El encuentro se dio en el barrio La Floresta,  justo en el momento en que Mimmo regresaba a casa luego de dar un paseo con Max, su perro. Llevaba un cigarrillo en la mano y mientras encerraba al bóxer, que no se veía muy contento con mi presencia, lo apagó para entrar enseguida a la sala. Desde el sillón en el que me encontraba, se podía observar al fondo un estudio de fotografía. Mimmo me contó después que solo lo utiliza para dictar clases particulares. Comenzamos hablando sobre la vez en la que le asaltaron afuera de su casa mientras salía a ver a unos amigos suyos; en esa ocasión perdió una de sus cámaras y dos celulares.Uno de los ladrones le apuntó la cara con una pistola, de la cual recuerda varios detalles: “era plateada y hasta me fije en los tornillos que tenía”.

Mimmo Privitera llegó al Ecuador hace más o menos veinte años. Su principal actividad actualmente es la docencia en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador. Fue profesor en la Universidad San Francisco, y dicta seminarios en la Universidad San Gregorio de Portoviejo. Hace publicidad para algunas agencias y clientes particulares, y trabaja como director de fotografía en proyectos de cine.

Llegó a Ecuador desde Sicilia por un trabajo que tenía con la embajada de Italia en comunicación para el desarrollo; primero estuvo dos años en Perú y tenía como opción viajar a África o  Ecuador. Luego de seis años de vivir aquí, casado y con su primera hija, Martina, le fue imposible continuar en la embajada.Probablemente su próximo destino hubiera sido Mozambique. “Ya haces tu vida, ya te quedas, era complicado irse”. Por suerte, ganó un concurso importante con el Municipio de Quito y estuvo a cargo de tomar las fotografías, alrededor de 20 000, para el primer censo cultural.

Antes de dedicarse a la fotografía, estudió electrónica durante cuatro años. Un año antes de acabar la carrera, se dio cuenta de que eso no era para su vida. Entró a la Academia de Bellas Artes en Italia para estudiar cine y fotografía. En este momento, la lluvia interrumpió la conversación: las gotas caían con fuerza y haciendo mucho ruido sobre el techo del estudio de fotografía. Era muy difícil escuchar lo que Mimmo contaba.

Tras esta pausa él retomó su historia; le dijo a su mamá que no le pagara la universidad y entró a trabajar para continuar con su decisión de cambiar de carrera. Todavía le encanta la electrónica, dice que todos los aparatos que llegan a sus manos alguna vez los abre; además cree que le sirve mucho para su trabajo. Para él, es importante ese cambio de lo mecánico a lo digital y cree que es un cambio mental. Su tiempo era mecánico, pero hoy en día todo pasa a través de la electrónica “mueves un mouse y generas una serie de efectos en la computadora que son increíbles”. Una anécdota que recuerda de una clase que dictó a unos “viejitos” es que el momento en el que tenían que descargar las fotos, de la cámara a la computadora, uno de los señores quemó la tarjeta de memoria por accidente. Se le acercó con el cable en la mano, sujetando muy fuerte los extremos como para que nada se escape, y le dijo “si las fotos no están ni en la cámara ni en la computadora deben estar en el cable”. Cree que ahora ya no se piensa de una manera tan lineal, “ahora sabes q haces un cut and paste para lograr lo que quieras”.

Como profesor cuenta que la experiencia tiene altos y bajos: “Uno se mantiene todo el tiempo joven, no te permite envejecer”. Mimmo escucha la música que sus alumnos escuchan, lee lo que están leyendo y eso hace que se mantenga con una mentalidad mucho más fresca, incluso menos conformista que muchos de los jóvenes a los que dicta clases: “Esto permite que no exista ese vacío generacional; rompes con la diferencia, por una parte, y por la otra sientes esa diferencia pero de una manera distinta a alguien que no tenga contacto todos los día con jóvenes… te hace sentir como la vida pasa”.

Le encanta ver películas: mira como tres por semana. Prefiere los directores italianos y el cine europeo. El cine es su fanatismo número uno, el otro es la música. Si tuviera que hacer una clasificación, el jazz estaría en primer lugar, seguido del rock y ahora está fascinado con el trip-hop. Toda forma de arte le atrae, no solo lo visual, “el arte en general, para mi es mi amor secreto”. Cuando dicta clases, no cree en enseñar a sus alumnos a usar una cámara sino a ver, siguiendo el pensamiento de grandes artistas como Picasso, Botticelli o Miguel Ángel.

En el año 2000, Mimmo participó como extra en la película “Prueba de vida”. Recuerda esta experiencia como algo muy gracioso a pesar de que la película le pareció pésima. Cuando tenía que acercarse al casting, le pidieron que llevara un terno y llevó en una funda de Supermaxi el
único traje que tiene -“yo no soy una persona de terno”. Ese momento le compraron tres ternos en una de las tiendas más caras, algo que le pareció ridículo para una persona que iba a parecer cinco segundos en la película. “Lo único bueno era la comida, daban comida tan rica”. También disfrutó de la experiencia porque tuvo la oportunidad de compartir con sus amigos italianos durante cinco días. Ha sido actor de teatro en Italia y también en Ecuador, además ha hecho una que otra publicidad.

Escribe, pero no es tanto su pasión. “Ahora escribir, manteniendo esa filosofía de ser joven, es Twitter”. Mimmo cree que estos espacios permiten que muestres lo que a los demás les va gustando de ti. “Te das cuenta que la gente te prefiere de cierta forma y empiezas a ser el personaje que la gente quiere que seas… Cada cosa q escribes es un grito al mundo para decirle yo soy así”. Cree que Woody Allen es un genio porque con su película La rosa púrpura del Cairo predijo lo que ahora sucede con las redes sociales. La gente tiene que construir algo que le guste porque no está satisfecho con lo que es. También considera que la industria del cambio extremo vende más que ninguna otra por esta misma idea. Y habló sobre la parte de Todo sobre mi madre de Almodóvar, en la que el travesti sale al escenario y dice: “Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí
misma.”

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La conversación terminó, pues Mimmo debía encontrarse con sus hijos, Martina y Mateo. La lluvia no había parado todavía. Trató de encender un cigarrillo más antes de salir pero se arrepintió; es algo que le gustaría dejar pero no lo ha logrado todavía.

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El cineasta inglés Danny Boyle deja de lado el romanticismo de ¿Quién quiere ser millonario? Y trae a la pantalla una historia real de angustia y supervivencia.

127 Horas es el tiempo que Aron Ralston padeció hasta lograr una tomar una resolución que de vida o muerte. 127 horas de desesperación, incertidumbre, hambre, frío e inevitable locura que culminan con un sacrificio descarnado, deshidratación extrema y un gran cambio en la vida del personaje.

Aron Ralston (James Franco) se dispone a pasar el fin de semana haciendo senderismo en el cañón conocido como Blue John Canyon, cerca de Utah en Estados Unidos. Mientras desciende por una grieta, la roca que hay bajo sus pies se desprende y juntos caen al suelo. El antebrazo del escalador queda atrapado entre la roca y la pared del cañón. Él se encuentra atrapado en un lugar recóndito en medio de la nada con un solo brazo útil, nadie conoce su ubicación. Así que se ve obligado a tomar una dura decisión por su vida o contemplar lentamente su propia muerte.

Danny Boyle

La película posee un ritmo mixto que combina momentos de gran tensión, situaciones pasadas y pensamientos que culminan en un intenso clímax que sorprende al espectador. Pese a lo reducido del escenario, Boyle no pierde su habitual dinamismo a la hora de rodar. Los movimientos de cámara son constantes en toda la película lo que le otorga gran agilidad al film. Además, el recurso constante de la cámara subjetiva, ubicada en lugares insólitos, facilita una conexión emisor – receptor que evita la monotonía de la película.

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El arte de contar

Un aspecto interesante es que Boyle logra adentrarse en la piel y cabeza de Ralston, por medio del realce de los preámbulos y detalles de la vida del personaje principal, que aparecen como secuencias cortas. De esta manera, el director se va directo da dinamismo y profundidad a una historia que encuentra su verdadero valor en la forma en que está contada. El espectador se conmueve al observar los recuerdos de Ralston, su infancia, su juventud, todas las acciones y momentos que lo han llevado a estar donde está ahora, pero esos recuerdos son los que le ayudan a salir adelante, porque imagina a su gente esperándolo. Una recóndita grieta no puede convertirse en su sepultura.

Además de los recuerdos de Ralston, el director plasma en pantalla sus pensamientos y sus sensaciones (su sed, su hambre, su desesperación). Inclusive Boyle tiene la habilidad de incluir el humor en una de las secuencias más duras para el alpinitsa, un humor negro, que permite tomar un poco de aire para afrontar la siguiente escena.

Enrique Chediak

La dirección de fotografía estuvo a cargo del ecuatoriano Enrique Chediak, quien ha trabajado en otros proyectos con Sebastían Cordero como Crónica y Rabia. En esta cinta, el camarógrafo cambia constantemente el ángulo de la cámara para poder observar la escena desde diferentes perspectivas. De modo que el espectador tenga una vista más amplia del entorno que rodea a Ralston, de lo reducido e incómodo que es el espacio en el que se encuentra trabado, de lo asfixiantes que resultan los pocos metros de los que dispone para su movilidad.

La música es un recurso del que muchos directores se valen para cambiar el ritmo y las sensaciones producidad por la acción en determiandas escenas. En este caso, Boyle contrasta la dureza de las imágenes con una música más animada; mientras que, en otras, los acordes intensifican las emociones de aquél instante. En ese sentido, el tema de cierre de la banda escandinava Sigur Rós y la certera banda sonora de A.R. Rahman – con quien ya había trabajado en Slumdog Millionaire -  solemne y estimulante a lo largo de todo el largometraje.

James Franco es Aron Ralston

Con la combinación de una magnífica actuación de James Franco (quien fue nominado al Óscar por este papel),  Boyle convierte “127 horas” en una magnífica obra de arte que conjuga todas las emociones que puede sentir el ser humano. Es un relato cargado de energía que no deja de impresionarnos en ningún instante. Además, la simpleza de la escenografía conjugada con la complejidad del personaje hacen de esta una de las películas más sobresalientes de 2010. Sus seis nominaciones al tan codiciado Premio de la Academia: mejor película, actor, guión adaptado, montaje, banda sonora original, canción (‘If I Rise’) son una prueba de ello. Una película que vale la pena ver, entender y, sobre todo, sentir.

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El dvd de la película ya está a la venta. Para verla y buscar material descargable se puede ingresar a : www.foxsearchlight.com/127hours

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“Esta selección no constituye un inventario de acontecimientos mundiales, sino más bien un viaje fotográfico, un rompecabezas visual que celebra el punto de vista del fotógrafo, y que ofrece lo mejor de cada fotografía para que reflexione pregunte y disfrute”.

Del 28 de enero al 19 de febrero, el Centro Cultural Metropolitano ofrecerá una de las mejores exposiciones fotográficas. Este año el World Press Photo tiene como temas fundamentales la crónica roja y la fotografía de guerra. Esta muestra gratuita visitará París, Berlín, Milán y otras ciudades, mostrando las   historias más impactantes  en los lugares más recónditos del planeta.

World Press Photo es una organización independiente fundada en 1955 con sede en Ámsterdam, que organiza el mayor concurso de fotografía de prensa donde se premia a la siguientes categorías: noticias de actualidad, temas  y personajes de actualidad, deportes y fotografías de acción, reportajes deportivos, temas contemporáneos, vida cotidiana, retratos, arte, entretenimiento, y naturaleza.

Estos son algunos fotógrafos que participaron:

• Walter Astrada (Argentina)  1st Prize Spot New Stories. Foto en Madagascar durante el golpe de estado al presidente Andry Rajoelina.
• David Chancellor (UK) 3st Prize People in the new stories. Foto en Mozambique, caza de elefantes.
• Roderik Hederson (Países Bajos) 1st Prize Portraits Stories
• Karla Gachet (Ecuador) 3st Prize Author Photoshot. Sesión de fotos a bailarina de tango.
• Marco Vernaschi (Italia) 1st Prize Contemporary Issues. Foto en Ginea-Bissau, cocainómanos.
• Tommaso Ausili (Italia) 3st Prize Contemporary Issues. Foto en Umbra, Italia, mataderos.
• Kitra Cahana (Canadá) 1st Prize Arts and Entertainment
• Mohammed Abed (Territorios Palestinos) 3st Prize News
• Gihan Tubbeh (Perú) 1st Prize Daily Life

Puedes visitar la exposición de martes de domingo de 9:00 a 18:00 en el CCM García Moreno y Espejo.

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“Si tus fotos no son lo suficientemente buenas, no estás lo suficientemente cerca”. Así inicia documental Fotógrafo de guerra de Christian Frei, que constituye un complejo y completo retrato de James Nachtwey, considerado como uno de los mejores fotógrafos de guerra.

"Sudán, 1993. Víctimas del hambruna en un centro de alimentación." Foto de James Nachtwey

Al observar las fotos de Nachtwey, parecería que ha hecho de esta cita de Robert Capa su consigna de vida. Ha estado más cerca de la muerte, del sufrimiento, del dolor, de la guerra, de la violencia extrema, de la injusticia, de la pobreza, que cualquier otro mortal común… y de todas esas lacras sociales que la mayoría decidimos olvidar o hacernos de ojos ciegos, pero que él las ha asumido como “su pan de cada día” para recordarnos que suceden y que no se deben repetir, como dice su página oficial.

Cámara de video que muestra a Nachtwey en acción, un fabuloso recurso técnico del documental. © Christian Frei Filmproductions

El documental de Christian Frei constituye un hábil retrato de este personaje y una reflexión sobre el oficio de un fotógrafo de guerra. Demuestra un trabajo largo, profundo y comprometido: digno del protagonista del filme. La cámara es la silenciosa acompañante de Nachtwey en su recorrido por los mayores sitios de conflicto a nivel mundial. Aparece como perfeccionista, metódico y riguroso en su oficio, lo que se refleja en su apariencia: sobrio en su vestir, pelo y atuendo impecables, incluso en las peores circunstancias. Los planos largos lo caracterizan como un hombre controlado, que no se exalta con facilidad y, en el momento de crisis, conserva la calma y toma decisiones acertadas, característica que él considera fundamental en su trabajo. Los testimonios de algunos de sus colegas, periodistas que lo conocen y otros pocos allegados refuerzan lo que dice la cámara: el profundo comprometimiento con su trabajo y el cúmulo de experiencias vividas, suficiente razón para enloquecer a cualquiera, han traído como consecuencia inevitable la soledad a su vida.

Sobra decir que estéticamente las fotografías de Nachtwey son fantásticas. Demuestran un conocimiento profundo de todas las técnicas, y una inteligencia especial para captar el instante. En un oficio tan polémico como este, donde –como se decía en el documental– los fotógrafos parecen una especie de roedores que están a la espera de que pase lo peor para disparar e irse, sin tomar parte alguna en los hechos, él hace todo lo contrario. En su obra demuestra un profundo respeto por quienes retrata, empatía con las emociones humanas y, sobre todo, comprometimiento con una tarea superior a él mismo: sus fotografías son la voz de quienes no tienen voz. Debido a ello, sus fotos son tan buenas y trascienden toda barrera cultural: pertenecen al lenguaje universal de las emociones.

"Sudáfrica, 2000 - Abuela cuida de una joven niña afectada por VIH." de James Nachtwey

Al ver la película, me quedé con la sensación de que un oficio así, que demanda ese grado de comprometimiento, una profunda voluntad de cambio, es uno de los únicos que vale la pena acometer. Realmente contrastan estos valores con los de nuestra generación, que se destacan por todo lo contrario: individualismo, poca solidaridad, hedonismo y falta de compromiso para con cualquier cosa.

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Si las fotos de los souvenirs de Michael Hughes te parecieron interesantes, quizás también te dejarás sorprender por este fotógrafo.

Como puedes apreciar, Ben Heine no solamente toma fotografías. Aunque, si de fotos se trata, tiene varios proyectos en su página de Flickr.

Estas imágenes corresponden a uno de sus trabajos llamado Pencil vs Camera. Quizás hayas visto esta técnica en otros artistas, pero se dice que Heine ha trabajado bastante en ella y la ha perfeccionado.

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Michael Hughes simplemente tuvo una genial idea: colocar una miniatura en lugar del monumento.

Esta es una de las combinaciones hechas por este fotógrafo londinense. La mayoría son monumentos turísticos reemplazados con souvenirs baratos. O la portada de un disco:

Pero, ¿por qué empezó a fotografiar souvenirs en lugar de los propios monumentos? Fue gracias a una taza de cartón, ocurrió cuando  Michael Hughes estaba tomando café en el ferry de Staaten Island.

Al observar la Estatua de la Libertad se dio cuenta de que en su taza estaba impresa una imagen de la misma. Era 1998 cuando tomó la foto, colocando el monumento dibujado sobre el real. Era la primera foto de una colección de más de 100 imágenes tomadas en 200 países diferentes.

Él llega a su destino, visita el sitio turístico más cercano, compra el souvenir más barato, y toma la fotografía. A veces captura hasta 50 imágenes, para encontrar la posición exacta y mantener la proporción con el firmamento.

Quizás se pregunten ¿por qué compra los souvenirs más baratos? Ahora trabaja como fotógrafo freelance en Alemania, pero antes tenía una faceta snob y compraba los souvenirs más caros. El cambio hacia los recuerdos baratos tiene relación con la idea infantil de ponerlos en la foto.

Muchos fotógtrafos han intentado copiarlo, pero debido a la dificultad del trabajo, nadie lo ha logrado con éxito. Por esto ha sacado un libro con las las 20 mejores imágenes: Souvenirs. Porque “los souvenirs son en realidad algo para probarle a alguien que han tenido una vida, y han estado en algún lugar  importante”.

Mira la colección completa de Souvenirs en Flickr. ¿Tienes ganas de más? Visita su blog.

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  La obra fotográfica Punta Sur que se exhibe en el Centro Cultural Metropolitano es un recorrido por Sudamérica. La exposición, de alrededor de 50 fotografías, surge tras un viaje que empezaron los fotógrafos Iván Kashinsky y Karla Gachet el 6 de febrero de 2009. Montados en su automóvil Vitara visitaron Ecuador, Perú, Bolivia, Argentina y Chile.

 “La fotografía ayuda a las personas a ver” dijo la fotógrafa estadounidense Berenice Abbott; Karla Gachet e Iván Kashinsky a través de sus fotografías documentales nos revelan  la vida actual de América del Sur, su rostro cambiante e incluso aterrador. Con su talento y perspectiva fresca capturaron la tragedia y la belleza de un territorio lleno de contradicciones.    

“Por la carretera…la suerte viene, la suerte se va por la frontera; la suerte viene la suerte se va; el hombre viene, el hombre se va cuándo volverá, por la carretera…” suena de fondo en la voz de Manu Chao mientras nuestros ojos recorren fotos con temas que no se publican en los libros para turistas. El altiplano boliviano, la fe sincretizada, rojos y azules intensos en los paisajes del parque nacional Tierra de fuego, el horror de las abandonadas minas de nitrato en Chile, la inmensidad del salar de Uyuni. De Ecuador se ve el verdor de Esmeraldas y el Oriente; de Perú, la fiesta de Yawar donde pelean el cóndor (peruanos) y el toro (españoles); de Bolivia, sorprenden las fotografías de niños y mujeres, con vestidos largos floreados y sombreros de paja con lazos, realizando actividades cotidianas en una comunidad de Menonitas; Chile muestra Teuquelín y el desierto de Atacama; y finalmente de Argentina algunas de las fotos de Ceci, una bailarina de tango, que fue la serie ganadora de la categoría Arte y Entretenimiento en el concurso mundial World Press Photo.

En el fondo de la sala, en una pantalla entre dos columnas de piedra se pasa un video con las imágenes que se descartaron para la muestra pero que componen las 200 imágenes capturadas durante viaje de Karla e Iván, que están en su libro Historias mínimas. La obra fotográfica se exhibirá hasta el 4 de abril.

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Calaveras con alas, desnudos decapitados, andróginos, seres deformados y cadáveres forman parte de los cuadros fotográficos de Joel- Peter Witkin.

Witkin es un fotógrafo neoyorquino nacido en 1939. Su formación como artista empezó desde 1958 como ayudante y técnico en estudios fotográficos, tiempo durante el cual aprendió diversas técnicas. Más tarde se desempeñó como fotógrafo de guerra en Vietnam durante tres años y. En 1967 empiezó su carrera de manera independiente. Ingresó a la Cooper School donde estudió escultura. Posteriormente, recibió una beca de la universidad de Columbia y finalizó sus estudios en Nuevo México.

Para Witkin, los colores de la fotografía son el negro y blanco, sin embargo, tiene algunas obras a color en las cuales el artista realizó un labor especial con los pigmentos. Esta técnica, dye transfer,  la aprendió durante su trabajo en un estudio fotográfico. Las obras de Witkin son cuadros fotográficos que buscan la belleza a través de lo grotesco.

Los cuadros de Witkin muestran escenas que crean alegorías con personajes no comunes: deformes, enanos, obesos, cadáveres, mutilados, andróginos, entre otros. Los elementos de estos cuadros están dispuestos a partir una estética circense pero que conserva las poses clásicas. Aparecen constantes referencias a grandes pintores del Renacimiento y del siglo XX. En una fotografía de Witkin podemos encontrar a Velázquéz y a Miró, a Botichelli y a Picasso o a Goya. Aparece la oposición de lo clásico y lo contemporáneo; sin embargo, Witkin va más allá de estas dos tendencias.

Witkin utiliza un montaje elaborado, estructurado y con imágenes complejas. Existe una especie de barroco en algunas obras. Hay imágenes cargadas de diversos elementos, algunos de los cuales hacen que el espectador quede atrapado. No existe un espectador indiferente frente a una obra de este autor.

La iluminación en los cuadros fotográficos también es muy bien lograda, crea fuertes contrastes que hacen que la imagen sea imponente. Vemos que en las obras de Witkin cada elemento estético es perfectamente dispuesto para crear un mundo de “amor y redención”, como dice el autor, donde aparecen temas como el terror y la muerte, donde las imágenes perturbadoras desmantelan ideas sobre la belleza y la sexualidad en el arte de la fotografía.

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REVISTA RETROVISOR

El Ecuador visto desde sus imágenes, desde su cultura visual y su perspectiva gráfica. Esta es la propuesta de RETROVISOR, revista ecuatoriana con dos años de edad, que explora las diferentes dimensiones y expresiones visuales que se producen en nuestro país. Ya sea desde el curioso letrero “Ceviche de huevo”, pintado en la viga de un comedor en Guayaquil; hasta la palabra “Pecador”, escrita con tino en la puerta trasera de un camión anónimo, la expresión grafica en Ecuador es tan rica y variada, que  promete arduo trabajo al equipo de RETROVISOR.

La revista  nace por iniciativa de los artistas Pablo Mogrovejo y Pablo Iturralde para celebrar sus 10 años de creaciones visuales. En un comienzo  publicaron brochures, es decir afiches, volantes,  trípticos o demás,  que representaran  su empresa; pero luego, al cabo de 180 copias y un incentivo de  80.000 dólares por parte del Ministerio de Cultura, pudieron poner en marcha “La primera revista ecuatoriana dedicada enteramente a la gráfica y a la comunicación visual”.

La cuarta edición de RETROVISOR cuenta con un amplio repertorio de notas, ensayos y entrevistas, que, en su mayoría, abarcan dimensiones paralelas de la cultura visual del país. La identidad nacional, de un pueblo, o de un grupo social, se ve expuesta en la revista, desde sus expresiones gráficas, y por ende, desde su producción visual.

Dicha edición expone el mundo del graffiti, la producción gráfica urbana y rural, la alteridad del disfraz, y  la identidad grupal desde un símbolo gráfico ancestral; todo esto, buscando la reivindicación del trabajo y de las imágenes populares y alternativas, no solo del arte, sino también de la producción visual cotidiana del Ecuador.

RETROVISOR, trimestralmente, publica más de 1500 ejemplares; renovando sus propuestas, dialogando con artistas, creadores y personajes; explorando las propuestas ancestrales y actuales,  de este mundo que fluctúa entre lo imaginario y lo tangible: lo visual.

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1. Capoeira: Baile, cultura y expresión corporal

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“La imagen, las letras y la imaginación juntas. Aquí todo es ficción o si no, la hacemos”. Juan Pablo Urgilés,  joven cuentista de 22 años, egresado de la Facultad de Comunicación de la PUCE y ex editor de El  Imperdible,  nos cuenta que su travesía en internet empezó como un requisito para aprobar una materia de la carrera universitaria. Para ese entonces ya tenía otro blog que pretendía comentar sobre libros y  películas; asimismo, tenía los archivos de fotos que había tomado desde el 2004 y apuntes sobre sus historias que para él son “críticas a la sociedad”. Poco a poco su blog: Cuentosenjpg se consolidó como una nueva propuesta en narrativa. Para  él,  todo esto es  un “enlatado de su vida”.  Paseos, caminatas, ensayos y tocadas con los  amigos, viajes con la familia y algún fin de semana.

No resulta difícil preguntarse si existe alguna continuidad entre generaciones, que en un momento se funden en el tiempo pero no así en la escritura o en la elaboración de ideas originales. A ello se suma que, a partir de las nuevas tecnologías, podemos hablar de una diversidad de propuestas que se dispersan cada vez más. La globalización en este sentido difumina identidades y ahonda la dispersión de referentes, de influencias, de tendencias.

Juan Pablo define el arte gráfico como: “mostrar algo con lo que los ojos del resto se impresionen instantáneamente y pensar en cómo lo hicieron”. Por otro lado, Wikipedia lo define como: “un proceso artístico de la creación de un diseño usando un medio y la transferencia de la imagen hacia un sustrato (como el papel), creando así una expresión artística”. Ambas definiciones son semejantes: tal vez la última más técnica que la primera, pero las dos expresan de manera  tácita lo que el autor está transmitiendo y tratando de definir: arte.

El blog, como medio artístico, tiene un impacto directo sobre quien lo visita, por las fotos publicadas más que por lo escrito,”…no es tan rígido, la mayoría de posts son sin texto, y los que tienen texto no son cosas con principio o final. Necesitas detenerte a leer y ver la foto para entender”, concluye Juan Pablo.

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