Tolstói Librería Independiente

A una cuadra hacia el oeste de la Casa Humboldt, sobre la Vancouver, hay un pequeño letrero blanco con letras rojas que dice: “Tolstói: librería independiente”. El lugar es un encanto repleto de buenos libros. Hay una pequeña sala consistente en dos sillas y una mesa. Nos sentamos allí con Karina. Ella ama los libros y no se considera una vendedora: los libros “se venden solos”.

¿Cómo surgió la iniciativa?

Quería algo propio. Llevaba trabajando mucho tiempo en otra librería. En el fondo, creo que es lo que mejor sé hacer. La idea surge mucho antes, en un lugar de libros usados en Estados Unidos. Estaba allí y me dije “Quiero tener una librería”. Después regresé y trabajé acá dos años y medio. Poco a poco las cosas se fueron dando, tenía una seguridad y ahora aquí estoy. El 30 de abril, Tolstói cumplió dos años.

¿Qué estudiaste?

Me gradué de Artes en la Universidad Central, en el 2004. Ahora estoy haciendo una maestría, igual en estudios de arte, allí mismo.

¿Por qué vender libros?

La verdad no creo que yo los venda, no me considero una vendedora de libros. Yo los amo, ellos se venden solitos. Siempre esa palabra ‘vender’ me da la idea de algo más comercial, y precisamente Tolstói tiene como objetivo “la difusión de libros, autores y editoriales que no tienen cabida en espacios de carácter comercial”. “Vender libros” me suena a convencer clientes, y no es algo a lo que realmente me dedique.

¿Qué clase de libros ofrece Tolstói?

Principalmente Narrativa, Filosofía, Ciencias Humanas, Arte y Fotografía. En general, los libros que ofrezco son los que me gustaría leer, pero en este momento la librería también es un medio para vivir, entonces tengo libros de autores que sé que se están leyendo actualmente, o que oigo en clases y sé que son interesantes. También me guío por recomendaciones y por la medida del interés de las personas. En un principio no pensaba mucho en el público, pero con el tiempo lo voy conociendo y hago mejores pedidos. Un ejemplo son las novedades, antes traía más novedades y salían poco. Ahora salen mejor.

¿Cuál es tu público?

La mayoría son estudiantes universitarios. Gente que se dedica al arte, al teatro. Profesores de pregrado y posgrado y gente que ama la Literatura o tiene interés en libros de Filosofía, Fotografía, Ciencias Humanas, etc.

¿Cómo opera Tolstói?

Trabajo bastante bajo pedido. Por ponerte un ejemplo, hago pedidos cada mes y medio, tentativamente unas cuatro cajas, de las cuales la mitad son libros que me han pedido. Uso también redes sociales, tengo una página de facebook y un  correo electrónico. No hago mucha publicidad, la librería es pequeña y funciona bien la difusión boca a boca. Han hecho algunos reportajes sobre Tolstói, en la revista Familia, revista Q y en El Comercio.

¿Por qué el nombre?

Porque me encanta Tolstoi, Ana Karenina… específicamente por Levin, que es el alter-ego del autor en esa novela. Me gusta mucho.

¿Qué libros recomiendas?

Curiosamente me está gustando mucho Clarice Lispector. En cierta forma es un redescubrimiento, porque antes no me gustaba y ahora la volví a leer, y me encanta y la amo. Hay por ahí también un libro de Salvador Elizondo, “Farabeuf”, que es uno de mis libros favoritos y por supuesto “Las lágrimas de Eros”, de Bataille, que me gusta mucho.

¿Qué autores tienes en Filosofía?

Tengo libros de Slavoj Zizek, Michel Onfray, Theodor Adorno, Pierre Bordieu, Gilles Deleuze, entre otros…

¿De dónde traes los libros?

Traigo libros de España, Argentina, Colombia y Estados Unidos. Quiero empezar a traer también de México.

En las mesas hay algunos buenos títulos: Mantra, de Rodrigo Fresán; El Mar De Las Iguanas, de Salvador Elizondo; la poesía completa de Sylvia Plath; El arco Iris De Gravedad , de Thomas Pynchon; Gog, de Giovanni Papini; La Educación del Estoico, de Fernando Pessoa…

Al salir, los libros me guiñan el ojo.

Lorena Cordero, foto: www.lorenacordero.com

Por afuera es un edificio como cualquiera: color amarillo, rejas cubiertas con enredaderas y un atento guardia en la entrada que me dirige hasta el tercer piso, donde Lorena me está esperando. Entro a su casa y de inmediato me traslado a una dimensión desconocida; la decoración es tan especial y cautivante, que es inevitable ser atraído por las paredes rojizas, adornadas por fotografías de algunas de las colecciones de Cordero. Al final de un pasillo se asoman unas gradas en forma de caracol. Subo cuidadosamente, pues los escalones son muy pequeños, y ahí esta ella, la autora que cautivó a muchos quiteños con su exposición “Laberinto en el Espejo”

Lorena es una persona fresca y moderna, tanto que afirma que mucha gente piensa que ella es oscura. Uno de los aspectos que más me llama la atención es su cabello: corto, rojo y con algunos mechones de colores. Cuando entro a su oficina, definitivamente, siento un ambiente acogedor y agradable. Existen dos estanterías llenas de libros, donde la fotógrafa conserva varios artículos antiguos relacionados al cine y a su gran pasión: la fotografía. Muy amablemente, y con una sonrisa, me ofrece un café que ella mismo prepara, y me invita a darle un ojo a su más reciente libro Laberinto en el Espejo, que recopila las imágenes de sus tres series: Érase una vez, Egos y Ánima.

Manuel Calisto, foto: elantemano.blogspot.com

Cuando me entrega el café me cautiva aún más. La taza, de color blanco, tiene un par de alas en vez de la tradicional oreja. Es un detalle que no puedo pasar por alto, es algo que nunca antes había visto. Mientras paso las páginas del libro, Lorena me cuenta las experiencias con cada una de las fotografías: cómo fueron tomadas, quiénes son los modelos, y, de hecho, me explica el sentido y significado de algunas que no alcanzo a entender. Mientras veo la serie Egos, me cuenta sobre su gran amigo Manuel Calisto, que falleció meses atrás. Es inevitable sentir en su voz un sentimiento de añoranza y tristeza. Las fotos fueron, quizás, las últimas en las que apareció este gran actor, al cual está dedicado el último libro de la fotógrafa. Cordero y Calisto eran grandes amigos, por tal razón fue muy duro cuando el ángel de la muerte se lo vino a llevar, como explica ella misma en la dedicatoria de Laberinto en el Espejo. Manuel Calisto es el único modelo varón que aparece en las fotografías de la serie Egos.

Su antiguo lugar de trabajo estaba ubicado en un edificio del centro histórico de la ciudad. Paredes altas, piso de madera, todo lo necesario para poder establecer un ambiente propicio para generar fotografías fuertes, con sentimiento y pasión. Lastimosamente, no era un lugar que se ocupaba constantemente, y tuvo que abandonarlo. Ahora piensa construir un estudio propio en la terraza de su casa. Desde allí, seguramente, se generarán esas fotos maravillosas que trasladan a quienes las miran a realidades completamente diferentes, inimaginadas.

Stillnes, foto: www.revistamefisto.com

Sigo recorriendo el libro hasta que llego a Ánima. Antes de ver la primera fotografía, Lorena me explica que es una serie sumamente fuerte, que demandó muchísimo esfuerzo tanto de ella, de los modelos y de todos quienes participaron en su elaboración. Ánima muestra las emociones tal cual son, la única modificación que la artista hizo a las fotos originales fue jugar con los contrastes para resaltar ciertos detalles. Para poder tomar las fotos, Cordero tuvo que trabajar con los modelos aproximadamente dos semanas antes, para que pudieran reflejar las emociones que se muestran en las fotografías.

Y es justamente de esta manera como Cordero concibe a la fotografía, como un medio de sanación.

“Para mí -la sanación- se ha dado a través del retrato. Recurro al retrato de las personas porque les pido que reflejen mi emocionalidad. Cuando utilizo los cuentos, por ejemplo,  y retrato a una caperucita llena de miedo, estoy retratando mis miedos; y al mismo tiempo esa persona que se deja retratar también tiene que sacar sus miedos (…) En Ánima, cuando utilizo los payasos como un puente para construir y destruir la máscara y retratar a la persona detrás del personaje, es utilizar las propias emociones de esa persona, trabajar antes de la toma, no es algo improvisado (…) Se vuelve más sanador aún porque las emociones son algo personal, algo íntimo”

Sigo viendo el libro y me admira mucho el maquillaje de los personajes. Aunque a Lorena le gusta mucho, no es ella quien maquilla a los modelos, pues con tantas cosas que implica tomar una foto de esa calidad, ella prefiere delegar funciones, de forma que todo salga perfecto. Cuando le pregunto sobre sus estudios, Cordero sonríe. Siendo niña, tuvo que viajar a París y realizó parte de sus estudios en esa ciudad. La universidad la cursó en Parsons, Nueva York y luego en Parsons, París. Aunque no terminó sus estudios universitarios, Cordero menciona que se encuentra haciendo lo que le gusta hacer.

“Creo que los estudios son súper importantes, pero hay muchos caminos para llegar a la meta. Si tienes una pasión y el amor suficiente por lo que quieres hacer no debe pararte nada ni nadie. Yo me di cuenta de que igual hice lo que quería hacer, así me hubiera graduado de Parsons, así hubiera sacado el título realmente no creo que en este momento de mi vida haría un cambio. Creo que me metí a investigar más allá, el estudio es una base pero nunca se termina, y el estudio lo tienes tanto en la universidad como afuera”.

Portada Laberinto en el Espejo, foto: fotos.lahora.com.ec

Los comentarios que ha recibido sobre su obra son muy diversos. Mucha gente la ha animado para que lleve sus fotografías por otros países, así como también ha recibido comentarios de gente que ha catalogado a sus creaciones como oscuras y depresivas. Para Cordero, los públicos son siempre heterogéneos.

“Aquí estamos en un proceso, es un camino largo. Es difícil aceptar a la fotografía como arte y en este medio aún lo pensamos, peor ahora que con los celulares y las cámaras todo el mundo es fotógrafo. Me he topado con mucha gente que me considera oscura y que cree que mi obra es depresiva y triste; yo vuelvo a lo mismo, para mí es una sanación. No existe la luz sin oscuridad y en mi obra están las dos. Siempre hablo de las polaridades y las dualidades, es una aceptación de lo que es la vida. Vivimos más en paz con aceptación, que rechazando. Sin embargo, en el exterior hay tanta competencia que también es un medio difícil. Estés en donde estés, creo que hay que pelearla”.

El libro Laberinto en el Espejo, que recopila las fotografías de las series Érase una vez, Egos y Ánima se encuentra a la venta en Librimundi, Mr. Books, Rayuela y la tienda del Centro de Arte Contemporáneo (CAC). Si quieres conocer más sobre Lorena, no dudes en visitar su página web y su página de facebook; puedes seguirla en twitter,  o conocer más sobre su obra en su cuenta de flickr y en su blog. También puedes recorrer su última exposición fotográfica, realizada en el Centro de Arte Contemporáneo, a través del Tour Virtual.

Foto: Omar Ganchala

La quiteña Lorena Cordero presentó su exposición de fotografía denominada El Laberinto en el Espejo. El Centro de Arte Contemporáneo “Bicentenario”, antiguo Hospital Militar, recogió 21 cuadros en los que Cordero plasma una realidad alternativa para los finales clásicos de los cuentos de hadas. El Laberinto en el Espejo recogió tres series de Cordero: Érase una vez, Egos y Ánima. Érase una vez fue una de las que más llamó la atención, pues presentó a los populares personajes de cuentos de hadas viviendo una realidad muy distinta a la tradicional “y vivieron felices para siempre”

Una sala oscura, iluminada apenas con lámparas amarillas, recoge a una de las exposiciones fotográficas más extravagantes y mejor logradas de lo que va del año. El Laberinto en el Espejo expone una serie de fotografías impresas sobre lienzos, que recogen la perspectiva que Lorena Cordero tiene acerca de cómo terminaron los personajes de los cuentos de hadas más conocidos del imaginario popular, es decir, qué fue lo que pasó después del “y vivieron felices para siempre”. La fotografía se caracteriza por un excelente manejo del trucaje, un especial cuidado por realzar los detalles y la utilización lúgubre del espacio, pues en su mayoría, las fotos tienden a generar sentimientos tétricos dados a partir de los ambientes negros y azulados, que dan la impresión de un final para nada feliz.

Varios personajes de los cuentos de hadas están presentes en esta muestra. Pinocho, viejo y esquizofrénico, tiene encerrado a Pepito Grillo en una botella de cristal. Como menciona la autora, “ha mentido tanto que ya no sabe distinguir entre lo que es verdad y lo que es ficción”.

Pinocho. Foto: Omar Ganchala

Blancanieves se da también cita en la exposición, su piel sigue siendo tan blanca como la nieve, al igual que su cabello. Ha tenido que enterrar a cada uno de sus amantes enanos y ahora le queda sólo una opción, comer la última manzana que cuelga del árbol de la parte posterior de la escena.

Blancanieves. Foto: Omar Ganchala

La tradicional Caperucita ocupa también un lugar en la exposición, solo que ésta vez la cesta de dulces ha sido reemplazada por el cadáver de un lobo, símbolo de la triunfal venganza del personaje.

La Caperucita Roja. Foto: Omar Ganchala

La Bella Durmiente es un cuadro que no deja de cautivar al buen ojo de los visitantes por la triste imagen que provoca. Cordero nos muestra a un príncipe viejo, canoso, pero que aún alberga la esperanza de que su eterna amada despierte de su largo sueño. Por el contrario, la Bella Durmiente mantiene aún su juventud intacta, su piel blanca y libre de arrugas. Es definitivamente una escena de amor, un amor que vive de la esperanza de un imposible.

La Bella Durmiente. Foto: Omar Ganchala

La elegante Cruella de Vil también tiene un lugar. Al fin consiguió el abrigo que tanto anhelaba, seguramente por eso el visitante podrá observar que ya no hay dálmatas, pues ahora Cruella está acompañada por perros de color negro. Los dálmatas forma parte del abrigo hermoso que lleva puesta y que luce con un garbo especial.

Cruella de Vil. Foto: Omar Ganchala

Sin lugar a dudas, uno de los cuadros que más ha llamado la atención de los visitantes es el de Hansel y Gretel. Para Lorena Cordero, los personajes han caído en el mundo de los vicios. La autora nos muestra a una Gretel completamente obesa producto de haber comido tantos dulces, y a un Hansel que ha sido atrapado por el alcohol. Dos de los vicios que, actualmente, aquejan a nuestra sociedad.

Hansel y Gretel. Foto: Omar Ganchala

La exposición es una verdadera crítica al “vivieron felices para siempre”. Muestra la variedad de la interpretación y el poder imaginativo que la mente humana puede desarrollar. Cada uno de los cuadros transmite un mensaje diferente fruto del trabajo profesional y de la creatividad de Cordero. Sin duda alguna una exposición digna de volver a presentarse.

El encuentro se dio en el barrio La Floresta,  justo en el momento en que Mimmo regresaba a casa luego de dar un paseo con Max, su perro. Llevaba un cigarrillo en la mano y mientras encerraba al bóxer, que no se veía muy contento con mi presencia, lo apagó para entrar enseguida a la sala. Desde el sillón en el que me encontraba, se podía observar al fondo un estudio de fotografía. Mimmo me contó después que solo lo utiliza para dictar clases particulares. Comenzamos hablando sobre la vez en la que le asaltaron afuera de su casa mientras salía a ver a unos amigos suyos; en esa ocasión perdió una de sus cámaras y dos celulares.Uno de los ladrones le apuntó la cara con una pistola, de la cual recuerda varios detalles: “era plateada y hasta me fije en los tornillos que tenía”.

Mimmo Privitera llegó al Ecuador hace más o menos veinte años. Su principal actividad actualmente es la docencia en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador. Fue profesor en la Universidad San Francisco, y dicta seminarios en la Universidad San Gregorio de Portoviejo. Hace publicidad para algunas agencias y clientes particulares, y trabaja como director de fotografía en proyectos de cine.

Llegó a Ecuador desde Sicilia por un trabajo que tenía con la embajada de Italia en comunicación para el desarrollo; primero estuvo dos años en Perú y tenía como opción viajar a África o  Ecuador. Luego de seis años de vivir aquí, casado y con su primera hija, Martina, le fue imposible continuar en la embajada.Probablemente su próximo destino hubiera sido Mozambique. “Ya haces tu vida, ya te quedas, era complicado irse”. Por suerte, ganó un concurso importante con el Municipio de Quito y estuvo a cargo de tomar las fotografías, alrededor de 20 000, para el primer censo cultural.

Antes de dedicarse a la fotografía, estudió electrónica durante cuatro años. Un año antes de acabar la carrera, se dio cuenta de que eso no era para su vida. Entró a la Academia de Bellas Artes en Italia para estudiar cine y fotografía. En este momento, la lluvia interrumpió la conversación: las gotas caían con fuerza y haciendo mucho ruido sobre el techo del estudio de fotografía. Era muy difícil escuchar lo que Mimmo contaba.

Tras esta pausa él retomó su historia; le dijo a su mamá que no le pagara la universidad y entró a trabajar para continuar con su decisión de cambiar de carrera. Todavía le encanta la electrónica, dice que todos los aparatos que llegan a sus manos alguna vez los abre; además cree que le sirve mucho para su trabajo. Para él, es importante ese cambio de lo mecánico a lo digital y cree que es un cambio mental. Su tiempo era mecánico, pero hoy en día todo pasa a través de la electrónica “mueves un mouse y generas una serie de efectos en la computadora que son increíbles”. Una anécdota que recuerda de una clase que dictó a unos “viejitos” es que el momento en el que tenían que descargar las fotos, de la cámara a la computadora, uno de los señores quemó la tarjeta de memoria por accidente. Se le acercó con el cable en la mano, sujetando muy fuerte los extremos como para que nada se escape, y le dijo “si las fotos no están ni en la cámara ni en la computadora deben estar en el cable”. Cree que ahora ya no se piensa de una manera tan lineal, “ahora sabes q haces un cut and paste para lograr lo que quieras”.

Como profesor cuenta que la experiencia tiene altos y bajos: “Uno se mantiene todo el tiempo joven, no te permite envejecer”. Mimmo escucha la música que sus alumnos escuchan, lee lo que están leyendo y eso hace que se mantenga con una mentalidad mucho más fresca, incluso menos conformista que muchos de los jóvenes a los que dicta clases: “Esto permite que no exista ese vacío generacional; rompes con la diferencia, por una parte, y por la otra sientes esa diferencia pero de una manera distinta a alguien que no tenga contacto todos los día con jóvenes… te hace sentir como la vida pasa”.

Le encanta ver películas: mira como tres por semana. Prefiere los directores italianos y el cine europeo. El cine es su fanatismo número uno, el otro es la música. Si tuviera que hacer una clasificación, el jazz estaría en primer lugar, seguido del rock y ahora está fascinado con el trip-hop. Toda forma de arte le atrae, no solo lo visual, “el arte en general, para mi es mi amor secreto”. Cuando dicta clases, no cree en enseñar a sus alumnos a usar una cámara sino a ver, siguiendo el pensamiento de grandes artistas como Picasso, Botticelli o Miguel Ángel.

En el año 2000, Mimmo participó como extra en la película “Prueba de vida”. Recuerda esta experiencia como algo muy gracioso a pesar de que la película le pareció pésima. Cuando tenía que acercarse al casting, le pidieron que llevara un terno y llevó en una funda de Supermaxi el
único traje que tiene -“yo no soy una persona de terno”. Ese momento le compraron tres ternos en una de las tiendas más caras, algo que le pareció ridículo para una persona que iba a parecer cinco segundos en la película. “Lo único bueno era la comida, daban comida tan rica”. También disfrutó de la experiencia porque tuvo la oportunidad de compartir con sus amigos italianos durante cinco días. Ha sido actor de teatro en Italia y también en Ecuador, además ha hecho una que otra publicidad.

Escribe, pero no es tanto su pasión. “Ahora escribir, manteniendo esa filosofía de ser joven, es Twitter”. Mimmo cree que estos espacios permiten que muestres lo que a los demás les va gustando de ti. “Te das cuenta que la gente te prefiere de cierta forma y empiezas a ser el personaje que la gente quiere que seas… Cada cosa q escribes es un grito al mundo para decirle yo soy así”. Cree que Woody Allen es un genio porque con su película La rosa púrpura del Cairo predijo lo que ahora sucede con las redes sociales. La gente tiene que construir algo que le guste porque no está satisfecho con lo que es. También considera que la industria del cambio extremo vende más que ninguna otra por esta misma idea. Y habló sobre la parte de Todo sobre mi madre de Almodóvar, en la que el travesti sale al escenario y dice: “Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí
misma.”

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La conversación terminó, pues Mimmo debía encontrarse con sus hijos, Martina y Mateo. La lluvia no había parado todavía. Trató de encender un cigarrillo más antes de salir pero se arrepintió; es algo que le gustaría dejar pero no lo ha logrado todavía.

El cineasta inglés Danny Boyle deja de lado el romanticismo de ¿Quién quiere ser millonario? Y trae a la pantalla una historia real de angustia y supervivencia.

127 Horas es el tiempo que Aron Ralston padeció hasta lograr una tomar una resolución que de vida o muerte. 127 horas de desesperación, incertidumbre, hambre, frío e inevitable locura que culminan con un sacrificio descarnado, deshidratación extrema y un gran cambio en la vida del personaje.

Aron Ralston (James Franco) se dispone a pasar el fin de semana haciendo senderismo en el cañón conocido como Blue John Canyon, cerca de Utah en Estados Unidos. Mientras desciende por una grieta, la roca que hay bajo sus pies se desprende y juntos caen al suelo. El antebrazo del escalador queda atrapado entre la roca y la pared del cañón. Él se encuentra atrapado en un lugar recóndito en medio de la nada con un solo brazo útil, nadie conoce su ubicación. Así que se ve obligado a tomar una dura decisión por su vida o contemplar lentamente su propia muerte.

Danny Boyle

La película posee un ritmo mixto que combina momentos de gran tensión, situaciones pasadas y pensamientos que culminan en un intenso clímax que sorprende al espectador. Pese a lo reducido del escenario, Boyle no pierde su habitual dinamismo a la hora de rodar. Los movimientos de cámara son constantes en toda la película lo que le otorga gran agilidad al film. Además, el recurso constante de la cámara subjetiva, ubicada en lugares insólitos, facilita una conexión emisor – receptor que evita la monotonía de la película.

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El arte de contar

Un aspecto interesante es que Boyle logra adentrarse en la piel y cabeza de Ralston, por medio del realce de los preámbulos y detalles de la vida del personaje principal, que aparecen como secuencias cortas. De esta manera, el director se va directo da dinamismo y profundidad a una historia que encuentra su verdadero valor en la forma en que está contada. El espectador se conmueve al observar los recuerdos de Ralston, su infancia, su juventud, todas las acciones y momentos que lo han llevado a estar donde está ahora, pero esos recuerdos son los que le ayudan a salir adelante, porque imagina a su gente esperándolo. Una recóndita grieta no puede convertirse en su sepultura.

Además de los recuerdos de Ralston, el director plasma en pantalla sus pensamientos y sus sensaciones (su sed, su hambre, su desesperación). Inclusive Boyle tiene la habilidad de incluir el humor en una de las secuencias más duras para el alpinitsa, un humor negro, que permite tomar un poco de aire para afrontar la siguiente escena.

Enrique Chediak

La dirección de fotografía estuvo a cargo del ecuatoriano Enrique Chediak, quien ha trabajado en otros proyectos con Sebastían Cordero como Crónica y Rabia. En esta cinta, el camarógrafo cambia constantemente el ángulo de la cámara para poder observar la escena desde diferentes perspectivas. De modo que el espectador tenga una vista más amplia del entorno que rodea a Ralston, de lo reducido e incómodo que es el espacio en el que se encuentra trabado, de lo asfixiantes que resultan los pocos metros de los que dispone para su movilidad.

La música es un recurso del que muchos directores se valen para cambiar el ritmo y las sensaciones producidad por la acción en determiandas escenas. En este caso, Boyle contrasta la dureza de las imágenes con una música más animada; mientras que, en otras, los acordes intensifican las emociones de aquél instante. En ese sentido, el tema de cierre de la banda escandinava Sigur Rós y la certera banda sonora de A.R. Rahman – con quien ya había trabajado en Slumdog Millionaire -  solemne y estimulante a lo largo de todo el largometraje.

James Franco es Aron Ralston

Con la combinación de una magnífica actuación de James Franco (quien fue nominado al Óscar por este papel),  Boyle convierte “127 horas” en una magnífica obra de arte que conjuga todas las emociones que puede sentir el ser humano. Es un relato cargado de energía que no deja de impresionarnos en ningún instante. Además, la simpleza de la escenografía conjugada con la complejidad del personaje hacen de esta una de las películas más sobresalientes de 2010. Sus seis nominaciones al tan codiciado Premio de la Academia: mejor película, actor, guión adaptado, montaje, banda sonora original, canción (‘If I Rise’) son una prueba de ello. Una película que vale la pena ver, entender y, sobre todo, sentir.

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El dvd de la película ya está a la venta. Para verla y buscar material descargable se puede ingresar a : www.foxsearchlight.com/127hours

“Esta selección no constituye un inventario de acontecimientos mundiales, sino más bien un viaje fotográfico, un rompecabezas visual que celebra el punto de vista del fotógrafo, y que ofrece lo mejor de cada fotografía para que reflexione pregunte y disfrute”.

Del 28 de enero al 19 de febrero, el Centro Cultural Metropolitano ofrecerá una de las mejores exposiciones fotográficas. Este año el World Press Photo tiene como temas fundamentales la crónica roja y la fotografía de guerra. Esta muestra gratuita visitará París, Berlín, Milán y otras ciudades, mostrando las   historias más impactantes  en los lugares más recónditos del planeta.

World Press Photo es una organización independiente fundada en 1955 con sede en Ámsterdam, que organiza el mayor concurso de fotografía de prensa donde se premia a la siguientes categorías: noticias de actualidad, temas  y personajes de actualidad, deportes y fotografías de acción, reportajes deportivos, temas contemporáneos, vida cotidiana, retratos, arte, entretenimiento, y naturaleza.

Estos son algunos fotógrafos que participaron:

• Walter Astrada (Argentina)  1st Prize Spot New Stories. Foto en Madagascar durante el golpe de estado al presidente Andry Rajoelina.
• David Chancellor (UK) 3st Prize People in the new stories. Foto en Mozambique, caza de elefantes.
• Roderik Hederson (Países Bajos) 1st Prize Portraits Stories
• Karla Gachet (Ecuador) 3st Prize Author Photoshot. Sesión de fotos a bailarina de tango.
• Marco Vernaschi (Italia) 1st Prize Contemporary Issues. Foto en Ginea-Bissau, cocainómanos.
• Tommaso Ausili (Italia) 3st Prize Contemporary Issues. Foto en Umbra, Italia, mataderos.
• Kitra Cahana (Canadá) 1st Prize Arts and Entertainment
• Mohammed Abed (Territorios Palestinos) 3st Prize News
• Gihan Tubbeh (Perú) 1st Prize Daily Life

Puedes visitar la exposición de martes de domingo de 9:00 a 18:00 en el CCM García Moreno y Espejo.

“Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, no estás lo suficientemente cerca”. Así inicia documental Fotógrafo de guerra de Christian Frei, que constituye un complejo y completo retrato de James Nachtwey, considerado como uno de los mejores fotógrafos de guerra.

"Sudán, 1993. Víctimas del hambruna en un centro de alimentación." Foto de James Nachtwey

Al observar las fotos de Nachtwey, parecería que ha hecho de esta cita de Robert Capa su consigna de vida. Ha estado más cerca de la muerte, del sufrimiento, del dolor, de la guerra, de la violencia extrema, de la injusticia, de la pobreza, que cualquier otro mortal común… y de todas esas lacras sociales que la mayoría decidimos olvidar o hacernos de ojos ciegos, pero que él las ha asumido como “su pan de cada día” para recordarnos que suceden y que no se deben repetir, como dice su página oficial.

Cámara de video que muestra a Nachtwey en acción, un fabuloso recurso técnico del documental. © Christian Frei Filmproductions

El documental de Christian Frei constituye un hábil retrato de este personaje y una reflexión sobre el oficio de un fotógrafo de guerra. Demuestra un trabajo largo, profundo y comprometido: digno del protagonista del filme. La cámara es la silenciosa acompañante de Nachtwey en su recorrido por los mayores sitios de conflicto a nivel mundial. Aparece como perfeccionista, metódico y riguroso en su oficio, lo que se refleja en su apariencia: sobrio en su vestir, pelo y atuendo impecables, incluso en las peores circunstancias. Los planos largos lo caracterizan como un hombre controlado, que no se exalta con facilidad y, en el momento de crisis, conserva la calma y toma decisiones acertadas, característica que él considera fundamental en su trabajo. Los testimonios de algunos de sus colegas, periodistas que lo conocen y otros pocos allegados refuerzan lo que dice la cámara: el profundo comprometimiento con su trabajo y el cúmulo de experiencias vividas, suficiente razón para enloquecer a cualquiera, han traído como consecuencia inevitable la soledad a su vida.

Sobra decir que estéticamente las fotografías de Nachtwey son fantásticas. Demuestran un conocimiento profundo de todas las técnicas, y una inteligencia especial para captar el instante. En un oficio tan polémico como este, donde –como se decía en el documental– los fotógrafos parecen una especie de roedores que están a la espera de que pase lo peor para disparar e irse, sin tomar parte alguna en los hechos, él hace todo lo contrario. En su obra demuestra un profundo respeto por quienes retrata, empatía con las emociones humanas y, sobre todo, comprometimiento con una tarea superior a él mismo: sus fotografías son la voz de quienes no tienen voz. Debido a ello, sus fotos son tan buenas y trascienden toda barrera cultural: pertenecen al lenguaje universal de las emociones.

"Sudáfrica, 2000 - Abuela cuida de una joven niña afectada por VIH." de James Nachtwey

Al ver la película, me quedé con la sensación de que un oficio así, que demanda ese grado de comprometimiento, una profunda voluntad de cambio, es uno de los únicos que vale la pena acometer. Realmente contrastan estos valores con los de nuestra generación, que se destacan por todo lo contrario: individualismo, poca solidaridad, hedonismo y falta de compromiso para con cualquier cosa.

Si las fotos de los souvenirs de Michael Hughes te parecieron interesantes, quizás también te dejarás sorprender por este fotógrafo.

Como puedes apreciar, Ben Heine no solamente toma fotografías. Aunque, si de fotos se trata, tiene varios proyectos en su página de Flickr.

Estas imágenes corresponden a uno de sus trabajos llamado Pencil vs Camera. Quizás hayas visto esta técnica en otros artistas, pero se dice que Heine ha trabajado bastante en ella y la ha perfeccionado.

Michael Hughes simplemente tuvo una genial idea: colocar una miniatura en lugar del monumento.

Esta es una de las combinaciones hechas por este fotógrafo londinense. La mayoría son monumentos turísticos reemplazados con souvenirs baratos. O la portada de un disco:

Pero, ¿por qué empezó a fotografiar souvenirs en lugar de los propios monumentos? Fue gracias a una taza de cartón, ocurrió cuando  Michael Hughes estaba tomando café en el ferry de Staaten Island.

Al observar la Estatua de la Libertad se dio cuenta de que en su taza estaba impresa una imagen de la misma. Era 1998 cuando tomó la foto, colocando el monumento dibujado sobre el real. Era la primera foto de una colección de más de 100 imágenes tomadas en 200 países diferentes.

Él llega a su destino, visita el sitio turístico más cercano, compra el souvenir más barato, y toma la fotografía. A veces captura hasta 50 imágenes, para encontrar la posición exacta y mantener la proporción con el firmamento.

Quizás se pregunten ¿por qué compra los souvenirs más baratos? Ahora trabaja como fotógrafo freelance en Alemania, pero antes tenía una faceta snob y compraba los souvenirs más caros. El cambio hacia los recuerdos baratos tiene relación con la idea infantil de ponerlos en la foto.

Muchos fotógtrafos han intentado copiarlo, pero debido a la dificultad del trabajo, nadie lo ha logrado con éxito. Por esto ha sacado un libro con las las 20 mejores imágenes: Souvenirs. Porque “los souvenirs son en realidad algo para probarle a alguien que han tenido una vida, y han estado en algún lugar  importante”.

Mira la colección completa de Souvenirs en Flickr. ¿Tienes ganas de más? Visita su blog.