grupal desde un símbolo gráfico ancestral; todo esto, buscando la reivindicación del trabajo y de las imágenes populares y alternativas, no solo del arte, sino también de la producción visual cotidiana del Ecuador.

RETROVISOR, trimestralmente, publica más de 1500 ejemplares; renovando sus propuestas, dialogando con artistas, creadores y personajes; explorando las propuestas ancestrales y actuales,  de este mundo que fluctúa entre lo imaginario y lo tangible: lo visual.

El Seminario de Periodismo, Ética y Democracia auspiciado por el Ministerio de Coordinación de la Política, la Secretaria General de Comunicación y CIESPAL (Centro Internacional de Estudios Superiores de Comunicación para América Latina) se llevó a cabo del 20 al 22 de octubre de 2009. El evento contó con la presencia de más de doscientas personas entre estudiantes y profesionales de la comunicación.

 Durante los tres días se desarrollaron doce paneles y foros en los que se debatieron temas de importancia y actualidad para la comunicación y el periodismo. En el panel “Retos del periodismo de investigación en Ecuador” Arturo Torres, Mariana Neira y Omar Ospina enfatizaron sobre la necesidad de desarrollar el periodismo de investigación en el país.

Arturo Torres, coordinación de Redacción de Diario El Comercio afirmó que, a nivel de los medios, es necesario reforzar las herramientas de investigación y fortalecer trabajos sostenidos de investigación en todas las áreas de cobertura. Además, Torres sugirió buscar un modelo que permita un trabajo sistemático, es decir, generar grupos móviles de unidades de investigación. Otro punto importante es el lograr un compromiso con los dueños de los medios con la finalidad de garantizar la estabilidad laboral y conseguir independencia editorial para ampliar la agenda investigativa en el campo público y privado.

Mariana Neira, directora de la Unidad de Investigación de TV Pública sostuvo que en el país se presentan tres problemas básicos para el desarrollo del periodismo investigativo. El primero, la posición y política editorial del medio. En segundo lugar, el tiempo puesto que, se debe dar preferencia a la calidad y no a la cantidad de noticias generadas. Finalmente, la obtención de los datos, que puede ser superada al buscar alternativas de entrevistados y un cruce de fuentes.

Omar Ospina, editor de la Revista Mundo Diners afirmó que se requieren herramientas intelectuales y académicas para lograr un periodismo de investigación de calidad. Ospina señaló que las debilidades universitarias son el principal obstáculo para el desarrollo de la investigación en el Ecuador.

Finalmente, los panelistas concordaron con necesidad de crear un hábito de investigación desde la preparación universitaria de los periodistas. Neira afirmó que existe un divorcio entre las facultades de comunicación y la investigación. La solución estará presente en el momento que se discuta la manera correcta de formar a los futuros periodistas.