“El cine es una cinta de sueños” decía Orson Welles y, justamente, es ése el objetivo de filmar. El cine es una ilusión de la realidad, concepto que atrapó Georges Méliès, ilusionista y cineasta francés, que llenó de magia los primeros pasos del séptimo arte.

El cine no surgió mágicamente de la noche a la mañana, pues, a lo largo de su historia, contó el aporte de  muchos  investigadores y artistas.  El cine comenzó como un experimento que buscaba proyectar secuencias de imágenes. En 1894, Thomas Edison puso a la venta el primer producto de la industria cinematográfica,  el kinetoscopio, aparato que terminó confinado en los estudios, ya que resultó engorroso y pesado para el espectador. A finales del siglo XIX,  Louis Nicolas Lumière y Louis Jean Lumière crearon el  cinematógrafo, un proyector  que superó las realizaciones de sus predecesores. La perfección técnica del invento de los hermanos Lumière hizo posible el sueño de proyectar imágenes en una pantalla, que el 28 de diciembre de 1895 se materializó con la primera proyección cinematográfica.

 Los Lumière grabaron cintas de 17 metros y crearon los primeros géneros cinematográficos, como el cine documental y el de comedia. Con ello hicieron del cine un sistema de  instrucción y enseñanza. Sin embargo, Georges Méliès, director de un teatro en los bulevares parisenses, se encargó de convertir al cine en un espectáculo y arte narrativa.

Retrato de Geroges Mélies

Georges Méliès asistió a las primeras presentaciones del cinematógrafo de los Lumière en los sotanos del Grand Café de París. Ahí comprendió que el cine debía emplear todos los recursos del teatro: actores, trajes, decorados, maquillaje, trucos, intriga dramática, etc.   Méliès intentó comprar el cinematografo pero los hermanos Lumière se rehusaron, en consecuencia,  adquirió uno en la casa William Paul, en Londres, y lo hizo adapatar para la toma de vistas cinematográficas.

Méliès es recordado como un “mago del cine” porque incluyó técnicas que acercaban a sus filmes con los espectáculos del ilusionismo. El dramaturgo fue  el primero en realizar películas que duraban más de 10 minutos e innovó el uso de efectos especiales mediante los recursos de la maquinaria teatral y técnica cinematográfica. Descubrió el stop trick  y  fue uno de los primeros cineastas en usar los fotogramas coloreados a mano.  Méliès creó el  primer estudio de cine, que combinaba la escena teatral con el laboratoio fotográfico.  Sus primeras obras fueron   L´Affaire Dreyfus en el plano de la representación de lo real y en lo fantástico incursionó con La cenicienta, Barba Azul, Caperucita Roja, entre otras.

En 1902, Méliès triunfó con su gran producción de ficción inspirada en Julio Verne y H.G. Wells, El viaje a la Luna, pues vendió docenas de copias del filme principalmente en Inglaterra. Esta película fue re-adaptada por Edison y por otras firmas que vendieron centenares de copias. Méliès , que ya tenía representantes en Londres, abrió una sucursal de su estudio en Nueva York . Gracias a su éxito el cine se volvía internacional.

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A pesar del triunfo de sus películas, Méliès fue acosado por las deudas en 1923 lo que le llevó a vender sus propiedades. En 1925, se casó con  Jeanne d’Alcy  y  juntos se ocuparon de una tienda de jugetes y dulces en  la estación de Montparnasse. Más tarde su obra fue  re-descubierta y admirada por la vanguardia cinematográfica francesa. En 1931,  Méliès fue reconocido con la Legión de Honor. Entre 1932 y 1938, vivió en el Castillo de Orly junto a su esposa. Méliès murió en el hospital Léopold Bellan de París en el año de 1938.

Georges Méliès fue el creador del cine de espectáculo e introdujo el arte narrativa en sus películas, fue su habilidad de trasformar la realidad a través del cine  lo que le convirtió en el gran mago del cine.

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Para Diego Coral, no hubo un momento preciso en el que quisiera hacer cine; sin embargo, en sus años de colegio iba comprendiendo que lo que más le interesaba era capturar la memoria, y  a la vez, tener la facultad de crear recuerdos; qué mejor que el cine para llevar a cabo ese deseo. Es así que Diego se inicia en esta carrera mediante la fotografía fija y el “filmar la vida”.

Lo primero que le llevó a acercarse al séptimo arte fue la literatura, después llegaría el teatro (actuación), y por último  la fotografía. American Beauty (Sam Méndez) y El Hijo de la Novia (Juan José Campanella) fueron los filmes que inspiraron a Diego Coral y lo ayudaron a introducirse en el mundo cinematográfico. De igual forma contribuyeron experiencias aisladas, como ver obras de teatro profesionales como las de Malayerba. No obstante, un curso de tres meses que tomó en lo que antes era la Escuela de Cine de Camilo Luzuriaga y de Lizeth Cabrera, fue para Coral el descubrir su vocación por el cine y por la actuación. Coral percibe al cine como un encuentro con uno mismo: “lo que me ha llenado del cine es ese tratar de encontrarme, exponerme, en conjunto, es casi una esquizofrenia (…) evidenciada en el actor”dice, y considera  a la actuación como el trabajo de vivir.

Diego Coral en la filmación de Los Canallas

Diego Coral fue el realizador de la tercera parte del filme Los Canallas, rodada durante el tercer semestre de carrera,  y nos cuenta que antes de llegar a este  proyecto, que nació en Incine, ya había rodado, junto con sus compañeros, alrededor de seis cortometrajes, entre documentales y ficciones. El camino ya estaba definido para el filme y algunas inquietudes ya habían sido resueltas. “La experiencia fue interesante, porque a la hora de escribir el guión comenzamos a ver que podíamos hacer un largometraje.” Los Canallas se centró, principalmente ,en el desarrollo del conflicto, mas no en lo que concierne a la composición de los cuadros, ni a la forma, ni a los personajes;  no se quería una “homogenización” en la obra, por ello la película contaba con estéticas  claras y un guión definido, propios de cada parte. Los Canallas fue considerada por sus realizadores, como un éxito en el cine local, hecho que Coral y sus compañeros no esperaban.  Sin embargo, el actor y director considera que en la carrera del cine,  la ausencia de una cultura y una tradición cinematográfica dentro del país, tanto dentro de los espectadores como los realizadores, es un gran obstáculo que ha impedido que se construya una firme industria del cine.

A Diego Coral le atraen, más que el cine en sí,  el cómo se hacen las películas. Se siente fascinado por el trabajo de Ingmar Berman, de Andrei Tarkovsky y  de Luis Buñuel, su forma de concebir el cine y  la vida. Asimismo le impresiona la dirección de Darren Aronofsky en  El Cisne Negro y en El Luchador.Admira también a Sam Méndez. Coral siente atracción por el  el cine de autor y el cine latino. En lo que respecta a actores admira el trabajo de Meeryl Streep, porque desempeña papeles impecables sin importar el guión que le den.

Actualmente, Diego Coral es profesor de actuación en la UDLA y en  In Cine. Además es  fotógrafo de foto fija.

¿Es San Valentín y no sabes qué hacer? Restaurantes y centros comerciales ofrecen una infinidad de opciones para pasar una agradable velada en compañía de los amigos o de esa persona especial. Sin embargo, si la billetera está vacía, pasar una tarde en casa viendo películas o cantando en el karaoke puede ser una buena opción. Pero si quieres ser más romántico(a), ¿qué tal una salida al parque o una cena casera? El objetivo de este día del año es compartir un pedazo de tu tiempo con los que más quieres.

EL IMPERDIBLE te da cinco alternativas para que este 14 de febrero sea inolvidable:

1. Cena romántica en un restaurante: El 14 de febrero no hay nada mejor que llevar al enamorado(a) o a la persona que te gusta a comer en un lugar al que no van todos los días.  Crepes & Waffles, Noe,  Archie’s, son algunos de los locales clásicos para celebrar este día. Una buena comida más un ambiente diferente son los ingredientes perfectos para tener una cita ideal.

2. Cena romántica en casa: Si el presupuesto es corto, no hay nada mejor que cocinar y comer en casa. Tanto él como ella pueden colaborar en la preparación de la comida que más les guste a ambos. Picando y mezclando ingredientes se puede pasar un momento agradable y entretenido.

3. Tarde de cine: Esta es una buena alternativa para pasar el Día del Amor y la Amistad. Los filmes románticos y de suspenso son ideales para disfrutar de la compañía del otro en la sala de cine. Lo importante es comprar los boletos a tiempo para evitar discusiones a causa del descuido de uno de los miembros de la pareja.

4. Patinaje en hielo: Esta actividad no es exclusiva de las parejas. Ir con los amigos a resbalarse en el hielo (o ver a otros resbalarse) puede resultar divertido.  No importa si eres principiante o experimentado en este deporte,  el fin es disfrutar del ambiente helado del lugar, entre risas y caídas.

5. Tarde de pizza entre amigos: ¿Qué mejor opción que comer un enorme pedazo de pizza en compañía de los ‘panas del alma’? Alrededor de una pizza familiar y un litro de gaseosa se pueden dar las más inesperadas conversaciones. Además se recuerdan viejas experiencias y se confiesan los secretos más guardados.

Pese a toda la mala fama que tiene el día de San Valentín, por alentar al consumismo, es uno de los días en los que la gente regala un poco de su tiempo a quienes más estima y comparte con ellos comidas y presentes simbólicos.

El cine experimental debe atravesar constantemente por la experimentación cinematográfica para innovarse; sin embargo, la sola aplicación de un experimento no define al trabajo audiovisual como cine experimental.

Que un filme sea de tipo experimental supone, ante todo, que la propuesta del ensayo cinematográfico se concrete como estructura, es decir, no únicamente como un destello, como un adorno dentro del filme, sino como un elemento que defina al proyecto, que finalmente construya también su fábula y  discurso. Así, por ejemplo, aun cuando el Moulin Rouge (Molino Rojo), de Baz Luhrman, proponga y maneje algunos experimentos narrativos descabellados, está lejos (desde este punto de vista) de que pueda considerársele cine experimental.

D.W. Griffith es considerado uno de los padres del Cine Norteamericano

La mejor forma de marcar estas diferencias, entre el mero experimento y lo experimental, es echando mano de la historia del cine para, mediante este mecanismo, conformar una lista de películas que puedan hablarnos más claramente sobre esas diferencias:

El nacimiento de una nación (1915), de D.W. Griffith, nos hace asistir a otro nacimiento, al del montaje paralelo, algo que tampoco puede obviarse es el lenguaje dinámico que propone a través de la alternancia entre los primeros planos y los generales. Si pensamos que el experimento debe atravesar al filme como estructura para definir a un proyecto como experimental, esta película, indudablemente, cumple con ese requisito, pues toda ella se construye con un concepto rítmico de narración, con el concepto naciente del montaje paralelo.

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Luis Buñuel y la marca ineludible de lo experimental en su cine con Un chien andalou (Un perro andaluz) en 1929, totalmente terminada solo hasta 1960, con algunas incorporaciones musicales. Este cortometraje presenta lo experimental mediante la incorporación del surrealismo en su forma pura, es decir, con su parcial ilegibilidad y altísima carga simbólica en lo narrado.

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Saltamos 63 años de historia cinematográfica y nos centramos en el cine de Tarantino que se define, en gran medida, desde su ópera prima, Resevoir Dogs (Perros de Reserva, 1992), donde plantea el sello indiscutible de cine experimental a su propuesta: una construcción discursiva posmoderna, una historia lineal que fragmenta y (re)acomoda de manera, aparentemente, caótica; toda una nueva visión narrativa que emula la actual condición a la que estamos sujetos en la era de la T.V.: la velocidad del zapping, propuesta evidenciada de forma más concreta en su segundo filme Pulp Fiction (Tiempos Violentos, 1994).

Año 2000, el año de Memento, filme de Christopher Nolan que incorpora la técnica literaria de la narración en abismo: racconto (en cine),  por el verbo francés raconter (recordar, contar). Una historia que se desarrolla discursivamente desde atrás hacia adelante, y aunque Irreversible, de Gaspar Noé, en 2002, haya postulado una película hecha puramente con esta técnica, Memento es un filme mucho más memorable, pues además construye una historia pulidísima, apasionante, sorprendentemente intrigante.

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El arca rusa (2002), de Alexander Sokurov, es otro logro experimental del cine con su auto-impuesta limitación narrativa: un solo plano secuencia encerrando todo el filme, 96 minutos sin un corte. Y aunque hasta el final esta película nos parecía apenas una experimentación en el cine, finalmente consideramos necesario incluirla en esta brevísima lista icónica, a manera de “películas que debes ver antes de morir”, pues aquella decisión de construir un filme sin cortes, una narración ininterrumpida, marca, necesariamente, a toda la estructura y el concepto de este filme.

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Paz Encina

Paz Encina es otro  de los grandes nombres del escenario cinematográfico (la más reciente y, hasta el momento, la última); realizadora a través de la cual puede marcarse uno de los acercamientos más serios a lo “experimental” y al verdadero cine. Esta directora paraguaya, que no ha necesitado más que de un largometraje para reclamar un puesto fijo en los festivales de cine “alejados” del Oscar, marca con su ópera prima, La hamaca paraguaya, un nuevo sistema narrativo, plantea un giro tan sorprendente que quizá todo el presente artículo pudiera haberse resumido en el link que apunto a continuación: http://bit.ly/mSnEuk

La lista, en realidad, es mucho más extensa, muchísimo más, pero esta aproximación puede ser un buen inicio, uno que al menos nos presente a este cine que propone nuevos sistemas narrativos. Sobre todo, es un acercamiento para no confundirnos, para no etiquetar como cine experimental a propuestas que sólo plantean lo grotesco en sus historias o estéticas; un acercamiento para reconocer en lo experimental un trabajo intelectual más profundo que lo sencillamente osado. Finalmente, es un acercamiento para entender que este tipo de cine plantea una intervención sobre la estructura discursiva de un filme.

La literatura latinoamericana ha sido llamada por muchos: “mágica”. El conocido realismo-mágico, que se hizo famoso durante la época del “boom”, parece ser un reflejo de nuestra forma de ver la vida, una vida, en muchos sentidos, cinematográfica.

La Dra. Lourdes Pérez explicó las relaciones entre Cine y Literatura en Latinoamérica

En el auditorio de la Facultad de Comunicación, Lingüística y Literatura, del lunes 25 al jueves 28 se dio lugar al Festival de Cine Latinoamericano, organizado por la Coordinación de Español para extranjeros.

Con una de las obras literarias más acogidas de todos los tiempos, El coronel no tiene quien le escriba, el festival de cine se inauguró a las 5:oo pm.  Durante las funciones se contó con la selección de películas muy exitosas que, con el pasar de los años, se han llevado el título de formar parte de los clásicos. El coronel no tiene quien le escriba,  El beso de la mujer araña, Doña Flor y sus dos maridos y Contigo en la distancia son las obras literarias que fueron exitosamente adaptadas al cine y se presentaron durante el festival. La directora de la Escuela de Comunicación, Lourdes Pérez, añadió que el festival tuvo dos objetivos: interesar al público univesitario acerca de la literatura en el cine y ofrecer una nueva herramienta de aprendizaje para los estudiantes extranjeros.

El último día del festival se concluyó con un foro que contó con la participación de la doctora Pérez , quien expuso datos muy interesantes sobre el cortometraje, Contigo en la distancia, dando paso a un foro entre estudiantes y profesores. La ponente ofreció un esplendido panorama acerca del tema que se maneja en el corto y argumentó acerca de la tradición en las obras literarias adaptas al cine.

La Escuela de Comunicación planea organizar más proyectos cinematográficos con el fin de integrar a los estudiantes para complementar sus estudios y para ampliar los espacios  culturales en la universidad.

Cine realista, cine fantástico

El Beso de la Mujer Araña, adaptado de la novela de Manuel Puig por Héctor Babenco (1985)

Una historia de amor suspendida en el tiempo, muchos años de espera para que dos amantes se encuentren. Un argumento en apariencia telenovelesco, pero ¿quién se podría imaginar una separación originada porque uno de ellos puso demasiada goma en una carta que se quedó pegada en un buzón? Este es precisamente el argumento de Contigo en la distancia, un cortometraje escrito por el famoso Gabriel García Márquez como parte de un intento por llevar el cine a la televisión comercial en los años 80. El estilo de su autor se aprecia claramente en esta historia que grita realismo-mágico en todos sus planos.

¿Qué es el realismo-mágico? Es una forma de ver la vida, comúnmente atribuida a los latinoamericano, en la que lo real y los fantástico se confunde. Para nosotros, que un carta se pegue a un buzón, o un exmilitar que se pase la vida esperando noticias de su jubilación no sólo es posible, sino que forma parte de nuestra cultura, de los relatos y ficciones que creamos a diario. Luis Molina, el personaje principal de El beso de la mujer araña, representa esa capacidad fantasiosa que es tan apreciada. Huir de la realidad a través de las películas, de romances distantes en tiempos de guerra o de seres fantásticos que habitan una isla lejana, es su vía de escape al encierro, a la soledad. De igual forma, el latinoamericano crear sus pequeñas ficciones para alejarse de la crudeza de su existencia.

Nuestra Literatura y nuestro cine se alimentan de este escape fantasioso, por eso están tan íntimamente ligados. La espera es otro leit motiv importante que produce la fantasía. Un coronel que espera su pensión, un homosexual que sueña con su príncipe azul, una mujer que busca un cambio de vida u otra que recuerda su primer amor. Todos son personajes productos de la espera, del deseo irrealizado y, por eso, la magia de nuestras ficciones reemplazan o se unen a la realidad con una hermosa paciencia.

Es así que el cine latinoamericano, así como su literatura seguirán unidos y se alimentarán de nuestra realidad, que no dejará nunca de ser mágica.

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Po-Poc ha sorteado más de una aventura, no solo a través de la misteriosa selva del lejano mundo en que vive, sino desde el instante en que salió de la cabeza de sus creadores hace más de un año.

Desde entonces, este cortometraje animado llamado Po-Poc, como su emplumado héroe, se ha ido convirtiendo, quizá, en el proyecto más ambicioso en el mundo de la animación dentro del país.

Se trata pues, de la ópera prima de la joven productora el Hombre Invisible, un grupo de profesionales y creativos con una visión bastante clara: llegar a producir la primera serie animada del Ecuador. Esa es la gran misión de Po-Poc, nuestro emplumado amigo, quién al atravesar por los retos más inimaginables no solo nos probará su valor, sino que nos permitirá echarle un vistazo a su mundo, a su exótica vegetación y a sus intrépidos cazadores que habrán de perseguirlo obstinadamente hasta lograr atraparlo.

El mundo de Po-Poc

Nunkai es un lejano mundo, alumbrado por dos estrellas, en donde se desarrolla esta fantástica historia. Sus árboles son antiguos y tan altos que casi tocan el cielo. Cientos de ríos corren a través de las frondosas selvas que cubren la tierra, en las que habitan las criaturas más inimaginables: desde una curiosa vegetación carnívora que tiene más de un truco bajo sus hojas para atrapar a sus presas, hasta un enorme Qumaki llamado Urhu; mítica criatura de dicha selva, de aspecto similar al de un gorila, que es secuaz y amigo de un astuto niño llamado Unup.

Son estos dos últimos personajes las más enigmáticas criaturas de todo este universo, desde luego sin que por ello pierda mérito alguno nuestro querido amigo Po-Poc. Unup es hijo de Unush, el gran creador de los mares y la tierra y de cada estrella que habita el cielo; es bastante listo y usará todo su ingenio para atrapar al escurridizo Po-Poc; en parte porque es una de las más deliciosas aves de este mundo, y otro tanto, como parte de su camino por esta misteriosa tierra. Y finalmente Urhu, quien por tener un origen menos extravagante no es menos importante, será el leal compañero de Unup en sus andanzas por la selva, tal vez no sea muy listo, pero su ingenuidad la compensa con su extraordinaria fuerza y su noble corazón.

Queda claro que Po-Poc deberá valerse de toda su habilidad y cruzar sus plumas si quiere salir vivo de ésta. Sin embargo, conociéndolo, podemos estar seguros de que saldrá bien librado de todos los peligros que pueda encontrar en su camino.

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El futuro de la animación

Un nuevo mundo lleno de posibilidades se empieza a desarrollar en el país, nos referimos a la animación desde luego. Los primeros pasos ya se han dado, pero son propuestas como las del Hombre Invisible, las que permiten vislumbrar un futuro prometedor para éste género dentro del medio audiovisual. El reconocimiento que han tenido al haber ganado la convocatoria del CNC (Consejo Nacional de Cine) durante dos ocasiones seguidas, la primera gracias a Po-Poc, y la segunda con Cincópata, dan cuenta no solo de que en el país se estén desarrollando propuestas de animación, sino que éstas son reconocidas por su gran aporte a la identidad nacional en aspectos culturales, así como en la difusión de valores y otros rasgos importantes de nuestra sociedad.

Equipo de El Hombre Invisible

Estreno

Po-Poc saltará a la gran pantalla el dieciséis de diciembre de este año junto a “Pescador” de Sebastián Cordero, en las principales ciudades del país y en casi todo el litoral. El cortometraje, que se exhibirá previo a la cinta de Cordero, traerá a la vida la visión del equipo de profesionales que conforma al Hombre Invisible. El camino ha sido largo y parece llegar a su fin con el tan ansiado estreno, sin embargo, es apenas el principio de una larga crónica aún por escribirse. Y la historia de la animación en el Ecuador habrá de recordar que todo empezó el día que un ave (¡sí, un ave! nos referimos a nuestro querido Po-Poc) tuvo el valor de volar más alto y más lejos que ninguna otra.

Es época de vacaciones; !viva el descanso! Y con tanto tiempo libre, entre los viajes y las mañanas interminables en la cama (al menos para los afortunados que no tuvieron que trabajar), el cine se convierte en una manera más que recomendable para llenar una tarde de entre tantas de desocupación. Y hay que reconocerlo, cuando salimos a los cines con nuestros amigos son contados los casos en los que queremos ver una cinta del calibre de Ingmar Bergman o del mismo Wong Kar-Wai, que si bien son sumamente interesantes y abren nuestra mirada hacia conceptos completamente nuevos, no suelen ser una forma de “distraerse en grupo”…

Por esa razón, los estudios hollywoodenses “se ponen las pilas” y dejan los super estrenos de las megaproducciones para esta época del año. Una salida entre amigos para ver al superhéroe de nuestro comic favorito o la pelea del mago que encantó a toda una generación genera muchísimo dinero para la industria cinematográfica (más si tomamos en cuenta el costo de la comida y las entradas en un fin de semana para aquellos que queremos ser los primeros en haber visto la película). Es así que propongo un pequeño recuento de lo que vimos (o no) este verano gracias a nuestras “queridas” productoras norteamericanas.

Arriba los superhéroes

Y bueno, uno de los géneros más comerciales y lucrativos es de los comics en la gran pantalla. Desde que en 1977 un desconocido Christopher Reeves sorprendiera al mundo volando en los calzoncillos del no tan desconocido “hombre de acero“, los superhéroes han inundado las salas de cine de todo el mundo con los fieles seguidores de las historietas.

Este año, la recién formada Marvel Studios (de los famosos Marvel Comics) se mostró muy prolifera con tres cintas de acción que exploran los inicios de algunos de sus más queridos personajes.  Primero fue Thor, la historia del mítico dios del rayo escandinavo que fue exiliado en la Tierra por haber desobedecido a su padre Odín (padre de los dioses). La mezcla entre el clásico estilo del director Kenneth Branagh y el actor Anthony Hopkins, con los modernos Chris Hemsworth y Natalie Portman dieron como resultado un film bastante aceptable, con buenos efectos especiales y una trama que no llega a concretarse, pero con un buen proposito.

Después fue X-Men: First Class y debo decir que cumplió con los deseos de los fanáticos y con aplausos. Es posiblemente, la mejor de toda la franquicia; pese a no ser muy apegada al comic original, el relato de los orígenes de estos “mutantes” dio un vuelco cuando los situaron dentro de un episodio muy importante de la Guerra Fría. Personajes recordados que no encontraron espacio en las partes anteriores aparecen junto con un duo magnífico: Magneto (Michael Fassbender) y el Profesor X (James McAvoy).

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Capitán América fue la tercera. “El primer vengador” es una cinta que puede ser mal interpretada como propaganda pro Estados Unidos, pero quien conozca la historia del personaje sabrá que ese fue precisamente su proposito como ícono durante la Segunda Guerra Mundial Además, tanto Thor como ésta son apenas anticipos que preparan el camino para un estreno muy anticipado: Los Vengadores. El mayor grupo de héroes de Marvel se espera que llegue a la pantalla el próximo año, junto con otros personajes como Iron Man y Hulk.

Finalmente, un superhéroe que esperó décadas para llegar al cine hizo una “brillante” entrada: Linterna Verde. El personaje de DC Comics, y una de los más conocidos miembros de la Liga de la Justicia, no decepcionó a los fans. Una buena adaptación (lo que no significa completa fidelidad) que recoge varios pasajes y personajes importantes del mito del “guerrero esmeralda”. Buenos efectos visuales y un relato que deja con ganas de más hacen de ésta un filme bastante entretenido que vale la pena ver en el cine.

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Imagine la posibilidad de entrar en los sueños de otras personas y poder compartirlos, ¿qué es lo que podría encontrar dentro del subconsciente humano? Christopher Nolan (Batman Inicia) dirige El Origen, filme que combina efectos visuales y una historia bien pensada junto a un electo liderado por Leonardo Di Caprio.

Dom Cobb (Di Caprio) es un ladrón de ideas profesional con un pasado traumático y cuyo mayor deseo es regresar con su familia. Para conseguirlo, acepta la oferta del magnate Saito (Ken Watanabe) de originar una idea dentro de la mente del hijo de su mayor rival para destruir su monopolio energético. Cobb deberá reunir un equipo con los mejores constructores de sueños y penetrar en un laberinto mental en el que tendrán que

El Origen es más que un simple film de acción. La película juega con las percepciones de la realidad – como lo han hecho otras cintas como Matrix – y manipula conceptos y símbolos propios del psicoanálisis, en una brillante exploración del subconsciente. En sí misma, la narración está estructurada como un laberinto, con historias dentro de otras historias, lo que requiere la concentración del espectador para no perderse. Sin embargo, no por esto resulta menos entretenida ya que presenta secuencias de acción y un despliegue de efectos visuales alucinantes.

La cinta estuvo nominada a ocho premio de la Academia, incluyendo “Mejor película” y “Mejor guión original”. Finalmente, ganó cuatro por mezcla y edición de sonido, fotografía y efectos visuales. Además, la crítica y los fanáticos la colocan en la cima de las cintas de 2010, junto al Cisne Negro y Red Social.

El presupuesto de la película ($160 millones) fue aprobado gracias al éxito de Nolan con la saga de Batman. Sin duda, esta película es un logro de su director, quien ha demostrado que es posible crear cintas taquilleras que también sean estimulantes intelectualmente.

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El maestro narrador

Christopher Nolan es considerado uno de los mejores directores estadounidenses de los últimos tiempos, es comparable, incluso, con el mismo Scorsese por el ingenio y la estética de sus películas. Comenzó a rodar sus primeras cintas en formato de 16mm mientras estudiaba en la Universidad de California (UCLA); aquí rodó su primer largometraje: Following (1998), un thriller  que no contó con ningun presupuesto, pero que dio la vuelta al mundo en los festivales.

El 2001 sería el año que lo lanzaría a la fama. A partir de un cuento corto escrito por su hermano Jonathan, Nolan dirigió Memento. La cinta fue protagonizada por Guy Pearce y cuenta la historia de un hombre que perdió la memoria, pese lo cual, pretende encontrar al asesino de su esposa. Este film de detectives posee varios elementos que la hacen interesante (como los mecanismos de recordatorio o mementos), pero su mayor innovación fue su estructura narrativa. Está contada de final a inicio, con secuencias e historias que se entrelazan. Es decir, conocemos el desenlace, lo interesante será conocer el comienzo que lo condujo.

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La cinta fue aclamada por la crítica y los fans, ganando el Waldo Salt para guionistas en el Festival de Sundance. Con este debut, Nolan tuvo mayores libertades para producir películas comoThe Prestige e Insomnio, entre otras. Su estilo se impuso y gracias a él, Warner lo contrató para dirigir Batman Begins en 2005. El fim y su secuela, The Dark Knight, fueron todo un éxito. Se trató de una reinvensión del personaje más cercano a la adaptación de Frank Miller en Batman: Year One (1992) que a sus predecesoras. Un todo oscura y mucho más realista llegaron incluso a valerle un Oscar al fallecido Heath Ledger por su papel como The Joker.

Finalmente, el año pasado estrenó Inception siguiendo su estilo de juegos narrativos. Si en Memento jugó con una historia en reversa, en El Origen llegó aun más lejos con una estructura de historias sobrepuestas y explotadas de la manera más visual posible. Nolan es, sin duda, un director con un estilo propio, que toma riesgos y y lleva sus filmes a extremos inimaginables…

El encuentro se dio en el barrio La Floresta,  justo en el momento en que Mimmo regresaba a casa luego de dar un paseo con Max, su perro. Llevaba un cigarrillo en la mano y mientras encerraba al bóxer, que no se veía muy contento con mi presencia, lo apagó para entrar enseguida a la sala. Desde el sillón en el que me encontraba, se podía observar al fondo un estudio de fotografía. Mimmo me contó después que solo lo utiliza para dictar clases particulares. Comenzamos hablando sobre la vez en la que le asaltaron afuera de su casa mientras salía a ver a unos amigos suyos; en esa ocasión perdió una de sus cámaras y dos celulares.Uno de los ladrones le apuntó la cara con una pistola, de la cual recuerda varios detalles: “era plateada y hasta me fije en los tornillos que tenía”.

Mimmo Privitera llegó al Ecuador hace más o menos veinte años. Su principal actividad actualmente es la docencia en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador. Fue profesor en la Universidad San Francisco, y dicta seminarios en la Universidad San Gregorio de Portoviejo. Hace publicidad para algunas agencias y clientes particulares, y trabaja como director de fotografía en proyectos de cine.

Llegó a Ecuador desde Sicilia por un trabajo que tenía con la embajada de Italia en comunicación para el desarrollo; primero estuvo dos años en Perú y tenía como opción viajar a África o  Ecuador. Luego de seis años de vivir aquí, casado y con su primera hija, Martina, le fue imposible continuar en la embajada.Probablemente su próximo destino hubiera sido Mozambique. “Ya haces tu vida, ya te quedas, era complicado irse”. Por suerte, ganó un concurso importante con el Municipio de Quito y estuvo a cargo de tomar las fotografías, alrededor de 20 000, para el primer censo cultural.

Antes de dedicarse a la fotografía, estudió electrónica durante cuatro años. Un año antes de acabar la carrera, se dio cuenta de que eso no era para su vida. Entró a la Academia de Bellas Artes en Italia para estudiar cine y fotografía. En este momento, la lluvia interrumpió la conversación: las gotas caían con fuerza y haciendo mucho ruido sobre el techo del estudio de fotografía. Era muy difícil escuchar lo que Mimmo contaba.

Tras esta pausa él retomó su historia; le dijo a su mamá que no le pagara la universidad y entró a trabajar para continuar con su decisión de cambiar de carrera. Todavía le encanta la electrónica, dice que todos los aparatos que llegan a sus manos alguna vez los abre; además cree que le sirve mucho para su trabajo. Para él, es importante ese cambio de lo mecánico a lo digital y cree que es un cambio mental. Su tiempo era mecánico, pero hoy en día todo pasa a través de la electrónica “mueves un mouse y generas una serie de efectos en la computadora que son increíbles”. Una anécdota que recuerda de una clase que dictó a unos “viejitos” es que el momento en el que tenían que descargar las fotos, de la cámara a la computadora, uno de los señores quemó la tarjeta de memoria por accidente. Se le acercó con el cable en la mano, sujetando muy fuerte los extremos como para que nada se escape, y le dijo “si las fotos no están ni en la cámara ni en la computadora deben estar en el cable”. Cree que ahora ya no se piensa de una manera tan lineal, “ahora sabes q haces un cut and paste para lograr lo que quieras”.

Como profesor cuenta que la experiencia tiene altos y bajos: “Uno se mantiene todo el tiempo joven, no te permite envejecer”. Mimmo escucha la música que sus alumnos escuchan, lee lo que están leyendo y eso hace que se mantenga con una mentalidad mucho más fresca, incluso menos conformista que muchos de los jóvenes a los que dicta clases: “Esto permite que no exista ese vacío generacional; rompes con la diferencia, por una parte, y por la otra sientes esa diferencia pero de una manera distinta a alguien que no tenga contacto todos los día con jóvenes… te hace sentir como la vida pasa”.

Le encanta ver películas: mira como tres por semana. Prefiere los directores italianos y el cine europeo. El cine es su fanatismo número uno, el otro es la música. Si tuviera que hacer una clasificación, el jazz estaría en primer lugar, seguido del rock y ahora está fascinado con el trip-hop. Toda forma de arte le atrae, no solo lo visual, “el arte en general, para mi es mi amor secreto”. Cuando dicta clases, no cree en enseñar a sus alumnos a usar una cámara sino a ver, siguiendo el pensamiento de grandes artistas como Picasso, Botticelli o Miguel Ángel.

En el año 2000, Mimmo participó como extra en la película “Prueba de vida”. Recuerda esta experiencia como algo muy gracioso a pesar de que la película le pareció pésima. Cuando tenía que acercarse al casting, le pidieron que llevara un terno y llevó en una funda de Supermaxi el
único traje que tiene -“yo no soy una persona de terno”. Ese momento le compraron tres ternos en una de las tiendas más caras, algo que le pareció ridículo para una persona que iba a parecer cinco segundos en la película. “Lo único bueno era la comida, daban comida tan rica”. También disfrutó de la experiencia porque tuvo la oportunidad de compartir con sus amigos italianos durante cinco días. Ha sido actor de teatro en Italia y también en Ecuador, además ha hecho una que otra publicidad.

Escribe, pero no es tanto su pasión. “Ahora escribir, manteniendo esa filosofía de ser joven, es Twitter”. Mimmo cree que estos espacios permiten que muestres lo que a los demás les va gustando de ti. “Te das cuenta que la gente te prefiere de cierta forma y empiezas a ser el personaje que la gente quiere que seas… Cada cosa q escribes es un grito al mundo para decirle yo soy así”. Cree que Woody Allen es un genio porque con su película La rosa púrpura del Cairo predijo lo que ahora sucede con las redes sociales. La gente tiene que construir algo que le guste porque no está satisfecho con lo que es. También considera que la industria del cambio extremo vende más que ninguna otra por esta misma idea. Y habló sobre la parte de Todo sobre mi madre de Almodóvar, en la que el travesti sale al escenario y dice: “Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí
misma.”

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La conversación terminó, pues Mimmo debía encontrarse con sus hijos, Martina y Mateo. La lluvia no había parado todavía. Trató de encender un cigarrillo más antes de salir pero se arrepintió; es algo que le gustaría dejar pero no lo ha logrado todavía.

En medio de una calle transitada labra un perro, un auto se accidenta y varias vidas se entrelazan de maneras completamente aleatorias. Así comienza Amores Perros, el primer largometraje de Alejandro Gonzalez Iñárritu, que marcaría su carrera y un estilo propio. Es considerado, por muchos,  uno de los mejores directores cinematográficos del mundo. Uno de los protagonistas del resurgimiento del cine mexicano y latinoamericano de los últimos años.  Sus películas, no pretenden traducir a palabras el lenguaje del cine, sino enriquecer con propuestas prácticas e innovadoras, las posibilidades de la realización cinematográfica. Es así que en su obra podemos encontrar similitudes entre imágenes-relato, valores-temores, bien-mal y muerte-vida.

González Iñárritu, inició su carrera en el mundo mediático en 1984, en un trabajo como DJ en la estación de radio WFM de México, a los pocos años se convierte en el director de la estación. Para  1988, ya trabaja haciendo la musicalización de algunos largometrajes.

Sus primeros estudios los realizó en la Universidad Iberoamericana en México, además, estudió dirección de cine en Maine y posteriormente en la ciudad de Los Ángeles, Estados Unidos.

A principios de los 90, estuvo a cargo de la producción publicitaria de Televisa. Y en 1991, creó su propia productora de cine llamada Z Films, junto a otros jóvenes cineastas, quienes, posteriormente, se convertirían en prestigiosos cineastas, como Raúl Olvera. Con el tiempo, la compañía se convertiría en una de las más exitosas productoras de su país.

En  1995, mientras realizaba un cortometraje para Televisa, Detras del dinero, con la participación del cantautor Miguel Bosé, conoció a Guillermo Arriaga, guionista y compañero con el que formó una dupla ganadora, en sus siguientes trabajos.

Rumbo al éxito

Con la ayuda de Arriaga, Iñárritu emprende uno de los proyectos más ambiosos y decisivos de su carrera: su “Trilogía de la muerte”. Tras muchos borradores y dificultades en la realización debido al financiamiento, entrenó en 2000 Amores Perros, protagonizada por el entonces desconocido Gael García Bernal. Esta película le valió un prestigio inmediato, tanto por el público como por la crítica nacional e internacional. Fue la cinta más premiada de ese año, consiguió una nominación al Oscar como “Mejor Película Extranjera”, además, ganó el premio BAFTA como “Mejor Película en idioma extranjero”, el Premio de la semana de la Crítica del Festival de Cannes y el Young Critics Award, en total 60 reconocimientos alrededor del mundo. El éxito del film se lo puede atribuir, especialmente, a la estructura narrativa. El relato fragmentado de varias historias que convergen en un mismo punto cautivo a críticos y audiencias. Este estilo marcaría en adelante la carrera de González Iñarritu y Arriaga.

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El esquema de la división del discurso narrativo fílmico,  la unión de varias líneas argumentales, pero sobretodo, por la exposición de un entorno frágil y  lleno de historias trágicas, se mantuvo como una constante en la obra de este director. 21 Gramos, fue su segundo largometraje, bajo la producción de Universal Studios y Focus Features, con la participación de  Benicio del Toro, Naomi Watts y Sean Penn, quienes ganaron los premios del festival Internacional de Cine de Venecia como mejor actuación y fueron nominados a los premios Oscar. Esta historia se centró en un grupo de personajes conectados por “un corazón”, en un fantástico ejemplo del uso de un “leit motiv”.

Su tercer largometraje culminó su famosa trilogía. En 2006, dirigió Babel, protagonizada por Gaél García Bernal, Brad Pitt, Cate Blanchet, Adriana Barraza y Koji Yakusho, que similar a sus dos primeras películas muestra un elemento común que une las historias, mostrando de igual forma la fragmentación del discurso y líneas argumentales, con la gran diferencia de ser un historia que involucra a múltiples cultura y lugares. El largometraje, ganó un el Globo de Oro en 2007 y fue candidata a seis premios Oscar, ganando solamente el de Mejor Banda Sonora de Gustavo Santaolalla.

Se puede encontrar el vínculo, al igual que en sus películas, entre las tres historias. El entrelazamiento se vuelve cada vez más sutil; un hecho, un objeto, un accidente fortuito y la teoría del caos expuesta al máximo de cómo todas las personas están interconectadas.

“Biutiful” projects

Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro

El mismo año de Babel fundó, junto a  Alfonso Cuarón y Guillermo del Toro, la productora Cha Cha Cha Films. La primera película de la empresa fue Rudo y Cursi (protagonizada por Diego Luna y García Bernal) y la dirigió el hermano de Alfonso Cuarón: Carlos.

Su última realización llamada “Biutiful”, interpretada por Javier Bardem. Esta coproducción internacional que estuvo a cargo de Menageatroz (México) y Mod Producciones (España), cuyo rodaje se desarrolló íntegramente en España. Drama ambientado en Barcelona, España y centrado en la vida de Uxbal un hombre que lucha para mantener y arreglar la vida a sus dos hijos mientras tiene que lidiar con su esposa bipolar antes de morir de cáncer terminal, su única forma de ganar dinero es el estar involucrado en la trata de inmigrantes ilegales. Fue nominada a mejor película extranjera y a mejor actuación para la academia y recibió el premio como mejor actuación masculina en los Premios Goya.

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Alejandro González Iñárritu es considerado un ícono entre los cineastas pertenecientes a una nueva generación del cine mexicano. Crea cine más allá de toda limitación nacionalista o patriota. Sin embargo, su estilo no deja de  reflejar sus raíces aztecas, lo que ha caracterizado y enriquecido a cada una de sus películas. Las historias plasmadas en ellas, se derivan de experiencias vivenciales vistas o leídas del mundo. De igual forma su práctica de nuevas tecnologías y tendencias de la sociedad global, han formado lo que es hoy uno de los mejores directores latinoamericanos, que no asume ni simpatiza con escuelas intelectuales o políticas sino simplemente con el oficio y el arte de narrar cine.

Imágenes:

http://www.peliculas.info/wp-content/uploads/2008/08/alejandro-gonzalez-inarritu.jpg

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