Tolstói Librería Independiente

A una cuadra hacia el oeste de la Casa Humboldt, sobre la Vancouver, hay un pequeño letrero blanco con letras rojas que dice: “Tolstói: librería independiente”. El lugar es un encanto repleto de buenos libros. Hay una pequeña sala consistente en dos sillas y una mesa. Nos sentamos allí con Karina. Ella ama los libros y no se considera una vendedora: los libros “se venden solos”.

¿Cómo surgió la iniciativa?

Quería algo propio. Llevaba trabajando mucho tiempo en otra librería. En el fondo, creo que es lo que mejor sé hacer. La idea surge mucho antes, en un lugar de libros usados en Estados Unidos. Estaba allí y me dije “Quiero tener una librería”. Después regresé y trabajé acá dos años y medio. Poco a poco las cosas se fueron dando, tenía una seguridad y ahora aquí estoy. El 30 de abril, Tolstói cumplió dos años.

¿Qué estudiaste?

Me gradué de Artes en la Universidad Central, en el 2004. Ahora estoy haciendo una maestría, igual en estudios de arte, allí mismo.

¿Por qué vender libros?

La verdad no creo que yo los venda, no me considero una vendedora de libros. Yo los amo, ellos se venden solitos. Siempre esa palabra ‘vender’ me da la idea de algo más comercial, y precisamente Tolstói tiene como objetivo “la difusión de libros, autores y editoriales que no tienen cabida en espacios de carácter comercial”. “Vender libros” me suena a convencer clientes, y no es algo a lo que realmente me dedique.

¿Qué clase de libros ofrece Tolstói?

Principalmente Narrativa, Filosofía, Ciencias Humanas, Arte y Fotografía. En general, los libros que ofrezco son los que me gustaría leer, pero en este momento la librería también es un medio para vivir, entonces tengo libros de autores que sé que se están leyendo actualmente, o que oigo en clases y sé que son interesantes. También me guío por recomendaciones y por la medida del interés de las personas. En un principio no pensaba mucho en el público, pero con el tiempo lo voy conociendo y hago mejores pedidos. Un ejemplo son las novedades, antes traía más novedades y salían poco. Ahora salen mejor.

¿Cuál es tu público?

La mayoría son estudiantes universitarios. Gente que se dedica al arte, al teatro. Profesores de pregrado y posgrado y gente que ama la Literatura o tiene interés en libros de Filosofía, Fotografía, Ciencias Humanas, etc.

¿Cómo opera Tolstói?

Trabajo bastante bajo pedido. Por ponerte un ejemplo, hago pedidos cada mes y medio, tentativamente unas cuatro cajas, de las cuales la mitad son libros que me han pedido. Uso también redes sociales, tengo una página de facebook y un  correo electrónico. No hago mucha publicidad, la librería es pequeña y funciona bien la difusión boca a boca. Han hecho algunos reportajes sobre Tolstói, en la revista Familia, revista Q y en El Comercio.

¿Por qué el nombre?

Porque me encanta Tolstoi, Ana Karenina… específicamente por Levin, que es el alter-ego del autor en esa novela. Me gusta mucho.

¿Qué libros recomiendas?

Curiosamente me está gustando mucho Clarice Lispector. En cierta forma es un redescubrimiento, porque antes no me gustaba y ahora la volví a leer, y me encanta y la amo. Hay por ahí también un libro de Salvador Elizondo, “Farabeuf”, que es uno de mis libros favoritos y por supuesto “Las lágrimas de Eros”, de Bataille, que me gusta mucho.

¿Qué autores tienes en Filosofía?

Tengo libros de Slavoj Zizek, Michel Onfray, Theodor Adorno, Pierre Bordieu, Gilles Deleuze, entre otros…

¿De dónde traes los libros?

Traigo libros de España, Argentina, Colombia y Estados Unidos. Quiero empezar a traer también de México.

En las mesas hay algunos buenos títulos: Mantra, de Rodrigo Fresán; El Mar De Las Iguanas, de Salvador Elizondo; la poesía completa de Sylvia Plath; El arco Iris De Gravedad , de Thomas Pynchon; Gog, de Giovanni Papini; La Educación del Estoico, de Fernando Pessoa…

Al salir, los libros me guiñan el ojo.

Catedral de Santa Maria del Fiore, Foto: Omar Ganchala

Florencia es una ciudad que cautiva; en sus calles, callejones y plazas uno respira arte, cultura, música e historia. Es la ciudad de los artistas, de los pintores y de los escultores. Es la cuna del arte occidental. Esta bella ciudad es la capital de la región de Toscana, es considerada una de las ciudades más importantes de Italia, tiene casi medio millón de habitantes y es la parada obligatoria para cualquier persona que guste del arte.

La Catedral de Santa Maria Del Fiore, el Ponte Vecchio, la Galleria Uffizi, el Museo de la Academia, el Palacio Piti, entre otros, son varias de las paradas obligatorias que los turistas que visitan Florencia deben hacer. A Firenze, nombre original de la ciudad en italiano, se puede llegar en tren, en bus o en avión. La Estación Santa Maria Novella recibe miles de viajeros que vienen desde todas partes de Italia y de Europa, mientras que su aeropuerto Americo Vespucci, es parada obligatoria de muchas de las aerolíneas más grandes de Europa y del mundo.

Como toda ciudad, Firenze tiene un núcleo alrededor del cual gira la vida citadina. La Catedral de Santa Maria del Fiore es el principal atractivo arquitectónico de esta ciudad; Santa Maria del Fiore es una iglesia en la que ya no se celebran eucaristías, pues ahora es un lugar destinado únicamente al turismo. Por dentro, la iglesia tiene un parecido singular con Santa Teresita, templo católico ubicado en el sector de La Mariscal de Quito. Colores como el blanco, el plomo y el verde oscuro priman en el interior de la iglesia. Las bancas han sido retiradas, de forma que los visitantes pueden trasladarse por todo el lugar sin ninguna dificultad. Una bella cúpula, la más famosa de Italia, embellece a este templo religioso. Y es que fue el mismo Miguel Ángel el que la diseñó y la construyó; hoy en día, los visitantes tienen la oportunidad de subir a la cúpula para tener una vista privilegiada de la ciudad, así como también es posible subir a la torre del campanario. Todo esto a un costo de 8 y 15 euros respectivamente.

Interior de Santa María del Fiore, Foto: Omar Ganchala

Cúpula de Santa Maria del Fiore, Foto: Omar Ganchala

Ponte Vecchio, Foto: Omar Ganchala

Pero si hablamos de tradición, uno de los lugares más propios de Firenze es el Ponte Vecchio. Un puente que cruza el río Arno (que dicho sea de paso atraviesa toda la ciudad) y que alberga a las casas más antiguas de Firenze, casas que de hecho desafían a la gravedad, pues cuelgan del puente, dando una espectacular vista de la cuenca hidrográfica del Arno. El Ponte Vecchio, que es una de las zonas más comerciales y visitadas de la ciudad; ofrece a los visitantes una amplia gama de almacenes de joyería y platería sumamente exclusiva, donde la pieza de menor valor está por sobre los 150 euros.

El Nacimiento de Venus, cuadro original. Foto: Omar Ganchala

La Galleria Degli Uffizi es otro de los ejes fundamentales de la ciudad, pues es uno de los museos más importantes de Italia y del mundo. El Uffizi ocupa todo un edificio de tres pisos y alcanza fácilmente el tamaño de una manzana completa, incluso más. Este museo es uno de los más famosos del mundo, pues alberga a miles de obras de arte “El Nacimiento de venus” de Sandro Botticelli, es la joya de este establecimiento. El cuadro original ocupa toda una pared, de extremo a extremo, y es el atractivo principal de esta Galleria. Otras grandes obras de arte de Miguel Ángel, Botticelli y otros artistas también se encuentran en este lugar, convirtiéndola en un tesoro de la cultura artística mundial.

David, escultura original. Foto: Omar Ganchala

Pero sin duda, el tesoro más grande que alberga esta ciudad es el Museo de la Academia, pues este lugar es la casa del famoso David, de Miguel Ángel. El museo posee grandes obras de arte en exhibición que, lastimosamente, se ven minimizadas ante la majestuosidad y perfección de la figura del David. Esta estatua, esculpida totalmente en mármol blanco, es uno de los referentes artísticos más importantes de la historia. Se encuentra ubicado en una especie de círculo que permite que el espectador pueda rodearlo y observar hasta el más mínimo detalle de la figura humana. Imponente, majestuoso y sobrio, se levanta el David original, símbolo de la belleza y del renacimiento del arte clásico de la ciudad.

El Palazzo Piti, el Palazzo Vecchio, y otros palacios son también atractivos importantes de la ciudad. Piti es uno de los más grandes palacios renacentistas de Firenze. Está dividido en dos partes: una dedicada a la residencia y otra dedicada a los jardines. La parte residencial está destinada a diversas exposiciones de vestimenta, joyería y utilería medieval y renacentista. Los jardines, por otro lado, están construidos a tres niveles y están adornados por hermosas y gigantes piletas que representan a diferentes deidades griegas.

Fachada Palazzo Piti. Foto: Omar Ganchala

Jardines del Palazzo Piti. Foto: Omar Ganchala

Firenze es una ciudad en donde los visitantes pueden explotar todo su potencial artístico. Es la ciudad en la que las ilustraciones de los libros de clase se vuelven realidad. El centro de la ciudad se encuentra lleno de agencias de turismo en donde se ofrecen recorridos guiados en todos los idiomas para aprovechar al máximo la estadía en esta bella ciudad. Sin embargo, aunque el turismo es la principal actividad económica de Florencia, no es lo único que ofrece. Firenze es también conocida por sus exquisitos helados. Il Festival Dil Gelato, ubicado a dos cuadras de Santa Maria del Fiore, es una de las heladerías más famosas y más grandes de la ciudad: más de 10 variedades de chocolate (ferrero, kinder, baci, nutella, etc) y casi 60 sabores de frutas naturales. Al mínimo costo de 2 euros, se puede disfrutar un helado de doble bola de sabores a escoger, literalmente un sabor para cada día del año.

Turistas en La Cité, un tradicional bar de Florencia. Foto: Andrea Tacconi

En cuanto a diversión y entretenimiento, lo bohemio es lo principal de Florencia. Los bares tradicionales como La Cité, ubicado casi en las afueras de la ciudad, ofrece a los visitantes una forma florentina de diversión: música en vivo, mimos y dramatizados, acompañados siempre de una birra (cerveza), un limoncelo o un coctel son la mejor manera de disfrutar del ambiente nocturno. No obstante, la gran afluencia de turistas provenientes de Estados Unidos y de Europa ha ocasionado que se abran bares en donde la música electrónica, el pop y el hip hop son los ingredientes fundamentales para disfrutar de una excelente noche. Y la compañía, ni mencionarlo, cualquier lugar brinda la oportunidad de conocer a personas de cualquier lugar del mundo.

Sin duda alguna, si gustas del arte, de las noches bohemias y de la cultura, debes incluir a Firenze en tu próximo viaje. Y lo mejor de todo, podrás registrar tu estancia a través de tus fotografías, pues tomarlas no está prohibido salvo para las grandes obras de arte. ¡No te vas a arrepentir!

Atardecer florentino. Foto: Omar Ganchala

Ocaso en el Arno. Foto: Omar Ganchala

“El cine es una cinta de sueños” decía Orson Welles y, justamente, es ése el objetivo de filmar. El cine es una ilusión de la realidad, concepto que atrapó Georges Méliès, ilusionista y cineasta francés, que llenó de magia los primeros pasos del séptimo arte.

El cine no surgió mágicamente de la noche a la mañana, pues, a lo largo de su historia, contó el aporte de  muchos  investigadores y artistas.  El cine comenzó como un experimento que buscaba proyectar secuencias de imágenes. En 1894, Thomas Edison puso a la venta el primer producto de la industria cinematográfica,  el kinetoscopio, aparato que terminó confinado en los estudios, ya que resultó engorroso y pesado para el espectador. A finales del siglo XIX,  Louis Nicolas Lumière y Louis Jean Lumière crearon el  cinematógrafo, un proyector  que superó las realizaciones de sus predecesores. La perfección técnica del invento de los hermanos Lumière hizo posible el sueño de proyectar imágenes en una pantalla, que el 28 de diciembre de 1895 se materializó con la primera proyección cinematográfica.

 Los Lumière grabaron cintas de 17 metros y crearon los primeros géneros cinematográficos, como el cine documental y el de comedia. Con ello hicieron del cine un sistema de  instrucción y enseñanza. Sin embargo, Georges Méliès, director de un teatro en los bulevares parisenses, se encargó de convertir al cine en un espectáculo y arte narrativa.

Retrato de Geroges Mélies

Georges Méliès asistió a las primeras presentaciones del cinematógrafo de los Lumière en los sotanos del Grand Café de París. Ahí comprendió que el cine debía emplear todos los recursos del teatro: actores, trajes, decorados, maquillaje, trucos, intriga dramática, etc.   Méliès intentó comprar el cinematografo pero los hermanos Lumière se rehusaron, en consecuencia,  adquirió uno en la casa William Paul, en Londres, y lo hizo adapatar para la toma de vistas cinematográficas.

Méliès es recordado como un “mago del cine” porque incluyó técnicas que acercaban a sus filmes con los espectáculos del ilusionismo. El dramaturgo fue  el primero en realizar películas que duraban más de 10 minutos e innovó el uso de efectos especiales mediante los recursos de la maquinaria teatral y técnica cinematográfica. Descubrió el stop trick  y  fue uno de los primeros cineastas en usar los fotogramas coloreados a mano.  Méliès creó el  primer estudio de cine, que combinaba la escena teatral con el laboratoio fotográfico.  Sus primeras obras fueron   L´Affaire Dreyfus en el plano de la representación de lo real y en lo fantástico incursionó con La cenicienta, Barba Azul, Caperucita Roja, entre otras.

En 1902, Méliès triunfó con su gran producción de ficción inspirada en Julio Verne y H.G. Wells, El viaje a la Luna, pues vendió docenas de copias del filme principalmente en Inglaterra. Esta película fue re-adaptada por Edison y por otras firmas que vendieron centenares de copias. Méliès , que ya tenía representantes en Londres, abrió una sucursal de su estudio en Nueva York . Gracias a su éxito el cine se volvía internacional.

Pinche aquí para ver el vídeo

A pesar del triunfo de sus películas, Méliès fue acosado por las deudas en 1923 lo que le llevó a vender sus propiedades. En 1925, se casó con  Jeanne d’Alcy  y  juntos se ocuparon de una tienda de jugetes y dulces en  la estación de Montparnasse. Más tarde su obra fue  re-descubierta y admirada por la vanguardia cinematográfica francesa. En 1931,  Méliès fue reconocido con la Legión de Honor. Entre 1932 y 1938, vivió en el Castillo de Orly junto a su esposa. Méliès murió en el hospital Léopold Bellan de París en el año de 1938.

Georges Méliès fue el creador del cine de espectáculo e introdujo el arte narrativa en sus películas, fue su habilidad de trasformar la realidad a través del cine  lo que le convirtió en el gran mago del cine.

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Dennis Suarez (Quito, 1991) estudia Medios en la Facultad de Comunicación, Lingüística y Literatura de la PUCE. Una OLYMPUS profesional y una SONY cibershot son sus compañeras y herramientas de trabajo. Después de muchos intentos y lecturas, está seguro de que la fotografía es lo suyo.

Admira el trabajo de Berenice Abbott, Damon Winter, Toby Keller, Nick Brant. Piensa que la fotografía es un arte que se aprende con prática y afición,  y después de terminar la carrera de Comunicación, desea especializarse en fotografía o en multimedia.

¿Cuándo empezó tu afición por la fotografía?

Siempre me han llamado la atención las cosas fuera de lo común (…) empecé a aprovechar las cámaras que tenía de una manera útil. Estudié fotografía dos meses con un director de cine que se graduó en Argentina, creo que él fue el pilar fundamental para que mi hobby se vaya convirtiendo en una afición, que poco a poco empieza a tomar forma en el aspecto profesional. Posteriormente, empecé a tomar fotos con una cámara profesional análoga en blanco y negro, después, y para mayor utilidad, compré una cámara digital con varias funciones. También me gusta filmar, y creo que el arte de la imagen me apasiona. Uno de los trabajos en donde mejor me sentí fue, precisamente, tomando fotografías.

 ¿Has tomado o estás en algún curso de fotografía?

 Sí, mi padre sabe algo de fotografía, he leído muchos textos y el curso con el director de cine, que era mi amigo. Creo que la fotografía es un arte que se aprende con la práctica y la afición. Estoy pensando en ingresar a la Alianza Francesa. Estoy seguro que mi postgrado será en fotografía o algo de multimedia.

¿Cuáles crees que son tus fortalezas y debilidades en esta actividad?

Creo que soy perseverante, que la fotografía no se me vuelve una profesión ni una actividad de vida, solo la hago por amor al arte, me pasaría la vida entera haciendo fotografías, pues siempre que lo haga sonreiré con intensidad.

El “Este Café” es el lugar indicado para disfrutar una tarde y noche de música alternativa, arte contemporáneo y una buena taza de café.

Entre las calles Juan León Mera y Wilson se encuentra el  “Este Café”, un restaurante y cafetería con un concepto diferente en el que no solo hallarás un menú variado, sino también pintura y música. El ambiente invita a los visitantes a sentarse a comer, beber y conversar bajo una luz tenue, acompañados de una suave melodía de jazz. El “Este Café” lleva funcionando desde el 2003, en el sector de La Mariscal, bajo la administración de Nicolás Jaramillo.

El restaurante nació con la idea de ofrecer al público un espacio no convencional, cosmopolita, en el que se pueda disfrutar de un buen café, buena música y del arte. Para Jaramillo lo que atrae a la gente al restaurant es: “el concepto, que es un concepto dentro de lo artístico, alternativo y contemporáneo”. Al “Este Café generalmente acuden artistas y personas que aprecian el arte en cualquiera de sus formas. Asimismo visitan el local  personas que trabajan en el campo de lo audiovisual y de la fotografía. No obstante, el establecimiento también abre sus puertas a todo aquel que busque compartir, en un lugar diferente, un momento de rélax entre amigos.

El escenario del Este Café. Foto: Pablo Jara

En este lugar puedes encontrarte con distintas variedades de café: desde el tradicional café pasado (o en agua), hasta el irish coffee (espresso con whisky y crema chantilly). Además, si el estomago ruge, puedes ordenar el menú del día, picaditas, hamburguesas o sánduches.  Pero si quieres algo un poco más fuerte, tienes a tu elección varios tipos de licor y cocteles.

A más del servicio de restaurante y cafetería, el “Este Café” se destaca por brindar un espacio para hacer mini conciertos, recitales de poesía, exposiciones de arte contemporáneo y fotografía. El “Este Café” “es un lugar que esta super interesado en mostrar y exhibir cosas y de recibir artistas” afirma Jaramillo. Las `tocadas´ se llevan a cabo en un pequeño escenario rodeado por las mesas del restaurante. Por otro lado, las paredes del local sirven para acoger a pinturas y fotografías de artistas actuales. Próximamente el local va a ampliar su espacio para que los músicos tengan un mejor lugar para tocar.

Para más información acerca de los eventos que realiza el “Este Café” mira aquí.

Caja de Pandora – 3 paneles, 70 x 150 cm cada uno, tamaño real 70 x 450 cm

No voy a mentirles. No decidí entrar al Centro Cultural para recoger El Comercio del día que se reparte allí, ni para ampliar mis horizontes estéticos, ni para inspeccionar la muestra de 150 afiches de la campaña de Obama. Si puse mis pies en el lugar, fue porque necesitaba una noticia cultural para la clase de Producción Radiofónica, y cómo no encontrar una en el Centro Cultural de la Universidad Católica. Cuando ingresé al edificio, lo primero que vi fue la gran pancarta que nombraba la exposición de arte alojada en ese momento: “Caleidoscopio Creativo”, de la artista Farhana Khan Matthies. Después de haber observado las series que detallo a continuación, me alegré bastante de no haber encontrado otro tema para mi deber de radio.

Primera parada: “Evolución versus Revolución”

Unos lienzos de gran tamaño bordeaban el sendero que debía recorrer cada visitante de la exhibición. Mi primera impresión al observar el primer cuadro de la serie “Evolución versus Revolución” fue de extrañeza: núcleos de colores, de diferentes tamaños, estaban rodeados por líneas circulares blancas y negras, intercaladas. Debajo de estos botones, el paisaje se aplanaba en una serie de cuadritos coloreados. El título de esta obra, Pandora, remite al mito griego de la guardiana del cofre contenedor del mal, del que, una vez abierto, se desatan todas las desgracias, y queda como único consuelo la esperanza.

Pandora,  150 x150 cm

En un texto introductorio, la autora hace una reflexión sobre la velocidad de los avances tecnológicos, y en especial de la genética. Khan Matthies se pregunta hasta dónde nos llevará el conocimiento y la ciencia, y avizora una  nueva etapa en la que la creación de vida va a ser  determinada y modelada según la voluntad humana. Quizá por esto, las piezas que componen la serie “Evolución versus Revolución” contienen como fondos largas cadenas multicolores,  que se derivan de los tres colores primarios que los científicos asignaron a tres de las cuatro bases nitrogenadas (Adenina-Timina y Citosina- Guanina) que conforman el ADN.

En la mayoría de los cuadros que componen esta serie, predominan las formas geométricas: a veces, regulares, otras,  fragmentadas. El orden natural del código genético se rompe o se transforma. La representación figurativa (serpientes, ojos, células, cerebros) se mezcla con líneas y formas abstractas. La artista busca prever, sirviéndose de relatos míticos,  en qué desembocará la carrera desaforada de la ciencia, que aunque beneficiosa, puede otorgar a los humanos libertades desmedidas.

Segunda parada: De “Manto a Media Asta” a “Daños colaterales”

“Manto a Media Asta” es una instalación conmovedora. En medio de la galería del firme edificio del Centro Cultural de la PUCE, un trozo de devastación se revelaba en una esquina. Una tela blanca, bastante larga, había sido rasgada y  colgada sobre escombros. Trozos de ladrillos, hierros retorcidos, papeles arrugados, un zapato sin su par, pedazos de ropa se unían para componer un cuadro de ruina. Esta instalación es el homenaje de Farhana Khan Matthies a las víctimas de las guerras de todo el mundo, a personas asesinadas y enviadas al olvido, menos para sus seres queridos. Según la artista, pese a que los cuerpos son enterrados y desaparecen, los escombros permanecen y, en ellos, las pertenencias destruidas de los que vivieron.

Daños Colaterales- Bombardeo de Escuela de Música, 100 x 70cm

La serie de dibujos a lápiz “Daños colaterales” continúa esta idea de la huella distorsionada que dejan las bajas civiles durante la guerra, que siguen produciéndose a pesar de las reglas de la ONU para evitar que muera gente inocente. Estos cinco dibujos retratan la amputación de  vidas que se desarrollaban normalmente: los bombardeos dejan como resultado juguetes rotos, violines despedazados, periódicos rajados, metales doblados; todo atravesado por alambres deformados y maderas rotas, formando trenzas de desperdicios, y una de ellas está envuelta en llamas.

Tercera parada: El Legado del siglo XX

Lo impactante no terminó ahí. La siguiente serie, “El Legado del siglo XX”, es una escalofriante colección de estampillas, pintadas con lápices de colores y tinta sobre papel. Farhana muestra de esta manera inusual (¿las estampillas no recogen lo representativo-positivo de un país?) los errores más grandes del siglo XX. La destrucción del medio ambiente, el aumento de la brecha entre ricos y pobres, la ineficacia de la ONU, el consumismo, la violación de los derechos humanos y la corrupción son algunos de los temas que determinan las imágenes de cada colección de estampillas.

En cada cuadro, los matices de colores se oscurecen o se aclaran y, en el borde de cada plancha, se pueden leer adjetivos o frases concernientes a los temas de las estampillas. Las que tratan sobre el desempleo están acompañadas de frases como millones de despedidos en el mundo, sensación de desesperanza, falta de autoestima, ambición sofocada.

Farhana Khan Matthies afirma que

“ser una artista conlleva responsabilidades sociales. Las crisis sociales y económicas distraen nuestra atención del problema mayor que enfrentamos: la protección de este hermoso planeta; la conservación de su flora y fauna para las futuras generaciones”.

En su obra artística se manifiesta la intención de denuncia, aunque, sin duda, Farhana  también puede ser más introspectiva. En la exposición de “Caleidoscopio Creativo” se incluyeron también las series “Sinestesia”, con cuadros que captan las impresiones de la artista al percibir sonidos con colores, y  “Fuerzas de la Naturaleza”, en la que compara las fuerzas internas y la creatividad del ser humano con cataclismos y desbordamientos de la naturaleza, expresados en una combinación de colores vivos.

Estos colores me acompañarían hasta después de salir del Centro Cultural de la PUCE, junto a la reflexión de una artista que tuvo la suerte y el peso de haber viajado por países muy distintos y que asumió como suyas las preocupaciones de las personas más desventuradas.

Un poco más sobre la artista

Farhana Khan-Matthies nació en Bangladesh, cuando ésta aún no se había independizado de Pakistán. El oficio de sus padres, la diplomacia, hizo que Farhana viajara por muchos países y que conociera culturas muy diversas.  Se graduó en la Croydon College of Art, en Inglaterra, después de haber iniciado sus estudios en Karachi, Pakistán. Farhana dirigió su propia agencia de diseño de productos durante diez años, hasta que decidió dedicarse totalmente a la pintura. Desde el año 2008, reside, junto a su esposo Stephan, en Quito.

Swing Original Monks es una agrupación quiteña que fusiona diversos géneros destacándose los ritmos tropicales, el rap y los loops electrónicos. A pesar de ser una banda relativamente nueva (llevan juntos poco más de un año), se han presentado varias veces en Quito, incluso actuaron en el Festival Internacional de Música del Pacífico Petronio Álvarez en Cali, Colombia.

Las redes sociales han ayudado a que se den a conocer de a poco y su propuesta inusual, tanto musical como lírica, ha generado diferentes opiniones  en el público. A continuación, una pequeña entrevista realizada vía Facebook para conocer un poco de qué van.  Al texto original sólo se han aumentado unas cuantas fechas y precisiones sobre el grupo.

Buena cosa la entrevista! Nos puso a pensar un poco sobre nosotros mismos jajaja ya lo necesitabamos..

El Imperdible: Una de las primeras cosas que vienen a mi cabeza cuando oigo a los Monks es el nombre de grupos como Bomba Estereo o incluso Calle 13. ¿Qué tanta influencia, si la hay, tienen estos grupos en su manera de componer?

Swing Original Monks: “Conquistar es humano. Si nos ponemos a buscar el origen de la música, desde los primeros sonidos más tribales hasta las amplias gamas musicales que hoy retumban por el suelo, siempre han habido reconquistas. Pues crear es cambiar algo que ya existe, no puedes hacer algo completamente nuevo. Empezando por que todo lo que tu hagas ya tiene la influencia de tus creadores. Lo que escuchaban tus padres, todo lo que inventamos -y nos damos de grandes inventores- son solo pequeñas o grandes modificaciones en la historia. Somos salvajes por naturaleza y esa es nuestra destreza. Mostrar los dos lados de la moneda: el ser animal, bárbaro, caníbal que intenta ser civilizado con sus modales y costumbres modernas. Y el monje, el ser humano más elevado, la perfección de sus movimientos y la sutileza de sus pensamientos. Más que copiar a otras bandas, buscamos en ellas y sobre todo en la música tribal y tradicional el “Swing Original”, el latido inicial, lo que a nosotros nos mueve y nos pone a bailar”

Discurso épico de los Monks.

EI: Dado que ahora hay tanto acceso a cantidades casi ilimitadas de música que pueda influirnos, ¿Qué piensan del rumbo que está tomando la música (dejando de lado a lo prefabricado del mainstream)? Ya que ahora resulta complicado definir un género específico dentro del cual definir a las nuevas propuestas, incluidos ustedes.

SOM: Es un momento muy bacán, muy inspirador. El rumbo que está tomando la música no es tan “novedoso”, cuando te pones a pensar que la música siempre ha tomado rumbos novedosos y siempre hay quienes le ponen nombre a esa novedad. Pero por ahora, la nuestra es una relación musical indefinida. Somos científicos que experimentan para crear nuevas formulas, las cuales serán usadas por otros científicos que intenten hacer algo nuevo. Quizá lo más original que puedes ser es, justamente, no serlo. “Eres la energía con la que actúas y la fuerza que te conflictúa, más que la melodía que acentúas”. De algún modo es un poco raro no poderse definir en un género, pero es lo que lo hace gustosamente infinito al proceso de crear.

EI: ¿Qué tanta complicación hubo al momento de definir el rumbo musical al cual iba la banda, o sea diferencias creativas, cambios de alineación, etc.?

SOM: A la hora de crear hay mucha concordancia, siempre estamos de acuerdo o lo discutimos sin darle muchas vueltas. Al igual que toda banda, empezamos juntando retazos de las mil ideas que cada uno traía, las metíamos al colador y que salga la mejor. Pero en gran parte el estallido de canciones que hubo al comienzo, se dio por la energía creadora del Sebástian, el séptimo integrante de los monks hoy ausente (vive en Austria). Se sentaba un par de horas frente a la compu y de repente se le oía decir “YA, oigan!” Y con eso estaba lista la pista base para una nueva canción. A partir de ahí, la personalidad de cada uno complementaba el proceso.

EI: En una Reseña leí que Nathalia Madrigal (Juana) sólo colaboraba con el grupo, ¿En qué punto de dicha colaboración cacharon que debía ser parte permanente de los Monks?

SOM: La banda se ha venido formando de a poco. Si hay buena química, se hacen los arreglos, preparativos, flores y la boda se ejecuta. En este caso, la voz y presencia de la Juana dio nuevos matices a la banda y se acopló con la voz de Bumbass (Gabriel Baumann) haciendo un duo de altos y graves que están en constante juego. Está bueno el contraste.

EI: Algo que sin duda llama la atención de su música son las letras de las canciones, ¿Es intencionada esa manera tan directa de llegar a quienes les escuchan, para despertar conciencias; o cuál es la intención de las letras y su interpretación?

SOM: Buena pregunta. ¿Hasta que punto los diarios son objetivos? Su deber es informar a la gente, pero hay noticias que de por si, hablan solas, sin ponerle una intención. No es nuestra intención “despertar conciencias”, la conciencia es de cada uno, que cada uno despierte a la hora que quiera. En ese sentido, Informar cosas que se nos pasan por alto o verdades que no vemos en nuestra vida cotidiana, es uno de los puntos claves en las letras de los Monks. Que la verdad sea tan directa, ya no es nuestra culpa. De todas formas es solo uno de los lados. En las letras se busca bastante que sean poéticas, nos encanta rimar aunque no somos raperos, tienen todo un lado burlesco-grotesco-sensual, y la verdad hay muchas letras que por más que uno intente no entiende jajaja.

EI: En el segundo día de show en El Pobre Diablo (feb 3 2011) hubo un momento en el que toda la euforia que sentía la gente con la música se fue al carajo. Exactamente después de Reventón, cuando Mr. Bumbass dijo “mientras nosotros hacemos reventón acá, al otro lado del mundo hay gente que revienta de verdad” ¿Hasta qué punto la música, y el arte en general, debe ser un instrumento moralizador?

SOM: El show en vivo, como en las películas o en las obras de teatro, se lo arma pensando que tenga una linea dramática. Momentos de alegría, de llanto, de euforia, de espanto, sí están intencionados en crear sensaciones pero no siempre de manera directa. Nos gusta jugar en lo ambiguo, estar un poco al límite entre lo que es serio y lo que es diversión, dejando espacio a libre interpretación. Puesto que no somos educadores que dan clase y toman exámenes (para eso hay escuelas a montones jaja). El arte no puede ser un instrumento moralizador. El arte no pretende adecuar la conducta o las costumbres de las personas a los valores morales establecidos. Justamente el arte no es algo establecido. Pero es el único ente asiduo capaz de cambiar algo en nuestro caótico universo.

EI: Por último, la pregunta trillada de rigor, ¿Qué planes tienen para la banda? ¿Presentaciones? ¿Discos?

SOM: Hay un montón de planes creativos que vamos sacando de a poco. Crear es un vicio saludable, bueno… Cuando no te quedas hasta las cinco de la mañana trabajando en una nueva idea jaja. La vena creativa nunca duerme, bombea y bombea toda la vida, rico! Pero por ahora queremos compactar un poco las cosas y pulirlas para tener un primer material explosivo que suene y se vea cada vez mejor. En eso entra, grabar el disco, trabajar los visuales, seguir reinventando el show y tocar tocar tocar! También con panas estamos en realización de videoclips, pero eso va de a poco, por motivos de tiempo. Y bueno, algún rato sería chévere viajar y, en realidad… gozar cada momento como venga. Be Monk!

EI: Gracias por su tiempo, su música es increible!

SOM: Gracias por la entrevista, ¡buena energía!

La académica ganó el premio Casa de las Américas 2010 por la obra “La música nacional. Identidad, mestizaje y migración en el Ecuador”. Ketty Wong es Assistant professor of Ethnomusicology en la Universidad de Kansas. La guayaquileña se mira hacia adentro cada vez que quiere hacer un estudio de musicología.

La entrevista tiene dos partes: la primera es acerca de sus estudios de música e identidad ecuatoriana; la segunda parte muestra una faceta más personal de la académica.

¿Dónde nació la idea de explorar una identidad alternativa en la música?

La música es para mí un parámetro para estudiar una sociedad, en este caso, la ecuatoriana. La mayor parte de los estudios académicos que examinan la identidad nacional presentan la perspectiva de las élites, y muy pocas veces la de las clases populares. Ambas visiones co-existen y presentan distintas formas de imaginar la identidad nacional. Las élites buscan la hegemonía en la representación de la identidad nacional al tener poder económico y acceso a los medios oficiales de comunicación; las clases populares no han tenido acceso a esos medios y, por tanto, su visión queda rezagada en el ámbito privado.

¿Qué la motivó a estudiar la música como aglutinante popular de las varias identidades nacionales?

La identidad nacional no es única ni estática, como se pensaba anteriormente, sino que está sujeta a continuos procesos de cambio y dinámicas sociales. Esto ocurre especialmente en una sociedad pluriétnica y multicultural como la nuestra. De igual manera, los estilos musicales cambian con el tiempo de acuerdo a factores de índole social, económico, político y tecnológico, así como a los efectos e influencia de la globalización en nuestra mirada hacia nosotros mismos. La “música nacional” de las élites ha sido excluyente y ha marginado a la población indígena, afro-ecuatoriana y a los mestizos de clase media-baja del imaginario colectivo de la nación. La “música nacional” de las clases populares, en cambio, propone una visión pluralista al aglutinar en su concepción de “música nacional” a varios grupos sociales y étnicos que conforman la nación ecuatoriana.

¿Cómo influye la negación de la herencia indígena en la falta de representación musical internacional?

En general, Ecuador no tiene mayor visibilidad internacional con su música popular si pensamos en el pasillo, el albazo, el pasacalle y el sanjuanito nacional (me refiero a sanjuanitos como “Pobre corazón” de Guillermo Garzón). Artistas como Los Brillantes, los Hermanos Miño-Naranjo y Julio Jaramillo cantaron este repertorio de canciones en sus giras de concierto por América Latina en los 60 y principios de los 70, y podríamos decir que la música ecuatoriana llegó a tener cierto grado de internacionalización. Sin embargo, estos hechos se olvidan y la creencia generalizada es que la música ecuatoriana  es poco conocida fuera del país. Esto, desafortunadamente, es cierto en lo que respecta a las décadas de los 80 hasta el presente. Sin embargo, hay actualmente una música popular indígena ecuatoriana que suena bastante fuera del país. Aquí me refiero no solamente a cantantes como Ángel Guaraca, quien tiene un gran público entre los migrantes ecuatorianos de los estratos populares, sino también a la música folklórica de los conjuntos otavaleños, quienes viajan por el mundo tocando su repertorio de sanjuanitos y otros ritmos andinos a un público cosmopolita. Las élites no incluyen estos tipos de música de raíz indígena en la noción de “música nacional”, a menos que ésta sea estilizada para representar su ideología y valores estéticos, como es el caso de la canción “Pobre corazón”.

¿Cuáles cree usted que son los medios que se utilizan para deslegitimizar la música popular?

Una forma de deslegitimizar la música popular es crear estereotipos y etiquetas comerciales que denigren a los consumidores de esa música popular. Por ejemplo, los términos “música rocolera” y “música chichera” están asociados con ideas de una música para emborracharse, “cortavenas”, vulgar y de poco valor artístico. En cambio, el término “música nacional” ha sido durante la mayor parte del siglo XX sinónimo de una música culta y de gente educada.

¿Está usted de acuerdo con la afirmación de Miguel Donoso Pareja, que dice que el Ecuador es “un país sin un ritmo musical que lo identifique y lo aglutine, un país que no ha desarrollado su música popular”?

El Ecuador tiene una rica y variada producción de música popular, como podemos observar en el repertorio del cancionero nacional (pasillos, albazos, pasacalles, sanjuanitos, bombas, tonadas, aire típico, etc.). Pienso que el comentario de Donoso Pareja surge de la idea generalizada, entre los ecuatorianos, que el país no tiene una presencia internacional con su música. Si bien recuerdo, Donoso Pareja menciona a México, Cuba y Brasil entre los países latinoamericanos que tienen gran visibilidad en el mundo, su música, su comida y sus bebidas nacionales. Ecuador queda mal parado en comparación con estos países que, por su historia y desarrollo económico, particularmente en el área de la industria discográfica y medios de comunicación, han tenido un mayor desarrollo musical. Pero recordemos que, más que un modelo, estos países son la excepción a la regla en el contexto latinoamericano. No todos los países son productores de músicas comercialmente exitosas, como la samba, la rumba, el son, el mambo y el chachachá, que hicieron furor a nivel mundial. Recordemos algunos países en Centroamérica y Sudamérica de los cuales apenas se conoce su música. Lo interesante en el caso ecuatoriano es examinar de dónde surgen estos discursos, cómo se han difundido y qué impacto tienen en la forma en que los ecuatorianos nos miramos a nosotros mismos en relación a la otredad.

¿Cuánto influye la translocalidad en la internacionalización de la música ecuatoriana?

La translocalidad de la música popular ecuatoriana se da cuando nuestros cantantes viajan a otros países para dar ánimo a los migrantes ecuatorianos con sus canciones, reproduciendo las mismas prácticas musicales y contextos sociales que se dan en Ecuador. La translocalidad da visibilidad a la MPE (música popular ecuatoriana) fuera del país porque los conciertos ocurren en discotecas y parques donde un público no ecuatoriano puede asistir. En el caso de la MPE, sin embargo, no se ha dado todavía un proceso de internacionalización donde ésta sea reconocida y consumida por un público amplio e internacional.

El 27 de octubre a las 19:30 se inauguró la Muestra “Tocar, Mirar, Sentir” en el Centro Cultural de la PUCE. El acto estuvo encabezado por el Padre Rector, Manuel Corrales Pascual, autoridades de la universidad, el Primer Consejero de la Embajada de Francia y un representante del Museo de Louvre de París.
Esta exposición presenta 16 réplicas de piezas de las culturas precolombinas ecuatorianas, pertenecientes al Museo Weilbauer de la PUCE, así como 16 réplicas de esculturas grecorromanas, de la galería táctil del Museo del Louvre de París.

No es suficiente mirar, se debe también tocar y sentir para poder apreciar más estas obras de arte y obtener una nueva experiencia, diferente a aquella de otros museos, en donde está prohibido tocar las esculturas y cualquier obra de valor.

La muestra está dedicada al público en general y tiene un valor significativo para las personas no videntes, ya que solamente por el tacto podrán apreciar y sentir estas magníficas piezas. Una verdadera obra de arte se capta y se entiende mejor por medio del tacto; por esto, todos están invitados –explica el Director del Centro Cultural de la PUCE, José Nevado de la Torre– “a que los que tienen discapacidad de la visión puedan gozar de la belleza artística y que los videntes se pongan en el lugar de los no videntes y logren sentir lo que ellos sienten”.

Entonces, ¿por qué no hacer el intento al momento de visitar esta exposición, de primero ver la obra, luego cerrar los ojos y tocarla para ver qué es lo que sentimos? Por el tacto, se creará una imagen mental, posiblemente diferente a la que observamos, pero la experiencia de tocar y sentir –además de mirar– es, efectivamente, diferente y excepcional. Incluso, si se desea, el asistente podrá cubrir sus ojos con un antifaz de terciopelo negro, para descubrir otro mundo; el de los no videntes. La experiencia de “Tocar, mirar, sentir” se complementa con la escritura en braille, que solo se puede leer por medio del tacto.

Gracias a la colaboración del Museo del Louvre, el público podrá admirar ejemplares conocidos de la cultura grecorromana como el busto de Lacoonte, Séneca y esculturas conocidas como la del gladiador Borghese. Dentro del ámbito precolombino, se podrá admirar también una Venus de Valdivia, un Shamán de Jama Coaque, entre muchas otras más. Esta muestra escultórica, que combina lo grecorromano con lo precolombino, seguramente los trasladará a una época pasada para contemplar aquellas esculturas y personajes más destacados, con figuras de culturas que vivieron en nuestro país, o esculturas del siglo I a.C. o del siglo XVII.

La muestra se encuentra en la sala A de exposiciones temporales, primer piso del Centro Cultural. Estará abierta del 28 de octubre al 22 de diciembre del 2010 y del 2 al 30 de enero del 2011. Además, mientras dure la muestra, se ofrecerán conferencias de especialistas del prestigioso museo parisino.

Igualmente, en la Sala B del Centro Cultural se encuentra la exposición de la artista quiteña Verónica Félix, titulada: “El beso de la luz”. En ella se exhiben varios cuadros, los cuales también pueden ser tocados por los asistentes. La artista utiliza la cera de abeja: un material sensorial. Se podrá mirar, tocar e incluso oler todos estos cuadros. Esta muestra pictórica no forma parte de la muestra “Tocar, mirar, sentir”, pero si se deleitaron con las esculturas, seguramente disfrutarán del arte pictórico.

En el Reino del Pop, donde Madonna es la reina, Michael Jackson el rey y Britney la princesa, Lady Gaga cumple el rol de arlequín, pero uno que entretiene y rinde tributo a sus majestades mediante psicodélicos atuendos y show estremecedores. Stefani Germanotta (aka Lady Gaga), intérprete de éxitos como “Poker Face”, “Bad Romance” y el reciente “Alejandro“, empezó con apenas 19 años su carrera musical. Gracias a la canción “Radio Gaga” de Queen -una de sus favoritas- adoptó el nombre de Lady Gaga, con el cual se dio a conocer.

Desde sus primeros pasos en las tablas, la cantante empezó a construir una imagen un poco freak de sí misma. Con shows fuera de este mundo que involucraban provocadores bailes del tipo burlesque, llegó a romper con los esquemas ya impuestos por sus inspiraciones:  Michael Jackson y Madonna. Basta recordar la presentación en los VMA’s del año pasado en la aparentemente se suicidaba y el pecho se le ensangrentaba para notar su excéntrica conducta.

El vestuario es otro añadido a la esencia de Gaga. Es elaborado por su equipo creativo, llamado “Haus of Gaga”. La indumentaria de la artista es de lo más surrealista y caprichosa. Los trajes van desde un vestido de burbujas, pasando por uno de carne cruda (que causó protestas de grupos vegetarianos y de protección animal), hasta uno de los más vistos y revistos: el traje que enciende sus pechos cual petardo de año viejo que pudo haber puesto en riesgo su integridad física, pero que fue todo un espectáculo.

Aquí una breve vista de lo “fashion” de Lady Gaga:

Pinche aquí para ver el vídeo

La imagen pública de Lady Gaga, para muchos controversial y para otros “alucinante,” al parecer sólo se trata de una estrategia de marketing. Con su indumentaria, sus shows y su música ha logrado crear toda una marca a su alrededor. Lady Gaga no sólo vende discos sino mercancía como accesorios, ropa y disfraces para Halloween (por la temporada) que pueden ser adquiridos desde su página web: http://www.ladygaga.com

Además de lo excéntrico, la imagen de Lady Gaga encierra la ambigüedad de su personalidad, ya que en la mayoría de vídeos y performances se maneja un concepto de “sexo libre” (el vídeo de Alejandro, por ejemplo). Sin embargo, la cantante afirma ser de lo más recatada en ese aspecto, pues afirma que tener relaciones sexuales interfiere con su capacidad creativa.

Como activista política y social, la artista es vocera a favor de los derechos de la mujer y de los derechos de la comunidad gay, razón por la cual es el ícono de homosexuales y bisexuales. De la misma manera, participa activamente en la política norteamericana, no como senadora, sino como portavoz de grupos que no tienen oportunidad de opinar al respecto en la esfera pública.

Lady Gaga es todo un personaje, todo un “monstruo” del Pop y a pesar de toda la controversia y la extravagancia que rodea al mundo de la cantante, su música y su shows son un producto dotado de creatividad y calidad.