El “Este Café” es el lugar indicado para disfrutar una tarde y noche de música alternativa, arte contemporáneo y una buena taza de café.

Entre las calles Juan León Mera y Wilson se encuentra el  “Este Café”, un restaurante y cafetería con un concepto diferente en el que no solo hallarás un menú variado, sino también pintura y música. El ambiente invita a los visitantes a sentarse a comer, beber y conversar bajo una luz tenue, acompañados de una suave melodía de jazz. El “Este Café” lleva funcionando desde el 2003, en el sector de La Mariscal, bajo la administración de Nicolás Jaramillo.

El restaurante nació con la idea de ofrecer al público un espacio no convencional, cosmopolita, en el que se pueda disfrutar de un buen café, buena música y del arte. Para Jaramillo lo que atrae a la gente al restaurant es: “el concepto, que es un concepto dentro de lo artístico, alternativo y contemporáneo”. Al “Este Café generalmente acuden artistas y personas que aprecian el arte en cualquiera de sus formas. Asimismo visitan el local  personas que trabajan en el campo de lo audiovisual y de la fotografía. No obstante, el establecimiento también abre sus puertas a todo aquel que busque compartir, en un lugar diferente, un momento de rélax entre amigos.

El escenario del Este Café. Foto: Pablo Jara

En este lugar puedes encontrarte con distintas variedades de café: desde el tradicional café pasado (o en agua), hasta el irish coffee (espresso con whisky y crema chantilly). Además, si el estomago ruge, puedes ordenar el menú del día, picaditas, hamburguesas o sánduches.  Pero si quieres algo un poco más fuerte, tienes a tu elección varios tipos de licor y cocteles.

A más del servicio de restaurante y cafetería, el “Este Café” se destaca por brindar un espacio para hacer mini conciertos, recitales de poesía, exposiciones de arte contemporáneo y fotografía. El “Este Café” “es un lugar que esta super interesado en mostrar y exhibir cosas y de recibir artistas” afirma Jaramillo. Las `tocadas´ se llevan a cabo en un pequeño escenario rodeado por las mesas del restaurante. Por otro lado, las paredes del local sirven para acoger a pinturas y fotografías de artistas actuales. Próximamente el local va a ampliar su espacio para que los músicos tengan un mejor lugar para tocar.

Para más información acerca de los eventos que realiza el “Este Café” mira aquí.

Otros artículos relacionados:

1. Martes de poesía en Este Café
2. Música entre el animal y el monje
3. Grooveshark: toda la música en tus oídos

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Caja de Pandora – 3 paneles, 70 x 150 cm cada uno, tamaño real 70 x 450 cm

No voy a mentirles. No decidí entrar al Centro Cultural para recoger El Comercio del día que se reparte allí, ni para ampliar mis horizontes estéticos, ni para inspeccionar la muestra de 150 afiches de la campaña de Obama. Si puse mis pies en el lugar, fue porque necesitaba una noticia cultural para la clase de Producción Radiofónica, y cómo no encontrar una en el Centro Cultural de la Universidad Católica. Cuando ingresé al edificio, lo primero que vi fue la gran pancarta que nombraba la exposición de arte alojada en ese momento: “Caleidoscopio Creativo”, de la artista Farhana Khan Matthies. Después de haber observado las series que detallo a continuación, me alegré bastante de no haber encontrado otro tema para mi deber de radio.

Primera parada: “Evolución versus Revolución”

Unos lienzos de gran tamaño bordeaban el sendero que debía recorrer cada visitante de la exhibición. Mi primera impresión al observar el primer cuadro de la serie “Evolución versus Revolución” fue de extrañeza: núcleos de colores, de diferentes tamaños, estaban rodeados por líneas circulares blancas y negras, intercaladas. Debajo de estos botones, el paisaje se aplanaba en una serie de cuadritos coloreados. El título de esta obra, Pandora, remite al mito griego de la guardiana del cofre contenedor del mal, del que, una vez abierto, se desatan todas las desgracias, y queda como único consuelo la esperanza.

Pandora,  150 x150 cm

En un texto introductorio, la autora hace una reflexión sobre la velocidad de los avances tecnológicos, y en especial de la genética. Khan Matthies se pregunta hasta dónde nos llevará el conocimiento y la ciencia, y avizora una  nueva etapa en la que la creación de vida va a ser  determinada y modelada según la voluntad humana. Quizá por esto, las piezas que componen la serie “Evolución versus Revolución” contienen como fondos largas cadenas multicolores,  que se derivan de los tres colores primarios que los científicos asignaron a tres de las cuatro bases nitrogenadas (Adenina-Timina y Citosina- Guanina) que conforman el ADN.

En la mayoría de los cuadros que componen esta serie, predominan las formas geométricas: a veces, regulares, otras,  fragmentadas. El orden natural del código genético se rompe o se transforma. La representación figurativa (serpientes, ojos, células, cerebros) se mezcla con líneas y formas abstractas. La artista busca prever, sirviéndose de relatos míticos,  en qué desembocará la carrera desaforada de la ciencia, que aunque beneficiosa, puede otorgar a los humanos libertades desmedidas.

Segunda parada: De “Manto a Media Asta” a “Daños colaterales”

“Manto a Media Asta” es una instalación conmovedora. En medio de la galería del firme edificio del Centro Cultural de la PUCE, un trozo de devastación se revelaba en una esquina. Una tela blanca, bastante larga, había sido rasgada y  colgada sobre escombros. Trozos de ladrillos, hierros retorcidos, papeles arrugados, un zapato sin su par, pedazos de ropa se unían para componer un cuadro de ruina. Esta instalación es el homenaje de Farhana Khan Matthies a las víctimas de las guerras de todo el mundo, a personas asesinadas y enviadas al olvido, menos para sus seres queridos. Según la artista, pese a que los cuerpos son enterrados y desaparecen, los escombros permanecen y, en ellos, las pertenencias destruidas de los que vivieron.

Daños Colaterales- Bombardeo de Escuela de Música, 100 x 70cm

La serie de dibujos a lápiz “Daños colaterales” continúa esta idea de la huella distorsionada que dejan las bajas civiles durante la guerra, que siguen produciéndose a pesar de las reglas de la ONU para evitar que muera gente inocente. Estos cinco dibujos retratan la amputación de  vidas que se desarrollaban normalmente: los bombardeos dejan como resultado juguetes rotos, violines despedazados, periódicos rajados, metales doblados; todo atravesado por alambres deformados y maderas rotas, formando trenzas de desperdicios, y una de ellas está envuelta en llamas.

Tercera parada: El Legado del siglo XX

Lo impactante no terminó ahí. La siguiente serie, “El Legado del siglo XX”, es una escalofriante colección de estampillas, pintadas con lápices de colores y tinta sobre papel. Farhana muestra de esta manera inusual (¿las estampillas no recogen lo representativo-positivo de un país?) los errores más grandes del siglo XX. La destrucción del medio ambiente, el aumento de la brecha entre ricos y pobres, la ineficacia de la ONU, el consumismo, la violación de los derechos humanos y la corrupción son algunos de los temas que determinan las imágenes de cada colección de estampillas.

En cada cuadro, los matices de colores se oscurecen o se aclaran y, en el borde de cada plancha, se pueden leer adjetivos o frases concernientes a los temas de las estampillas. Las que tratan sobre el desempleo están acompañadas de frases como millones de despedidos en el mundo, sensación de desesperanza, falta de autoestima, ambición sofocada.

Farhana Khan Matthies afirma que

“ser una artista conlleva responsabilidades sociales. Las crisis sociales y económicas distraen nuestra atención del problema mayor que enfrentamos: la protección de este hermoso planeta; la conservación de su flora y fauna para las futuras generaciones”.

En su obra artística se manifiesta la intención de denuncia, aunque, sin duda, Farhana  también puede ser más introspectiva. En la exposición de “Caleidoscopio Creativo” se incluyeron también las series “Sinestesia”, con cuadros que captan las impresiones de la artista al percibir sonidos con colores, y  “Fuerzas de la Naturaleza”, en la que compara las fuerzas internas y la creatividad del ser humano con cataclismos y desbordamientos de la naturaleza, expresados en una combinación de colores vivos.

Estos colores me acompañarían hasta después de salir del Centro Cultural de la PUCE, junto a la reflexión de una artista que tuvo la suerte y el peso de haber viajado por países muy distintos y que asumió como suyas las preocupaciones de las personas más desventuradas.

Un poco más sobre la artista

Farhana Khan-Matthies nació en Bangladesh, cuando ésta aún no se había independizado de Pakistán. El oficio de sus padres, la diplomacia, hizo que Farhana viajara por muchos países y que conociera culturas muy diversas.  Se graduó en la Croydon College of Art, en Inglaterra, después de haber iniciado sus estudios en Karachi, Pakistán. Farhana dirigió su propia agencia de diseño de productos durante diez años, hasta que decidió dedicarse totalmente a la pintura. Desde el año 2008, reside, junto a su esposo Stephan, en Quito.

No hay artículos relacionados.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Swing Original Monks es una agrupación quiteña que fusiona diversos géneros destacándose los ritmos tropicales, el rap y los loops electrónicos. A pesar de ser una banda relativamente nueva (llevan juntos poco más de un año), se han presentado varias veces en Quito, incluso actuaron en el Festival Internacional de Música del Pacífico Petronio Álvarez en Cali, Colombia.

Las redes sociales han ayudado a que se den a conocer de a poco y su propuesta inusual, tanto musical como lírica, ha generado diferentes opiniones  en el público. A continuación, una pequeña entrevista realizada vía Facebook para conocer un poco de qué van.  Al texto original sólo se han aumentado unas cuantas fechas y precisiones sobre el grupo.

Buena cosa la entrevista! Nos puso a pensar un poco sobre nosotros mismos jajaja ya lo necesitabamos..

El Imperdible: Una de las primeras cosas que vienen a mi cabeza cuando oigo a los Monks es el nombre de grupos como Bomba Estereo o incluso Calle 13. ¿Qué tanta influencia, si la hay, tienen estos grupos en su manera de componer?

Swing Original Monks: “Conquistar es humano. Si nos ponemos a buscar el origen de la música, desde los primeros sonidos más tribales hasta las amplias gamas musicales que hoy retumban por el suelo, siempre han habido reconquistas. Pues crear es cambiar algo que ya existe, no puedes hacer algo completamente nuevo. Empezando por que todo lo que tu hagas ya tiene la influencia de tus creadores. Lo que escuchaban tus padres, todo lo que inventamos -y nos damos de grandes inventores- son solo pequeñas o grandes modificaciones en la historia. Somos salvajes por naturaleza y esa es nuestra destreza. Mostrar los dos lados de la moneda: el ser animal, bárbaro, caníbal que intenta ser civilizado con sus modales y costumbres modernas. Y el monje, el ser humano más elevado, la perfección de sus movimientos y la sutileza de sus pensamientos. Más que copiar a otras bandas, buscamos en ellas y sobre todo en la música tribal y tradicional el “Swing Original”, el latido inicial, lo que a nosotros nos mueve y nos pone a bailar”

Discurso épico de los Monks.

EI: Dado que ahora hay tanto acceso a cantidades casi ilimitadas de música que pueda influirnos, ¿Qué piensan del rumbo que está tomando la música (dejando de lado a lo prefabricado del mainstream)? Ya que ahora resulta complicado definir un género específico dentro del cual definir a las nuevas propuestas, incluidos ustedes.

SOM: Es un momento muy bacán, muy inspirador. El rumbo que está tomando la música no es tan “novedoso”, cuando te pones a pensar que la música siempre ha tomado rumbos novedosos y siempre hay quienes le ponen nombre a esa novedad. Pero por ahora, la nuestra es una relación musical indefinida. Somos científicos que experimentan para crear nuevas formulas, las cuales serán usadas por otros científicos que intenten hacer algo nuevo. Quizá lo más original que puedes ser es, justamente, no serlo. “Eres la energía con la que actúas y la fuerza que te conflictúa, más que la melodía que acentúas”. De algún modo es un poco raro no poderse definir en un género, pero es lo que lo hace gustosamente infinito al proceso de crear.

EI: ¿Qué tanta complicación hubo al momento de definir el rumbo musical al cual iba la banda, o sea diferencias creativas, cambios de alineación, etc.?

SOM: A la hora de crear hay mucha concordancia, siempre estamos de acuerdo o lo discutimos sin darle muchas vueltas. Al igual que toda banda, empezamos juntando retazos de las mil ideas que cada uno traía, las metíamos al colador y que salga la mejor. Pero en gran parte el estallido de canciones que hubo al comienzo, se dio por la energía creadora del Sebástian, el séptimo integrante de los monks hoy ausente (vive en Austria). Se sentaba un par de horas frente a la compu y de repente se le oía decir “YA, oigan!” Y con eso estaba lista la pista base para una nueva canción. A partir de ahí, la personalidad de cada uno complementaba el proceso.

EI: En una Reseña leí que Nathalia Madrigal (Juana) sólo colaboraba con el grupo, ¿En qué punto de dicha colaboración cacharon que debía ser parte permanente de los Monks?

SOM: La banda se ha venido formando de a poco. Si hay buena química, se hacen los arreglos, preparativos, flores y la boda se ejecuta. En este caso, la voz y presencia de la Juana dio nuevos matices a la banda y se acopló con la voz de Bumbass (Gabriel Baumann) haciendo un duo de altos y graves que están en constante juego. Está bueno el contraste.

EI: Algo que sin duda llama la atención de su música son las letras de las canciones, ¿Es intencionada esa manera tan directa de llegar a quienes les escuchan, para despertar conciencias; o cuál es la intención de las letras y su interpretación?

SOM: Buena pregunta. ¿Hasta que punto los diarios son objetivos? Su deber es informar a la gente, pero hay noticias que de por si, hablan solas, sin ponerle una intención. No es nuestra intención “despertar conciencias”, la conciencia es de cada uno, que cada uno despierte a la hora que quiera. En ese sentido, Informar cosas que se nos pasan por alto o verdades que no vemos en nuestra vida cotidiana, es uno de los puntos claves en las letras de los Monks. Que la verdad sea tan directa, ya no es nuestra culpa. De todas formas es solo uno de los lados. En las letras se busca bastante que sean poéticas, nos encanta rimar aunque no somos raperos, tienen todo un lado burlesco-grotesco-sensual, y la verdad hay muchas letras que por más que uno intente no entiende jajaja.

EI: En el segundo día de show en El Pobre Diablo (feb 3 2011) hubo un momento en el que toda la euforia que sentía la gente con la música se fue al carajo. Exactamente después de Reventón, cuando Mr. Bumbass dijo “mientras nosotros hacemos reventón acá, al otro lado del mundo hay gente que revienta de verdad” ¿Hasta qué punto la música, y el arte en general, debe ser un instrumento moralizador?

SOM: El show en vivo, como en las películas o en las obras de teatro, se lo arma pensando que tenga una linea dramática. Momentos de alegría, de llanto, de euforia, de espanto, sí están intencionados en crear sensaciones pero no siempre de manera directa. Nos gusta jugar en lo ambiguo, estar un poco al límite entre lo que es serio y lo que es diversión, dejando espacio a libre interpretación. Puesto que no somos educadores que dan clase y toman exámenes (para eso hay escuelas a montones jaja). El arte no puede ser un instrumento moralizador. El arte no pretende adecuar la conducta o las costumbres de las personas a los valores morales establecidos. Justamente el arte no es algo establecido. Pero es el único ente asiduo capaz de cambiar algo en nuestro caótico universo.

EI: Por último, la pregunta trillada de rigor, ¿Qué planes tienen para la banda? ¿Presentaciones? ¿Discos?

SOM: Hay un montón de planes creativos que vamos sacando de a poco. Crear es un vicio saludable, bueno… Cuando no te quedas hasta las cinco de la mañana trabajando en una nueva idea jaja. La vena creativa nunca duerme, bombea y bombea toda la vida, rico! Pero por ahora queremos compactar un poco las cosas y pulirlas para tener un primer material explosivo que suene y se vea cada vez mejor. En eso entra, grabar el disco, trabajar los visuales, seguir reinventando el show y tocar tocar tocar! También con panas estamos en realización de videoclips, pero eso va de a poco, por motivos de tiempo. Y bueno, algún rato sería chévere viajar y, en realidad… gozar cada momento como venga. Be Monk!

EI: Gracias por su tiempo, su música es increible!

SOM: Gracias por la entrevista, ¡buena energía!

Otros artículos relacionados:

1. Música con un mensaje verde
2. Grooveshark: toda la música en tus oídos

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

La académica ganó el premio Casa de las Américas 2010 por la obra “La música nacional. Identidad, mestizaje y migración en el Ecuador”. Ketty Wong es Assistant professor of Ethnomusicology en la Universidad de Kansas. La guayaquileña se mira hacia adentro cada vez que quiere hacer un estudio de musicología.

La entrevista tiene dos partes: la primera es acerca de sus estudios de música e identidad ecuatoriana; la segunda parte muestra una faceta más personal de la académica.

¿Dónde nació la idea de explorar una identidad alternativa en la música?

La música es para mí un parámetro para estudiar una sociedad, en este caso, la ecuatoriana. La mayor parte de los estudios académicos que examinan la identidad nacional presentan la perspectiva de las élites, y muy pocas veces la de las clases populares. Ambas visiones co-existen y presentan distintas formas de imaginar la identidad nacional. Las élites buscan la hegemonía en la representación de la identidad nacional al tener poder económico y acceso a los medios oficiales de comunicación; las clases populares no han tenido acceso a esos medios y, por tanto, su visión queda rezagada en el ámbito privado.

¿Qué la motivó a estudiar la música como aglutinante popular de las varias identidades nacionales?

La identidad nacional no es única ni estática, como se pensaba anteriormente, sino que está sujeta a continuos procesos de cambio y dinámicas sociales. Esto ocurre especialmente en una sociedad pluriétnica y multicultural como la nuestra. De igual manera, los estilos musicales cambian con el tiempo de acuerdo a factores de índole social, económico, político y tecnológico, así como a los efectos e influencia de la globalización en nuestra mirada hacia nosotros mismos. La “música nacional” de las élites ha sido excluyente y ha marginado a la población indígena, afro-ecuatoriana y a los mestizos de clase media-baja del imaginario colectivo de la nación. La “música nacional” de las clases populares, en cambio, propone una visión pluralista al aglutinar en su concepción de “música nacional” a varios grupos sociales y étnicos que conforman la nación ecuatoriana.

¿Cómo influye la negación de la herencia indígena en la falta de representación musical internacional?

En general, Ecuador no tiene mayor visibilidad internacional con su música popular si pensamos en el pasillo, el albazo, el pasacalle y el sanjuanito nacional (me refiero a sanjuanitos como “Pobre corazón” de Guillermo Garzón). Artistas como Los Brillantes, los Hermanos Miño-Naranjo y Julio Jaramillo cantaron este repertorio de canciones en sus giras de concierto por América Latina en los 60 y principios de los 70, y podríamos decir que la música ecuatoriana llegó a tener cierto grado de internacionalización. Sin embargo, estos hechos se olvidan y la creencia generalizada es que la música ecuatoriana  es poco conocida fuera del país. Esto, desafortunadamente, es cierto en lo que respecta a las décadas de los 80 hasta el presente. Sin embargo, hay actualmente una música popular indígena ecuatoriana que suena bastante fuera del país. Aquí me refiero no solamente a cantantes como Ángel Guaraca, quien tiene un gran público entre los migrantes ecuatorianos de los estratos populares, sino también a la música folklórica de los conjuntos otavaleños, quienes viajan por el mundo tocando su repertorio de sanjuanitos y otros ritmos andinos a un público cosmopolita. Las élites no incluyen estos tipos de música de raíz indígena en la noción de “música nacional”, a menos que ésta sea estilizada para representar su ideología y valores estéticos, como es el caso de la canción “Pobre corazón”.

¿Cuáles cree usted que son los medios que se utilizan para deslegitimizar la música popular?

Una forma de deslegitimizar la música popular es crear estereotipos y etiquetas comerciales que denigren a los consumidores de esa música popular. Por ejemplo, los términos “música rocolera” y “música chichera” están asociados con ideas de una música para emborracharse, “cortavenas”, vulgar y de poco valor artístico. En cambio, el término “música nacional” ha sido durante la mayor parte del siglo XX sinónimo de una música culta y de gente educada.

¿Está usted de acuerdo con la afirmación de Miguel Donoso Pareja, que dice que el Ecuador es “un país sin un ritmo musical que lo identifique y lo aglutine, un país que no ha desarrollado su música popular”?

El Ecuador tiene una rica y variada producción de música popular, como podemos observar en el repertorio del cancionero nacional (pasillos, albazos, pasacalles, sanjuanitos, bombas, tonadas, aire típico, etc.). Pienso que el comentario de Donoso Pareja surge de la idea generalizada, entre los ecuatorianos, que el país no tiene una presencia internacional con su música. Si bien recuerdo, Donoso Pareja menciona a México, Cuba y Brasil entre los países latinoamericanos que tienen gran visibilidad en el mundo, su música, su comida y sus bebidas nacionales. Ecuador queda mal parado en comparación con estos países que, por su historia y desarrollo económico, particularmente en el área de la industria discográfica y medios de comunicación, han tenido un mayor desarrollo musical. Pero recordemos que, más que un modelo, estos países son la excepción a la regla en el contexto latinoamericano. No todos los países son productores de músicas comercialmente exitosas, como la samba, la rumba, el son, el mambo y el chachachá, que hicieron furor a nivel mundial. Recordemos algunos países en Centroamérica y Sudamérica de los cuales apenas se conoce su música. Lo interesante en el caso ecuatoriano es examinar de dónde surgen estos discursos, cómo se han difundido y qué impacto tienen en la forma en que los ecuatorianos nos miramos a nosotros mismos en relación a la otredad.

¿Cuánto influye la translocalidad en la internacionalización de la música ecuatoriana?

La translocalidad de la música popular ecuatoriana se da cuando nuestros cantantes viajan a otros países para dar ánimo a los migrantes ecuatorianos con sus canciones, reproduciendo las mismas prácticas musicales y contextos sociales que se dan en Ecuador. La translocalidad da visibilidad a la MPE (música popular ecuatoriana) fuera del país porque los conciertos ocurren en discotecas y parques donde un público no ecuatoriano puede asistir. En el caso de la MPE, sin embargo, no se ha dado todavía un proceso de internacionalización donde ésta sea reconocida y consumida por un público amplio e internacional.

No hay artículos relacionados.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

El 27 de octubre a las 19:30 se inauguró la Muestra “Tocar, Mirar, Sentir” en el Centro Cultural de la PUCE. El acto estuvo encabezado por el Padre Rector, Manuel Corrales Pascual, autoridades de la universidad, el Primer Consejero de la Embajada de Francia y un representante del Museo de Louvre de París.
Esta exposición presenta 16 réplicas de piezas de las culturas precolombinas ecuatorianas, pertenecientes al Museo Weilbauer de la PUCE, así como 16 réplicas de esculturas grecorromanas, de la galería táctil del Museo del Louvre de París.

No es suficiente mirar, se debe también tocar y sentir para poder apreciar más estas obras de arte y obtener una nueva experiencia, diferente a aquella de otros museos, en donde está prohibido tocar las esculturas y cualquier obra de valor.

La muestra está dedicada al público en general y tiene un valor significativo para las personas no videntes, ya que solamente por el tacto podrán apreciar y sentir estas magníficas piezas. Una verdadera obra de arte se capta y se entiende mejor por medio del tacto; por esto, todos están invitados –explica el Director del Centro Cultural de la PUCE, José Nevado de la Torre– “a que los que tienen discapacidad de la visión puedan gozar de la belleza artística y que los videntes se pongan en el lugar de los no videntes y logren sentir lo que ellos sienten”.

Entonces, ¿por qué no hacer el intento al momento de visitar esta exposición, de primero ver la obra, luego cerrar los ojos y tocarla para ver qué es lo que sentimos? Por el tacto, se creará una imagen mental, posiblemente diferente a la que observamos, pero la experiencia de tocar y sentir –además de mirar– es, efectivamente, diferente y excepcional. Incluso, si se desea, el asistente podrá cubrir sus ojos con un antifaz de terciopelo negro, para descubrir otro mundo; el de los no videntes. La experiencia de “Tocar, mirar, sentir” se complementa con la escritura en braille, que solo se puede leer por medio del tacto.

Gracias a la colaboración del Museo del Louvre, el público podrá admirar ejemplares conocidos de la cultura grecorromana como el busto de Lacoonte, Séneca y esculturas conocidas como la del gladiador Borghese. Dentro del ámbito precolombino, se podrá admirar también una Venus de Valdivia, un Shamán de Jama Coaque, entre muchas otras más. Esta muestra escultórica, que combina lo grecorromano con lo precolombino, seguramente los trasladará a una época pasada para contemplar aquellas esculturas y personajes más destacados, con figuras de culturas que vivieron en nuestro país, o esculturas del siglo I a.C. o del siglo XVII.

La muestra se encuentra en la sala A de exposiciones temporales, primer piso del Centro Cultural. Estará abierta del 28 de octubre al 22 de diciembre del 2010 y del 2 al 30 de enero del 2011. Además, mientras dure la muestra, se ofrecerán conferencias de especialistas del prestigioso museo parisino.

Igualmente, en la Sala B del Centro Cultural se encuentra la exposición de la artista quiteña Verónica Félix, titulada: “El beso de la luz”. En ella se exhiben varios cuadros, los cuales también pueden ser tocados por los asistentes. La artista utiliza la cera de abeja: un material sensorial. Se podrá mirar, tocar e incluso oler todos estos cuadros. Esta muestra pictórica no forma parte de la muestra “Tocar, mirar, sentir”, pero si se deleitaron con las esculturas, seguramente disfrutarán del arte pictórico.

Otros artículos relacionados:

1. Antón Chéjov se hace sentir en la PUCE

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

En el Reino del Pop, donde Madonna es la reina, Michael Jackson el rey y Britney la princesa, Lady Gaga cumple el rol de arlequín, pero uno que entretiene y rinde tributo a sus majestades mediante psicodélicos atuendos y show estremecedores. Stefani Germanotta (aka Lady Gaga), intérprete de éxitos como “Poker Face”, “Bad Romance” y el reciente “Alejandro“, empezó con apenas 19 años su carrera musical. Gracias a la canción “Radio Gaga” de Queen -una de sus favoritas- adoptó el nombre de Lady Gaga, con el cual se dio a conocer.

Desde sus primeros pasos en las tablas, la cantante empezó a construir una imagen un poco freak de sí misma. Con shows fuera de este mundo que involucraban provocadores bailes del tipo burlesque, llegó a romper con los esquemas ya impuestos por sus inspiraciones:  Michael Jackson y Madonna. Basta recordar la presentación en los VMA’s del año pasado en la aparentemente se suicidaba y el pecho se le ensangrentaba para notar su excéntrica conducta.

El vestuario es otro añadido a la esencia de Gaga. Es elaborado por su equipo creativo, llamado “Haus of Gaga”. La indumentaria de la artista es de lo más surrealista y caprichosa. Los trajes van desde un vestido de burbujas, pasando por uno de carne cruda (que causó protestas de grupos vegetarianos y de protección animal), hasta uno de los más vistos y revistos: el traje que enciende sus pechos cual petardo de año viejo que pudo haber puesto en riesgo su integridad física, pero que fue todo un espectáculo.

Aquí una breve vista de lo “fashion” de Lady Gaga:

Click here to view the embedded video.

La imagen pública de Lady Gaga, para muchos controversial y para otros “alucinante,” al parecer sólo se trata de una estrategia de marketing. Con su indumentaria, sus shows y su música ha logrado crear toda una marca a su alrededor. Lady Gaga no sólo vende discos sino mercancía como accesorios, ropa y disfraces para Halloween (por la temporada) que pueden ser adquiridos desde su página web: http://www.ladygaga.com

Además de lo excéntrico, la imagen de Lady Gaga encierra la ambigüedad de su personalidad, ya que en la mayoría de vídeos y performances se maneja un concepto de “sexo libre” (el vídeo de Alejandro, por ejemplo). Sin embargo, la cantante afirma ser de lo más recatada en ese aspecto, pues afirma que tener relaciones sexuales interfiere con su capacidad creativa.

Como activista política y social, la artista es vocera a favor de los derechos de la mujer y de los derechos de la comunidad gay, razón por la cual es el ícono de homosexuales y bisexuales. De la misma manera, participa activamente en la política norteamericana, no como senadora, sino como portavoz de grupos que no tienen oportunidad de opinar al respecto en la esfera pública.

Lady Gaga es todo un personaje, todo un “monstruo” del Pop y a pesar de toda la controversia y la extravagancia que rodea al mundo de la cantante, su música y su shows son un producto dotado de creatividad y calidad.

No hay artículos relacionados.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Si las fotos de los souvenirs de Michael Hughes te parecieron interesantes, quizás también te dejarás sorprender por este fotógrafo.

Como puedes apreciar, Ben Heine no solamente toma fotografías. Aunque, si de fotos se trata, tiene varios proyectos en su página de Flickr.

Estas imágenes corresponden a uno de sus trabajos llamado Pencil vs Camera. Quizás hayas visto esta técnica en otros artistas, pero se dice que Heine ha trabajado bastante en ella y la ha perfeccionado.

No hay artículos relacionados.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Led Zeppelin fue una de las bandas más influyentes del rock de los setentas. Cada uno de sus integrantes, con su estilo personal, le dio a la banda ese reconocimiento que hasta ahora perdura. Jimmy Page,  con sus inigualables solos de guitarra; Robert Plant, con esa voz inconfundible; John Paul Jones , el genio multi-instrumentista que construía las estructuras rítmicas de las épicas canciones de la banda junto a John Bonham, un baterista que no tuvo reparos en golpear su instrumento como un poseso y abandonar las técnicas jazzeras y blueseras que se usaban en aquel entonces. Bonham fue el precursor de un estilo que definiría las bases del Hard Rock y posteriormente el Heavy Metal.

Click here to view the embedded video.

John Bonham nació en Redditch, Inglaterra el 31 de Mayo de 1948. Desde temprana edad empezó a tocar la batería y desarrolló un estilo muy particular al tocar. A mediados de 1968 se une a Led Zeppelin.

Rápidamente la banda alcanza la fama y empieza a realizar giras multitudinarias en Europa y Estados Unidos. Se destacan de manera especial él y Jimmy Page al demostrar un dominio absoluto de sus instrumentos y la potencia que logran durante sus conciertos. Luego Bonham dejará como marca registrada su velocidad, sus remates y su genial improvisación. Sin embargo, lo que más destacó fue la fuerza con la que golpeaba los tambores, la cual no era habitual en los percusionistas de la época.

“En una ocasión le pidieron que se fuera del Birmingham Studio porque tocaba demasiado fuerte como para ser soportado por el dueño, quien incluso le dijo que no habría futuro para un baterista como él. 10 años después, el dueño del estudio recibió una nota en la cual se leía “Thanks for the career advice…”, siendo acompañada por un disco de oro de Led Zeppelin.”

Led Zeppelin dominó la década de los setenta con su música. Llegaron a vender más de 300 millones de álbumes a nivel mundial. Sin embargo para 1978 la banda estaba pasando por una crisis debido a la muerte del hijo de Plant, debido a una afección estomacal. Por su lado Page y Bonham presentaban problemas de adicción a la heroina y al alcohol respectivamente. Superados los problemas la banda vuelve a las giras europeas y había planeado girar en Estados Unidos para mediados de Octubre de 1980.

Lamentablemente nunca se pudo realizar esa gira ya que John Bonham fue hallado muerto en la mansión de Jimmy Page. Él había ingerido cuatro vodkas cuadruples (16 shots – 450 ml) cuando paró para tomar un desayuno antes de ir a ensayar para la gira norteamericana, que empezaría pronto.  Por la noche, pararon los ensayos en Bray Studios y se dirigieron hacía la mansión de Page, donde finalmente se quedó dormido. Al día siguiente a la 1:45 pm, John Bonham fue encontrado por Benji Le Fevre (manager de tour de los zepp) y por John Paul Jones. La causa de su muerte fue asfixia por ingerir su propio vómito. La autopsia no reveló presencia de otras sustancias en el cuerpo de Bonham.

Luego de la muerte de Bonham se especularon nombres para reemplazarlo en Led Zeppelin pero nunca se concretó inclusión alguna. El 4 de diciembre de 1980 se hizo público un comunicado de prensa que decía lo siguiente:

“Queremos dar a conocer que la pérdida de nuestro querido amigo y el profundo respeto que le tenemos a su familia, juntamente con un sensación de plena armonía sentida por nosotros y nuestro representante, nos ha llevado a decidir que no podremos continuar como estábamos.”

Led Zeppelin

Click here to view the embedded video.

Bonham fue reconocido por aficionados y colegas como un gran músico. John Paul Jones, quien tuvo una relación muy cercana con él en la sección rítmica de la banda, señaló que Bonham era “el sueño de un bajista” ya que era capaz de mantener una comunicación adecuada en las presentaciones, que siempre tendían a la improvisación. Así, de la manera más absurda terminó la vida de uno de los mejores bateristas de todos los tiempos. Por suerte para nosotros, la música de Led Zeppelin seguirá sonando por mucho tiempo más.

Click here to view the embedded video.

No hay artículos relacionados.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

No hay artículos relacionados.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Ecuador no será el paraiso prometido pero si un país que ha esperado durante años para ver a uno de los músicos latinoamericanos más originales de los últimos tiempos: Draco Cornelius Rosa. El puertorriqueño visitará por primera vez el país este 27 de mayo en el marco de su gira “Vagabundo por el mundo”.

Desde sus inicios hasta su actualidad musical Robi ha ido evolucionando su sonido hasta convertirlo en su propia rúbrica. La música de Draco recoge influencias muy variadas que van desde la música popular puertorriqueña, pasando por Led Zeppelin, The Beatles, la salsa “oscura y agresiva”, hasta bandas y solistas latinos como Sumo o Luis Alberto Spinetta.

En su juventud Draco fue parte de Menudo, grupo que abandonó porque no le fue permitido colaborar con temas propios. Luego de esto se mudó a Brazil y realizó un par de trabajos en idioma portugués. A su regreso a Estados Unidos (donde vivió durante su infancia) formó  Maggie’s Dream, banda que fusionaba elementos pop con ritmos latinos y funk. Esta banda lanzó un disco homónimo. Luego de esta etapa Draco se dedicaría de lleno a su carrera en solitario, editando hasta la fecha alrededor de siete álbumes, entre los que destacan Frío (1994), Vagabundo (1996) -considerado uno de los mejores discos de rock latinoamericano-, Mad Love (2004) y El teatro de lo absurdo (2007). Robi estará en Quito presentando su último trabajo Amor Vincit Omnia y tocando un repertorio con sus temas más populares.

La música de Rosa es excelente, no se enmarca en un solo estilo y cada obra que presenta es única y diferente a la anterior. Este 26 de mayo tocará en Cuenca y el 27 a las 20h00 se presentará en Punto G music Hall (Iñaquito entre Villalengua y Naciones Unidas). Las reservación de entradas se pueden realizar en los locales de Converse de la av. Colón, el local del Condado Shopping y el local ubicado en Villa Cumbayá. Los precios de las entradas son: Club: $25 Dark box: $35. Un precio accesible para un gran show. Sin más palabras les dejo algunos videos que revelan la evolución musical de Draco Rosa.

Click here to view the embedded video.

Click here to view the embedded video.

Click here to view the embedded video.

Click here to view the embedded video.

Otros artículos relacionados:

1. Adrenalina en Ecuador
2. Toño “Made in Ecuador”

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.